Música vocal en el siglo XVI:.

Tabla de contenido

A principios del siglo XVI, el estilo de la música vocal era generalmente uniforme debido a la influencia omnipresente de los holandeses durante el medio siglo anterior. Esa uniformidad persistió hasta bien entrado el Renacimiento tardío, pero fue gradualmente reemplazada por diferencias nacionales emergentes, nuevas formas y la creciente importancia de Italia como centro musical durante la segunda mitad del siglo XVI.

La rápida acumulación de nuevas técnicas y recursos musicales produjo un amplio vocabulario de expresión artística, y la invención de la imprenta musical ayudó a la rápida dispersión de nuevas técnicas. En una época en la que la música era una gracia social esencial, los compositores escribieron música más secular, en la que existían menos restricciones técnicas y se aplaudía la experimentación y la novedad. Los avances fueron particularmente evidentes en las armonías atrevidas, ya que el cromatismo (el uso de notas que no pertenecen al modo de la composición) hizo sonar la sentencia de muerte del sistema modal.

La práctica litúrgica dictaba que la misa y el motete siguieran siendo las principales formas de música vocal sacra. Comparado con la música secular, su estilo era conservador, pero inevitablemente algunas de las técnicas seculares más nuevas se infiltraron y figuraron efectivamente en la música de la Contrarreforma dentro de la Iglesia Católica Romana.

Durante el siglo se establecieron cuatro tipos distintos de escenarios masivos. Dos tipos eran continuación de la práctica anterior: la misa para tenor, en la que el mismo cantus firmus servía para las cinco porciones del Ordinario de la misa, y la misa de canto llano, en la que el cantus firmus (normalmente una sección correspondiente del canto llano) difería en cada porción. Reflejando las actitudes más liberales del Renacimiento estaban la misa libre, sin materiales prestados, y la misa paródica, en la que toda la red polifónica se adaptaba libremente a partir de un motete o una composición secular. En todos los casos en que se utilizaba un cantus firmus, la melodía preexistente podía aparecer en su forma original o en versión parafraseada, con tonos añadidos, omitidos o alterados. Como resultado de la agitación en la iglesia causada por la Reforma, aparecieron en el culto protestante nuevas formas derivadas de modelos establecidos: el coral luterano alemán (melodía de himno, arreglada a partir de un canto llano o una melodía secular), el motete coral, los himnos ingleses (anglicanos). forma de motete) y servicios, y las melodías de los salmos en áreas calvinistas.

Italia

Si bien no es joven en sentido cronológico, la vida musical de Italia renació a principios del siglo XVI después de un siglo de relativo letargo. La frottola siguió siendo la forma secular predominante en el norte de Italia durante las tres primeras décadas del siglo.

Cuando los poetas humanistas, buscando una expresión más refinada, y los holandeses y compositores formados por ellos, aplicando una técnica musical más sofisticada, volcaron sus esfuerzos hacia la frottola, el resultado fue el madrigal. El nombre fue tomado de la forma del siglo XIV, pero no había ningún parecido en la estructura poética o musical. En comparación con la frottola, los primeros madrigales del Renacimiento, que datan aproximadamente de 1530, se caracterizaban por una expresión tranquila y contenida. Generalmente escritos para tres o cuatro voces, eran en su mayoría homofónicos (melodía apoyada en acordes) con fragmentos ocasionales de imitación. Entre los primeros compositores de madrigales se encontraban varios compositores flamencos residentes en Italia, entre ellos Adriaan Willaert, Jacques Arcadelt y Philippe Verdelot. Alrededor de 1560, el número normal de partes aumentó a cinco o seis y la textura se volvió más consistentemente polifónica. Al mismo tiempo, se prestó más atención a los escenarios expresivos del texto, especialmente en los madrigales de Cipriano de Rore, Philippe de Monte y los Gabrielis. Durante las dos últimas décadas del siglo y hasta mediados del siglo XVII, el estilo musical del madrigal cambió apreciablemente. Los madrigales tardíos eran de naturaleza muy dramática, con efectos coloristas, pintura de palabras vívidas y un cromatismo extenso. Su carácter declamatorio dictó un retorno a un estilo más homofónico. Entre los muchos compositores del madrigal tardío se destacan Luca Marenzio, Carlo Gesualdo y Claudio Monteverdi.

A lo largo del siglo, aparecieron en Italia formas seculares más simples, como la villanella, la canzonetta y el balletto, en gran parte como una reacción contra el refinamiento, la complicación y la sofisticación del madrigal. Volvieron al estilo de acordes de la frottola, a menudo con letras intencionalmente parodistas. El balletto se distinguía particularmente por un estribillo de sílabas sin sentido como “fa la la”.

Inglaterra

La mayoría de las formas italianas, junto con sus designaciones, fueron adoptadas por la Inglaterra isabelina durante la segunda mitad del siglo XVI. La mayoría de los principales compositores ingleses, desde William Byrd y Thomas Morley hasta John Wilbye, Thomas Weelkes y Orlando Gibbons, contribuyeron al vasto tesoro de la música secular inglesa. Morley es particularmente importante como editor de la colección más significativa de madrigales ingleses, los Triunfos de Oriana , publicada en 1603 y dedicada a la reina Isabel I (Oriana). Estas piezas corresponden aproximadamente en estilo al madrigal italiano del período medio. Las contrapartes inglesas de la canzonetta y el balletto fueron el canzonet y el ballett. Una innovación de finales del siglo XVI tanto en Italia como en Inglaterra fue el ayre (aire), una configuración de acordes sencilla especialmente adecuada para una voz solista con un laúd o un conjunto de instrumentos que tocan las otras partes. John Dowland y Thomas Campion fueron compositores notables de ayres.

Francia

La contraparte francesa de los madrigales italianos e ingleses fue la canción polifónica, una continuación de la principal forma de música secular medieval y del Renacimiento temprano. Revitalizada por compositores como Josquin, Clément Janequin y Claudin de Sermisy, la chanson desarrolló varias características distintivas: una estructura seccional claramente delineada con cierta repetición de secciones, una escritura programática muy vívida y el uso ocasional de organización métrica irregular. La estructura métrica irregular, llamada musique mesurée , se utilizó para mantener fielmente la acentuación de la poesía y refleja la tradicional primacía de las consideraciones textuales sobre las musicales en la música francesa.

Alemania

El lied, o canción, continuó su papel en el siglo XV como principal forma secular en las zonas germánicas, pero no se desarrolló en la misma medida que el madrigal y la chanson. A lo largo del Renacimiento fue relativamente conservador en su adhesión al principio del cantus firmus y su tendencia hacia la textura cordal sobre la contrapuntística. Después de Heinrich Isaac en el siglo XV, los principales compositores de lieder del siglo XVI fueron Ludwig Senfl, Hans Leo Hassler y Johann Hermann Schein. A todas las escuelas nacionales del siglo XVI hay que añadir el nombre del compositor flamenco Orlando di Lasso, que escribía en francés, italiano o alemán, según su empleo actual. El villancico español fue una forma popular floreciente, pero no existía un equivalente ibérico del madrigal, la chanson o el lied.