Música vocal.

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Ópera

Había menos distinción entre la ópera barroca y la clásica que entre los estilos instrumentales de los dos períodos porque la ópera, con el interés musical centrado en una voz solista, había sido en gran medida melódico-homofónica desde sus inicios. Otra razón de la continuidad del estilo operístico a lo largo del siglo XVIII fue el dominio universal de la ópera seria napolitana. Incluso en París, donde la tradición Lully-Rameau mantuvo su vitalidad, había un teatro de ópera italiano. Si bien hubo alguna reforma efectiva de ciertos aspectos del estilo napolitano que se había vuelto decadente y alguna reacción nacionalista en el campo de la ópera cómica, nada en la naturaleza de la ópera seria desafió la supremacía napolitana. Como resultado, el final del siglo XVIII fue un período de gran vitalidad en la composición operística.

Las características distintivas de la ópera seria napolitana revelan por qué es poco conocida y rara vez escuchada en la actualidad. Era una forma muy convencionalizada, con tramas artificiales y demasiado complejas. Por lo general, había seis personajes principales que representaban a tres de cada sexo, con algunas de las partes masculinas y femeninas cantadas por castrati (sopranos y contraltos masculinos castrados). A cada personaje se le asignó un número estandarizado de arias en una sucesión bastante estandarizada. Obviamente, con una interrupción tan constante de la acción, la verdad dramática recibió poca o ninguna consideración. Los cantantes y las arias fueron el centro de toda la producción, con poco interés musical en los recitativos parlando ( es decir, el uso de ritmos del habla), poco uso del coro y poca función para la orquesta aparte de proporcionar un acompañamiento subordinado.

Las objeciones a la decadencia y artificialidad del estilo napolitano, que había comenzado a aparecer ya en la década de 1720, habrían sido infructuosas si no hubiera aparecido un defensor que pusiera en práctica las sugerencias y teorías para la reforma. Christoph Willibald Gluck culminó el movimiento de reforma, quien comenzó su carrera en la década de 1740 escribiendo unas 20 óperas en el estilo predominante. Luego, comenzando con Orfeo ed Euridice en 1762, intentó realzar los componentes dramáticos y musicales de la ópera. El virtuosismo y el despliegue vocal superfluos se redujeron drásticamente, si no se eliminaron, proporcionando música que reflejara la situación emocional o dramática. Como resultado de las reformas de Gluck, la ópera avanzó hacia una simplicidad de estilo clásica de la que sus obras y las de Mozart fueron la culminación.

Un segundo desafío a la ópera napolitana establecida surgió a través de la ópera cómica en la que el tema era ligero, sentimental, a menudo actual y satírico, reflejando tanto los cambios sociales de la época como el ridículo de la ópera seria. La música era atractivamente melodiosa, fácil de interpretar y comprender. La ópera cómica había aparecido durante el siglo XVII, pero comenzó su existencia independiente durante la primera mitad del siglo XVIII en Italia, donde se la llamó ópera buffa. La opéra comique francesa evolucionó durante el mismo período y recibió un nuevo impulso con la guerre des bouffons (“guerra de los bufones”) de principios de la década de 1750, cuando el apoyo a la compañía italiana de ópera buffa que entonces actuaba en París superó al de la heroica francesa. Ópera de Rameau. En Inglaterra, la ópera balada, comenzando con The Beggar's Opera en 1728, siguió un curso de desarrollo similar tanto en período como en estilo al de la opéra comique. El singspiel alemán surgió de traducciones e imitaciones de baladas de ópera inglesas. Los modelos que se centraron en Viena se adhirieron al estilo italiano y culminaron con El rapto del serrallo y La flauta mágica de Mozart . Sin embargo, Mozart también llevó el antiguo estilo italiano a su cenit en Le Nozze di Figaro ( Las bodas de Fígaro ), Così fan tutte ( Así hacen todos ) y Don Giovanni .

Otra música vocal

Además de la ópera, se compuso música vocal secular para voz solista y coro. Pero la producción de canciones solistas y cantatas en otros países no podía compararse con el creciente interés por el lied alemán, que floreció con CPE Bach y compositores posteriores. El desarrollo más extenso de las canciones parciales seculares tuvo lugar en Inglaterra, donde se escribieron numerosas capturas y glees.

La música coral sacra a gran escala de la época estuvo fuertemente influenciada por el estilo operístico predominante. A excepción del texto, algunos pasajes de oratorios y Pasiones son indistinguibles de un extracto operístico. Pero la tradición handeliana se combinó con el estilo napolitano y culminó en los dos nobles oratorios de Haydn, La Creación y Las Estaciones . La música litúrgica, como misas, motetes, letanías, salmos y cánticos, también demostró que los mismos compositores escribían tanto para la iglesia como para el teatro. En muchos casos, el estilo era uniforme para los dos tipos, aunque el coro, naturalmente, desempeñaba un papel mucho más importante en la música religiosa.

El período romántico

El comienzo del siglo XIX fue testigo de un cambio tanto de estilo musical como de actitud estética que ha pasado a identificarse como romántico. El término romántico se originó en la literatura alemana de finales del siglo XVIII, ilustrando una vez más la superposición de actitudes e ideales clásicos y románticos. La escritora franco-suiza Madame de Staël articuló los nuevos ideales del movimiento en 1813 como originales, modernos, nacionales, populares, derivados del suelo, la religión y las instituciones sociales predominantes. Obviamente, algunos de estos ideales y propósitos románticos proclamados eran los mismos que los de los clasicistas del siglo XVIII.