10 pinturas que deberías ver en el Met de Nueva York.

Estas diez pinturas han causado escándalos y provocado misterios, y sólo puedes encontrarlas en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. Comience a desentrañar las complicadas historias de Madame X , La Feria del Caballo y más en esta lista.

Las versiones anteriores de las descripciones de estas pinturas aparecieron por primera vez en  1001 pinturas que debes ver antes de morir , editado por Stephen Farthing (2018). Los nombres de los escritores aparecen entre paréntesis.

• El adivino (probablemente década de 1630)

  

  Georges de La Tour consiguió un mecenas importante, el duque de Lorena y, a finales de la década de 1630, llamó la atención del rey Luis XIII. El rey quedó tan impresionado que se dijo que insistió en que un cuadro de La Tour fuera el único que se colgara en su dormitorio, supuestamente eliminando todas las pinturas anteriores. En 1639, el pintor fue enviado a París, donde el rey le pagó 1.000 francos y le otorgó el título de "Sir Georges de La Tour, pintor del rey". Aunque muchas de las obras de La Tour se han perdido, parece que sus obras religiosas tienden a contener menos figuras y más detalladas (normalmente sólo una o dos personas), mientras que sus cuadros morales, como El adivino , tienden a estar más abarrotados. En este cuadro, un joven elegantemente vestido adopta una postura arrogante, prestando tanta atención a la adivina que no se da cuenta de que sus tres asistentes le roban los bolsillos. La adivina es casi una caricatura por su fealdad y su cliente tiene una expresión de repulsión forzada en su rostro, lo que lo lleva a estar ciego ante los jóvenes ladrones que lo rodean. La Tour pintó varias advertencias similares sobre jóvenes engañados, a menudo jugando a las cartas. (Ann Kay)

• Retrato de Mademoiselle Charlotte du Val d'Ognes (1801)

  En 1917, el Museo Metropolitano de Arte adquirió el Retrato sin firmar de Mademoiselle Charlotte du Val d'Ognes , creyendo que fue pintado por Jacques-Louis David. La clásica túnica blanca de la modelo, los rizos griegos y el ambiente espartano reforzaron esta atribución, pero en 1951 Charles Sterling, entonces director del museo, concluyó que en realidad había sido pintado por una de las alumnas de David, una mujer llamada Constance Marie Charpentier. Desde entonces, si la pintura, una de las más populares del Met, es obra de Charpentier o de otra pintora de la época, Marie-Denise Villers, ha sido un tema de debate activo entre historiadores y críticos de arte, aunque el Met ahora se lo atribuye a Villers. . Esta imagen magnífica y luminosa del sujeto en su mesa de dibujo puede leerse como un retrato conmovedor de respeto mutuo entre dos artistas femeninas. La reatribución de Sterling hizo que este retrato íntimo fuera reconocido como una de las obras más logradas y mejor consideradas de una artista femenina en la historia occidental, pero también provocó que su valor monetario cayera en picado. Al mismo tiempo, los críticos comenzaron a atribuir “atributos femeninos” a la imagen. El compositor francés Francis Poulenc llamó a la pintura una “obra maestra misteriosa” y la denominó “una Mona Lisa del siglo XVIII”. En su evaluación, Sterling escribió: “Su poesía, más literaria que plástica, sus encantos muy evidentes y sus debilidades hábilmente ocultadas, su conjunto compuesto por miles de actitudes sutiles, todo parece revelar el espíritu femenino”. (Ana Finel Honigman)

• Comerciantes de pieles que descienden del Missouri (1845)

  

  Las pinturas de George Caleb Bingham inmortalizan el mundo desaparecido de la frontera norteamericana. La solemne reverencia de Bingham por el paisaje es característica de muchos realistas de mediados del siglo XIX, pero él representa su belleza con una sensibilidad única al color y la luz. Después de completar sólo unos meses de formación formal en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Bingham viajó por Europa y América del Norte antes de establecerse en Missouri. Allí se dedicó a realizar escenas paisajísticas y a representar a los pescadores y tramperos que recientemente habían ocupado la zona. En 1856, Bingham viajó a Düsseldorf, Alemania, para estudiar y dominar el estilo académico de pintura que luego enseñó como profesor de arte en la Universidad de Missouri. Su trabajo posterior es a menudo criticado por su seco formalismo y su trasfondo político pedante, arraigados en su época como político local. Pero esta pintura anterior, que muestra a dos tramperos temprano en la mañana, mirando al espectador desde su canoa, en la que yacen un pato muerto y un gato o un osezno atado, atrajo particularmente a los espectadores urbanos, que estaban fascinados por su glamorización de la violencia necesaria. para la supervivencia diaria en la frontera estadounidense. Originalmente titulado French-Trader—Half Breed Son , se le cambió el nombre cuando lo compró la American Art Union. Bingham emplea con elegancia una pincelada hábil, una composición geométrica llamativa y un uso claro y puro de la luz para exponer la dura vida de los colonos y los hombres del río involucrados en la arriesgada aventura de crear un mundo nuevo. (Sara White Wilson)

• Washington cruzando el Delaware (1851)

  

  Ningún visitante del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York olvidará haber visto Washington Crossing the Delaware de Emanuel Leutze . Con más de 12 pies de alto y 21 pies de ancho, esta imagen icónica es realmente más grande que la vida. La pintura muestra a Washington y su ejército cruzando dramáticamente el río helado para un ataque sorpresa al amanecer contra los británicos en Trenton, Nueva Jersey, el 25 de diciembre de 1776. Leutze utiliza todos los recursos imaginables para realzar el drama y provocar una respuesta emotiva en el espectador: Trozos de hielo irregulares, caballos relinchando, soldados heridos y una estrella de la mañana hablan de peligro, coraje y esperanza. El heroico Washington se alza noble y erguido en el centro de la escena. Aunque parezca extraño, este símbolo de Estados Unidos fue pintado en Alemania. El alemán-estadounidense Leutze insistió en utilizar como modelos a estudiantes de arte estadounidenses de la famosa Academia de Düsseldorf. En ese momento, Estados Unidos había ampliado recientemente sus fronteras hasta el Océano Pacífico gracias a su victoria en la Guerra de México. Leutze, mientras pintaba el Delaware, imaginó el espíritu de Washington cruzando los ríos occidentales, trayendo consigo las barras y las estrellas y a miles de colonos estadounidenses. La versión original de la pintura fue destruida en el bombardeo de Bremen, Alemania, en 1942. Esta versión superviviente se completó en 1851. (Daniel Robert Koch)

• La Feria del Caballo (1852-1855)

  

  La artista Rosa Bonheur nació en Burdeos y aprendió los fundamentos del arte de su padre, el artista Raymond Bonheur. Su estilo cambió poco a lo largo de su carrera y se mantuvo basado en el realismo. Trabajando al mismo tiempo que los realistas Gustave Courbet y Jean-François Millet, su trabajo se basó en una observación precisa de la naturaleza combinada con excelentes habilidades técnicas. Tenía un gran afecto por los animales, en particular los caballos, y su comprensión de los animales, su naturaleza y su anatomía es evidente en sus pinturas. Su enorme lienzo La feria del caballo se considera la obra más importante de la artista, pero también es inusual dentro de su estilo. Aunque la base de la pintura es realista, abordó su tema con una combinación del color y la emoción de los románticos y, en particular, en este punto estuvo influenciada por la obra de Théodore Géricault, él mismo un gran admirador del caballo. Bonheur hizo viajes de dibujo a un mercado de caballos cerca de París dos veces por semana durante un año y medio antes de comenzar a pintar, y en sus viajes se vestía como un hombre para evitar la atención de los transeúntes. Bonheur disfrutó de éxito financiero durante su vida, pero nunca fue apreciada adecuadamente por la crítica y el mundo del arte; Puede ser que sus puntos de vista feministas y su estilo de vida poco convencional condujeran a su falta de popularidad dentro de los círculos artísticos académicos dominados por hombres. (Tamsin Pickeral)

• El campeón de scull único (Max Schmitt en un scull único) (1871)

  Thomas Eakins fue uno de los más grandes artistas estadounidenses del siglo XIX, e inculcó un poderoso y a veces impactante sentido de realismo en sus pinturas. Pasó la mayor parte de su vida en su ciudad natal, Filadelfia, aunque esta fotografía data del inicio de su carrera, cuando acababa de regresar de cuatro años de estudios en Europa (1866 a 1870), principalmente en Francia y España. No es de extrañar que, después de tanto tiempo fuera, estuviera ansioso por centrar su atención en los lugares y las actividades que se había perdido en el extranjero, en concreto las escenas de remo, de las que pintó varias pinturas entre 1870 y 1874. Esta es probablemente la más famosa. de ellos. Muestra a un amigo de la infancia, Max Schmitt, volteándose para mirar al espectador. En su forma habitual y fastidiosa, Eakins dispuso toda la composición de modo que incluyera una serie de referencias a la reciente victoria de Schmitt en una prestigiosa carrera de single scull. Se eligió el escenario otoñal para coincidir con la fecha de la carrera (5 de octubre de 1870); el cielo de la tarde indicaba la hora en que ocurrió (17:00 horas); e incluso el remo de Schmitt estaba situado en el lugar exacto donde se había situado la línea de meta. Como también le gustaba remar, Eakins decidió añadir su propio retrato a la imagen, en la forma del remero a media distancia. Para dejar las cosas doblemente claras, pintó su firma y la fecha de la imagen en el costado del barco. (Ian Zaczek)

• Señora X (1883-1884)

  John Singer Sargent, un ciudadano estadounidense criado principalmente en Europa, pintó este notable retrato cerca del comienzo de su carrera, cuando vivía en París. Esperaba que se hiciera un nombre y, de hecho, lo hizo, aunque no de la forma que había previsto. Cuando se exhibió, el cuadro provocó un escándalo que llevó al artista a abandonar Francia. Se había acercado a Virginie Gautreau, una famosa belleza de la sociedad, y le había pedido que le pintara un retrato. Ella era una compatriota estadounidense y esposa de un rico banquero francés. Ella accedió de buena gana a su petición, pero el progreso en la pintura fue lento; Virginie era una modelo inquieta y, en ocasiones, Sargent encontraba su belleza "imposible de pintar". Cambió la composición varias veces antes de decidirse finalmente por una pose que acentuara su perfil distintivo. La pintura finalmente se exhibió en el Salón de París de 1884, y aunque la modelo no fue identificada formalmente, Virginie era tan famosa que mucha gente la reconoció. El público quedó impactado por su vestido escotado, desconcertado por su maquillaje blanco mortal, repelido por la postura incómoda y retorcida de su brazo derecho y, sobre todo, indignado por el hecho de que uno de los tirantes de su vestido colgaba de su hombro: una señal segura de conducta sexual inapropiada. La familia de Gautreau quedó consternada y suplicó al artista que retirara el cuadro. Quería volver a pintar la bandolera, pero no se lo permitieron hasta que terminó la exposición. A raíz del escándalo, Sargent abandonó París bajo una nube, aunque siempre sostuvo que el retrato era lo mejor que jamás había pintado. (Ian Zaczek)

• La dama de la mesa del té (1885)

  Las pinturas engañosamente tranquilas y casuales de Mary Cassatt, que representan a mujeres en situaciones cotidianas, contienen capas subyacentes de tensión dramática, profundidad emocional y percepción psicológica. Cassatt, que nació en Pensilvania pero se estableció en París en 1874, fue la única artista norteamericana invitada a exponer con los impresionistas franceses. Cassatt pintó a la señora Robert Moore Riddle, prima hermana de su madre, para Lady at the Tea Table . La imagen destaca por el aire de autoridad del sujeto y el uso económico pero elocuente de la línea y el color. La hija de la Sra. Riddle se sintió ofendida por la representación realista de Cassatt de la nariz de su madre, pero la propia pintora estaba tan apegada a la pintura que la conservó hasta que la regaló al Museo Metropolitano de Arte en 1923. (Ana Finel Honigman)

• Sra. Walter Rathbone Bacon (1897)

  Recibiendo elogios tempranos por sus acuarelas, durante la década de 1880, Anders Zorn viajó mucho antes de establecerse en París y dedicarse a la pintura al óleo. Durante los años siguientes, produjo el trabajo que lo convertiría en uno de los retratistas de sociedad más solicitados de la época. Fue en su segunda visita a Estados Unidos cuando Zorn pintó este retrato de la señora Walter Rathbone Bacon (Virginia Purdy Barker). El primo de Virginia, George Washington Vanderbilt II, había hecho recientemente que John Singer Sargent, el gran rival de Zorn, pintara su retrato para colgarlo en los pasillos de Biltmore House, la casa más grande del país. Probablemente fue en respuesta a esto que su marido le encargó a Zorn a principios de 1897. Aquí, aunque elegantemente vestida y enjoyada, Virginia se sienta informalmente en casa acompañada de su perro. (Richard Bell)

• El juicio de París (c. 1528)

  Aquí se puede ver la influencia que ejerció el Renacimiento italiano en el artista alemán Lucas Cranach el Viejo. El Juicio de París era uno de los temas favoritos de Cranach (además, el mito griego le permitió mostrar el desnudo femenino desde tres perspectivas diferentes). Su representación de la anatomía era a menudo inexacta, como se puede ver aquí, especialmente en el brazo izquierdo y el codo de la diosa de espaldas al espectador. Cranach representa una versión alemana del mito en la que Mercurio presenta a las diosas Juno, Venus y Minerva en un sueño en París y le pide que juzgue quién es la más bella de las tres. Cada diosa se desnudó delante de él y le prometió una gran recompensa si la elegía. Paris eligió a Venus y le regaló una manzana dorada (representada aquí como una esfera de cristal). La victoria de Venus está representada por el artista que coloca a Cupido, su hijo, en la parte superior izquierda de la pintura. (Lucinda Hawksley)

• Francesco Sassetti y su hijo Teodoro (c. 1487)

  Domenico di Tommaso Curradi di Doffo Bigordi, conocido como Domenico Ghirlandaio, provenía de una larga y orgullosa tradición de exitosos artesanos, comerciantes y artistas. Una historia apócrifa propagada por Giorgio Vasari atribuye el origen del nombre Ghirlandaio (de la palabra "guirnalda") al padre de Ghirlandaio, quien pudo haber creado una serie de adornos para el cabello. Vasari nos cuenta también que Ghirlandaio trabajó al servicio de la familia Sassetti. Empleado en los bancos de los Medici con sede en Aviñón, Ginebra y Lyon, el rico mecenas Francesco Sassetti trabajó tanto para Piero de' Medici como para Lorenzo Il Magnifico. Este doble retrato de padre e hijo se complica por el hecho de que Sassetti tuvo dos hijos, ambos llamados Teodoro. El hijo menor nació el año en que murió el mayor. Se cree que aquí está representado el hijo menor, lo que fecha la pintura en 1487, aunque esto sigue siendo incierto. La severa imagen paternal del banquero sólo se ve suavizada por la inocencia del hijo que mira directamente a los ojos de su padre. Con la intención de ser un retrato formal, la rigidez de la composición y el hombre estático y de hombros anchos se compensan con el estampado floral de la ropa del joven y sus suaves manos. El rostro y el cuerpo de Sassetti están muy repintados, lo que podría explicar la suavidad general de la figura central. Al fondo, Ghirlandaio ha pintado un oratorio construido por Sassetti en Ginebra. El mismo edificio está incluido en los frescos de Ghirlandaio, que pintó para Sassetti en Florencia, un cumplido del pintor a su mecenas. (Steven Pulimood)