25 pinturas famosas para ver la próxima vez que estés en Florencia.

Florencia es a menudo considerada la cuna del Renacimiento, que alcanzó su apogeo en el siglo XV. Esta ciudad italiana atesora innumerables tesoros artísticos, entre ellos estos 25 cuadros.

Las versiones anteriores de las descripciones de estas pinturas aparecieron por primera vez en  1001 pinturas que debes ver antes de morir , editado por Stephen Farthing (2018). Los nombres de los escritores aparecen entre paréntesis.

• Autorretrato (c. 1915)

  Max Liebermann nació en Berlín en una familia judía rica en una época en la que los judíos estaban oprimidos. Era un adulto joven cuando se cambiaron las leyes en 1871 y se concedieron a los judíos los mismos derechos que a los demás ciudadanos alemanes. Sus pinturas realistas representaban a los trabajadores tal como eran en realidad, no idealizados ni denigrados, y eran vistos como subversivos. En el parlamento alemán, Jesús de doce años en el templo (1879) de Liebermann fue condenado como blasfemo porque se decía que su Jesús tenía “aspecto demasiado judío”. En Autorretrato (en los Uffizi), Liebermann se muestra como un hombre confiado y decidido. El fondo de paleta, caballete y tela está pintado de manera impresionista, pero su propia imagen está pintada en un estilo más realista: él es el foco principal, el espectador no debe distraerse con nada. Después de la muerte de Liebermann, el régimen de Hitler retiró sus obras de las galerías de arte alemanas. (Lucinda Hawksley)

• Bocaccio (hacia 1450)

  Miembro de la Escuela Florentina, Andrea del Castagno recibió el encargo de pintar el Ciclo de hombres y mujeres famosos en la Villa Carducci de Legnaia a más tardar en junio de 1449, cuando murió Filippo Carducci, propietario de la villa. El Ciclo (ahora en los Uffizi) consta de nueve retratos colocados dentro de nichos individuales pintados como huecos monumentales de mármol y separados por pilastras. Presenta a tres comandantes militares florentinos (Farinata degli Uberti, Pippo Spano y Niccolò Acciaiuoli), tres mujeres famosas (la sibila de Cumas, la reina Ester y la reina Tomyris) y tres poetas toscanos (Dante Alighieri, Francesco Petrarca y Giovanni Boccaccio). . La elaborada decoración arquitectónica del techo y las paredes enfatiza la monumentalidad de las figuras. Estas austeras figuras, basadas en modelos de Masaccio y Giotto, ofrecen al espectador una representación exaltada de las cualidades deseables del hombre del Renacimiento: fuerza física, virtud moral y un intelecto agudo. Las nueve figuras parecen mirarse y gesticularse entre sí. Boccaccio, el poeta y erudito italiano mejor recordado como el autor del Decamerón , es la figura final y aparece como una estatua realista, coloreada y cubierta, colocada a lo largo de la pared para que el espectador la observe. Se le muestra sosteniendo un volumen encuadernado en cuero y mirando a Petrarca, enfatizando el hecho de que ambos hombres ayudaron a elevar la literatura vernácula al nivel de los clásicos de la antigüedad y sirvieron como modelos icónicos del Renacimiento dignos de emulación. (Anna Amari-Parker)

• La muerte de Adonis (1511-12)

  La muerte de Adonis fue pintada por Sebastiano del Piombo en la primera parte de su carrera, cuando todavía trabajaba en la escuela de arte veneciana. Fue influenciado por su maestro Giorgione, el maestro de la pintura del Renacimiento veneciano. Esta pintura trata sobre el mito clásico de Adonis, un hermoso joven que captura el corazón de Venus antes de morir pero luego resucita. Cuando a Venus se le informa de su muerte, las doncellas le ruegan a Pan que deje de tocar la flauta en este triste momento. La composición (desnudos idealizados en primer plano contra un paisaje sereno) hace eco de la obra de Giorgione, al igual que el sentimiento típicamente veneciano por la riqueza de colores y luces. La paleta de Del Piombo está maravillosamente armonizada, pero ya hay un indicio de los colores más tenues que adoptaría más tarde. En esta pintura, que forma parte de la colección de los Uffizi, hay una hermosa y suave interacción de luces, desde el brillo de la piel humana hasta los suaves reflejos en el lago. Sin embargo, hay más en esta pintura que la influencia de Giorgione. La agrupación de figuras descentradas de Del Piombo, las cabezas que giran y los dedos que señalan dan mucho más movimiento que en obras anteriores del Renacimiento. Sus habilidades técnicas son tales que cada desnudo constituye un maravilloso estudio de vida. Estos desnudos tienen una monumentalidad escultural que Del Piombo desarrolló a partir del interés renacentista por la escultura. Llegó mucho más lejos en la segunda mitad de su carrera, cuando se instaló en Roma. (Ann Kay)

• Venus de Urbino (1538)

  Inspirado por los maestros italianos del Alto Renacimiento, Tiziano fue considerado un maestro dentro de los círculos artísticos consumados de la Venecia del siglo XVI. También ha sido citado como el primer pintor veneciano en alcanzar prestigio internacional. Pintó retratos “cortesanos” anónimos, además de retablos y pinturas mitológicas. Como prolífico retratista, produjo retratos halagadores pero reconociblemente humanos de figuras tan prominentes como el Papa y el dux; sin embargo, a pesar de la variedad de sus prestigiosos encargos, la Venus de Urbino (en los Uffizi) es posiblemente su obra maestra. En su diario de viaje de 1880, Un vagabundo en el extranjero , el autor estadounidense Mark Twain describió la pintura como “la imagen más repugnante, vil y obscena que el mundo posee”. Los toques alegóricos, como las figuras femeninas vestidas del fondo y el cachorro dormido a los pies de Venus, han dado lugar a lecturas iconográficas exhaustivas de la pintura, pero tal vez la reacción mojigata de Twain estuvo más cerca de las verdaderas intenciones de Tiziano. El deseo inconsciente en la expresión directa de la modelo podría haber ofendido a Twain, pero su encantadora y lujuriosa mirada también ha seducido a innumerables espectadores. El impresionante talento de Tiziano y su audaz representación de la sexualidad femenina es la razón por la que esta pintura se cita a menudo como la abuela de muchas de las imágenes más controvertidas del arte occidental, incluida la Olimpia de Édouard Manet , y se considera un modelo de sexualidad femenina empoderada, así como un precursor de la pin-up. . (Ana Finel Honigman)

• Hechicería o alegoría de Hércules (1535-1540)

  Dosso Dossi fue un defensor algo excéntrico del estilo del Alto Renacimiento conocido como manierismo, conocido menos por su naturalismo que por sus temas complejos y fantásticos y su simbolismo críptico, a menudo impenetrable para la mente moderna. En 1514, fuertemente influenciado por Giorgione y Tiziano, se convirtió en artista de la corte del duque Alfonso d'Este en Ferrara. Un centro renacentista de cultura y refinamiento, la corte empleó a Giovanni Bellini y Tiziano. Dentro de este rico entorno, Dosso pintó complejas obras mitológicas y literarias para atraer a los eruditos de la corte. La brujería o la Alegoría de Hércules (en los Uffizi) es un ejemplo curioso de este denso simbolismo; su significado es muy debatido. Algunos ven la obra como una alegoría del hijo de Alfonso, Ercole, a través de su tocayo Hércules. También puede advertir contra las seducciones de la vida cortesana, un toque de humor que la corte Este habría adoptado. Un Hércules anciano se concentra malhumorado en dos esferas de piedra, ignorando a sus compañeros burlones. Un joven sonriente presenta una rueca, que simboliza la subyugación femenina de Hércules a la reina Omphale, mientras la luz cae sobre una mujer con el torso desnudo que da frutos. Una pandereta y una máscara sobre la mesa insinúan amor terrenal y pasatiempos frívolos. Dosso, un colorista optimista, representó hábilmente la carne y la musculatura. Mientras que los rostros masculinos no llegan a ser una caricatura, los femeninos son puramente clásicos. Con frecuentes visitas a Roma y Venecia, Dosso aprendió a emular a Miguel Ángel, Rafael y Correggio, pero produjo algunas de las obras más originales, aunque misteriosas, de su época. (Susan Flockhart)

• Venus con un sátiro y Cupidos (c. 1588)

  Annibale Carracci, su hermano Agostino y su primo Ludovico formaron uno de los grupos familiares artísticos más importantes del siglo XVI. Los tres artistas, que abrieron su propia academia en la década de 1580, dieron gran importancia al dibujo básico como fundamental para la pintura, y trabajaron de una manera que combinaba la paleta sensual de la escuela veneciana con la calidad lineal de los florentinos. La suntuosa diosa del amor en Venus con un sátiro y Cupidos (en los Uffizi) demuestra el exquisito detalle de Carracci y la particular habilidad que tenía el artista para dibujar el natural. Es su comprensión de la figura real y su comprensión de los pliegues de la carne y la estructura del hueso lo que hace que esta composición, y de hecho su pintura en su conjunto, sea tan convincente. Su uso de colores ricos y su atención a las diferentes cualidades texturales, visibles en el brillo del cabello fuertemente rizado de Venus, el terciopelo del cojín, los suaves pliegues de la tela de seda y el cálido rubor de su piel, hacen que esta pintura sea instantánea. cautivador. Es una obra que impregna los sentidos, y es a la vez tímida y provocativa. La obra de Carracci en particular fue de gran importancia para los sucesivos artistas, y se le puede atribuir el mérito de haber iniciado varias tendencias artísticas diferentes. Por ejemplo, se cree que fue uno de los primeros artistas en utilizar la caricatura, lo que se puede ver en sus primeras pinturas de género, y sus figuras monumentales y heroicas al fresco fueron ampliamente copiadas, convirtiéndose en una especie de estándar para este tipo. de representación de personajes. (Tamsin Pickeral)

• Chica con raqueta y volante (1740)

  Jean-Baptiste-Siméon Chardin, a menudo llamado "El Buen Chardin" en la literatura crítica contemporánea, nació en París, hijo de un maestro ebanista. Residente toda su vida en su París natal, estaba en desventaja como pintor porque, mientras otros artistas preferían pinturas históricas llamativas y retratos de moda de gente elegante, su talento residía en temas subestimados y pasados ​​por alto, como naturalezas muertas y escenas de género. La técnica de Chardin –utiliza la pintura como si se tratara de pasteles– y sus preocupaciones formales (composición, color, textura) alcanzan su máxima expresión en La muchacha con la raqueta y el volante (en los Uffizi), en la que una joven juega distraídamente con una raqueta de bádminton. y un volante con plumas. No hay ningún drama manifiesto en la pintura; de hecho, ella misma parece aburrida, como si esperara a que su compañero se preparara y jugara, pero la interacción de tonos y superficies suaves es fascinante. El rubor de sus mejillas y la tela aterciopelada de su vestido y su falda ondulada están en perfecta armonía, aunque perfectamente distintas, del espacio que la rodea y de la madera de su raqueta y su silla. Los artistas neoclásicos más políticos y rigurosos de la época desestimaron a Chardin como un sentimental poco convincente, pero, en lugar de que sus humildes intereses obstaculizaran su talento, elevó los objetos banales y las escenas cotidianas a una altura en la que los grandes intelectuales de los últimos días, como Marcel Proust y Henri Matisse, estaban orgullosos de admitir que admiraban su arte. La mayoría de los espectadores todavía quedan impresionados por la suavidad de sus superficies y por su impresionante y sensual interpretación de objetos mundanos. (Ana Finel Honigman)

• Autorretrato (1787)

  Angelica Kauffmann disfrutó de un estatus mayor del habitual para las artistas femeninas del siglo XVIII. Nacida en Suiza pero habiendo vivido en Italia, conocía bien el arte y la arquitectura clásica y renacentista. Las mujeres artistas estaban restringidas a naturalezas muertas y retratos, pero Kauffmann se negó a limitarse a estas áreas. Estaba interesada en las mujeres de los mitos y la historia como Helena, Venus y Cleopatra. Sus pinturas de historia fueron criticadas en su momento, y lo han sido desde entonces, por su desprecio por el heroísmo del neoclasicismo. Kauffmann produjo muchos autorretratos para captar la atención de posibles clientes. En este retrato (en los Uffizi), ella aparta la mirada del espectador, con una cinta verde en el pelo suelto. La túnica blanca recuerda a la vestimenta romana, pero en el estilo neoclásico se sujeta por encima de la cintura con un cinturón. Sentada entre pilares con vistas abiertas a las montañas, sostiene las herramientas de su oficio. (Wendy Osgerby)

• Autoexamen (1906)

  Carl Larsson, una institución nacional en su tierra natal, surgió de la miserable pobreza infantil para convertirse en un destacado artista sueco. Su gran éxito se basó en pinturas de una vida doméstica idealizada que compartía con su esposa, Karin, y sus hijos. La pareja diseñó una casa en su granja en el pueblo de Sundborn que combinaba el encanto popular sueco con la sofisticación artística. Las versiones impresas de estas fotografías, y las alegres historias que las acompañan, llegaron a un amplio público. Les encantó lo que vieron como un regreso a la vida rural tradicional sueca. Autoexamen , sin embargo, deja entrever que el idilio no fue perfecto. Larsson se aprieta contra el frente del cuadro, en un minucioso autoexamen, con una expresión discretamente sombría. Agarra un muñeco macabro con fuerza reprimida. Karin está al fondo, encerrada detrás de una ventana, con el rostro parcialmente oscurecido. Estas dos personas, aparentemente la pareja más amorosa, parecen aisladas el uno del otro en sus propios mundos aislados. Nadie sabe si Karin se sintió resentida por haber abandonado su carrera anterior como pintora para convertirse en esposa y madre, aunque fuera una carrera muy creativa. Sin embargo, parece bastante seguro que Larsson a veces se sintió atrapado por su esposa, por pintar repetidamente los interiores que ella creaba y por la expectativa del público de que él continuaría haciendo lo mismo. Independientemente de lo que se esconde detrás de este cuadro (que forma parte de la colección de los Uffizi), Larsson lo consideró su autorretrato más exitoso. Muestra su talento como dibujante y pintor, a menudo pasado por alto por quienes ven sus cuadros como un ejemplo más del arte victoriano sentimental. (Ann Kay)

• Cabeza de Medusa (1597-1599)

  

  Encargado como escudo ceremonial por el cardenal Francesco María Del Monte, agente de la familia Medici en Roma, la Cabeza de la Medusa fue presentada a Fernando I de Médicis, el gran duque de Toscana, en 1601. Para su tema, Caravaggio se basó en el Mito griego de Medusa, una mujer con serpientes en el cabello que convertía a las personas en piedra con solo mirarlas. Según la historia, fue asesinada por Perseo, quien evitó el contacto visual directo usando un escudo reflejado. Después de la muerte de Medusa, su cabeza decapitada siguió petrificando a quienes la miraban. Caravaggio juega con este concepto modelándose para el rostro de Medusa, convirtiéndolo en el único que está a salvo de la mirada mortal de Medusa, y teniendo que mirar su reflejo para pintar el escudo de la misma manera que Medusa captó su propia imagen momentos antes de ser asesinada. . Aunque Caravaggio representa la cabeza cortada de Medusa, ella permanece consciente. Realza esta combinación de vida y muerte a través de la intensa expresión de Medusa. Su boca bien abierta exuda un grito silencioso pero dramático, y sus ojos sorprendidos y su ceño fruncido sugieren una sensación de incredulidad, como si se creyera invencible hasta ese momento. Pero la Medusa de Caravaggio no tiene el efecto completo de asustar al espectador, ya que no nos mira, transfiriendo así el poder de la mirada al espectador y enfatizando su desaparición. Caravaggio muestra enormes logros técnicos en esta obra (que se encuentra en los Uffizi) al hacer que una superficie convexa parezca cóncava y la cabeza de Medusa parezca proyectarse hacia afuera. (William Davis)

• La Anunciación (c. 1472)

  El año 1472 ofrece el primer registro que tenemos de Leonardo "el artista" cuando se inscribe en la ilustre cofradía de pintores de Florencia, uniéndose a las filas de artistas como Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Perugino. No hay duda de que el aprendizaje de Leonardo da Vinci con Andrea del Verrocchio, también miembro, le habría proporcionado una entrada a la sociedad. En algún momento de este período, Leonardo habría tenido que realizar una verdadera obra maestra por derecho propio. Su ambicioso primer intento es La Anunciación . Dadas las dispares ambiciones de esta imagen (desde el paisaje meditativo hasta los densos estudios de cortinas), no se pueden criticar los esfuerzos del precoz artista. En 1867, la pintura fue trasladada a los Uffizi desde el monasterio de San Bartolomeo a Monte Oliveto en la campiña toscana. Este sombrío panel del joven Leonardo ciertamente lo ubica, al menos en el diseño tradicional del tema, en linaje directo con su tradición pictórica florentina. Los delicados dedos de la Virgen han irritado a algunos críticos que difaman el artículo por haber venido directamente del círculo de Verrocchio. Otros se quejan de la falta de intensidad emocional característica del Leonardo maduro. La mano derecha de la Virgen asegura su lugar en las Escrituras cuando el ángel la interrumpe. Incluso podríamos ver este gesto inventivo como un primer presagio del uso que hacía Leonardo de la colocación de las manos; consideremos su descripción de la reacción de los Apóstoles ante el anuncio de la traición en su versión épica de La Última Cena . (Steven Pulimood)

• Flores e insectos (1711)

  Una polilla se sienta junto a una cesta de mimbre que contiene una profusión de rosas, tulipanes, prímulas y margaritas. Es obra de una artista, algo en sí mismo no infrecuente en la Holanda del siglo XVIII, y el tema, una naturaleza muerta floral, fue muy popular. Las pinturas, como aquí, a menudo incluían insectos como orugas y mariposas para realzar el naturalismo de la imagen. Rachel Ruysch fue la pintora de flores holandesa más célebre de su época. Nacido en Haarlem, Ruysch estudió con el pintor de flores Willem van Aelst. Fue una de las varias pintoras de flores inspiradas en los bodegones florales barrocos de Jan Davidsz de Heem unos 50 años antes. A las mujeres no se les permitía asistir a clases de dibujo natural y se las consideraba incapaces de pintar retratos o escenas históricas con figuras, que se consideraban actividades para hombres. De ahí que las mujeres se centraran en pinturas de flores, que se consideraban un tema doméstico adecuado. La elección del tema también puede haber estado influenciada por su educación, ya que su padre, Frederik Ruysch, era botánico. Dado que pinturas como estas a menudo incluían flores que rara vez florecían al mismo tiempo, y que las flores también se marchitaban rápidamente, los pintores usaban ilustraciones botánicas como ayuda al pintar. El cuadro en sí es una vanitas , con referencias a la muerte y al vacío de la vida. Estas naturalezas muertas eran admiradas y buscadas en esta época en la sociedad holandesa, ya que la clase mercantil emergente tenía dinero para gastar en objetos que reflejaran su propia riqueza. Flores e insectos está en la colección de los Uffizi. (James Harrison)

• Retablo de Portinari (c. 1477-1478)

  

  Tomasso Portinari, un rico empresario italiano y representante de la familia Medici en Brujas, encargó este espectacular retablo para la capilla de su familia en Florencia. Evidentemente queriendo impresionar en casa y conmemorar su éxito en Flandes, Portinari seleccionó a Hugo van der Goes para el puesto. Van der Goes produjo una obra maestra que no sólo fue un gran homenaje a Portinari sino también una interpretación muy personal de la Natividad. El gran retablo (en los Uffizi) representa la adoración de la sagrada familia y de los pastores según el relato de Lucas (2,10-19). La escena central celebra la alegría por el nacimiento de Cristo, pero al mismo tiempo enfatiza la humildad de la familia y los campesinos. El artista reintrodujo una jerarquía arcaica de escala: la sagrada familia parece más grande y los donantes y los ángeles más pequeños en comparación. Las figuras se disponen en ejes diagonales alrededor de María, cuyas manos son el centro de la composición. Esta composición inusual produce un movimiento dinámico ligeramente desequilibrado. El ángulo del suelo en el panel central podría reflejar la práctica del teatro religioso contemporáneo. El piso del escenario se ha inclinado hacia arriba para una mejor vista y las figuras están vestidas con trajes dignos de una obra de misterio. Los donantes se arrodillan en las alas laterales y están flanqueados por sus santos patrones. En esta extraordinaria obra, van der Goes logró fusionar el asombroso ilusionismo de Jan van Eyck con la monumentalidad de Rogier van der Weyden y el naturalismo de los paisajes de Dierec Bouts. (Emilie ES Gordenker)

• Madonna Rucellai(1285)

  

  Duccio fue uno de los pintores más importantes que surgieron durante el apogeo de Siena en el siglo XIII. Duccio pintó en el estilo tradicional bizantino, pero introdujo innovaciones que iniciaron la transición al género ahora conocido como gótico internacional. El retablo de la Virgen de Rucellai fue encargado por una cofradía laica dominicana dedicada a la Virgen. Fue instalado en la iglesia de Santa Maria Novella en Florencia. Originalmente colocada sobre el altar, la Virgen Ruccellai fue trasladada más tarde a la capilla Ruccellai dentro de Santa Maria Novella, de donde adquirió su nombre. La interpretación de Duccio del tema de la Virgen y el Niño revela un énfasis en la forma que no se ve en Madonnas anteriores de otros artistas. Los cuerpos de la Virgen y el niño Cristo reciben un tratamiento realista, y Duccio hace buen uso del claroscuro (sombras claras y oscuras) para crear la ilusión de tridimensionalidad. El niño Jesús se sienta convincentemente en el regazo de la Virgen y hace un gesto hacia su madre, ambos avances innovadores en pinturas de este tipo durante esta época. Sin embargo, el estilo bizantino se hace evidente en los ángeles circundantes, que parecen flotar en el espacio, y en los medallones típicamente bizantinos, con figuras de la Biblia, sobre un marco dorado. La Madonna Rucellai forma parte de la colección de los Uffizi. (María Cooch)

• Nacimiento de Venus (c. 1485)

  

  El nacimiento de Venus es una de las pinturas más famosas del mundo. Fue pintado por Sandro Botticelli, que fue un pintor italiano de la escuela florentina. Realizó un aprendizaje con Fra Filippo Lippi, el mejor pintor florentino de la época. Botticelli se hizo famoso con su cuadro Alegoría de la fortaleza (1470), y posteriormente recibió el encargo de pintar El nacimiento de Venus para Lorenzo el Magnífico de la familia Medici. En la mitología, Venus fue concebida cuando el titán Cronos castró a su padre, el dios Urano, cuyos genitales amputados fertilizaron el mar. El nacimiento de Venus (en los Uffizi) representa el momento en que, tras emerger del mar en una concha, Venus aterriza en Pafos, en Chipre. La asisten dos vientos que la empujan hacia la orilla, mientras una ninfa se dispone a envolver a Venus con un manto, decorado con flores primaverales, para cubrir su desnudez. Se cree que la postura de Venus se basa en la estatuaria clásica, muy apreciada en Florencia en aquella época. A pesar de las extrañas proporciones de su cuerpo (el cuello alargado y su brazo izquierdo demasiado largo), Venus es una figura deslumbrantemente hermosa con su piel delicada y sus rizos suaves recién llegados del mar. Nace al mundo como la diosa de la belleza y el espectador es testigo de este acto de creación. Se baja de una concha de vieira dorada, los vientos la colman de rosas, cada una con un corazón dorado, y la flor de naranjo del árbol detrás de ella también tiene puntas doradas. Históricamente, este es el desnudo representado más importante desde la antigüedad clásica. (María Cooch)

• Retratos de Federico da Montefeltro y Battista Sforza (c. 1473-1475)

  Mirándose el uno al otro a través de los siglos frente a un paisaje luminoso (el fondo paisajístico más antiguo de los retratos del Renacimiento italiano) están Federico da Montefeltro, poderoso gobernante de la ciudad-estado de Urbino, y su joven esposa, Battista Sforza. Probablemente estas pinturas estaban destinadas a unirse entre sí para formar un díptico. En el reverso de los paneles, Piero della Francesca pintó a la pareja en paisajes alegóricos, sentados en carros triunfales. Estos son los únicos retratos conocidos de Piero. Representa a los modelos de perfil absoluto: versiones pintadas de una medalla renacentista, como era la moda de la época. Tanto realista como idealizado, cada perfil se mantiene dentro de un contorno perfectamente dibujado. Vestido con ropa de corte de color rojo brillante y sombrero de estado, a Federico se le muestra con verrugas y todo, con imperfecciones en la piel y una nariz aguileña dañada en un torneo. El mismo incidente desfiguró gravemente el lado derecho de su rostro, que Piero ha ocultado diplomáticamente de la vista. A pesar del realismo de su exquisito peinado, su vestido de brocado y su brillante collar de perlas, el rostro de Battista tiene una cualidad sobrenatural. Puede ser que Piero haya tomado su imagen de su máscara mortuoria, ya que Battista murió joven. Se casó con Federico cuando tenía 14 años y, después de tener ocho hijas en 11 años, ofreció su vida a Dios a cambio de un hijo. En 1472 nació el ansiado hijo; seis meses después Battista murió de neumonía. Aunque los estudiosos aún debaten la datación de este doble retrato (en los Uffizi), es probable que sea una de las obras que Federico encargó en memoria de su esposa. (Judas Welton)

• San Agustín en la celda (1490-1494)

  Además de su trabajo como pintor de la corte para conmemorar las victorias de Lorenzo el Magnífico, el profundamente religioso Sandro Botticelli estaba fascinado por las epopeyas tanto cristianas como paganas. Esta piadosa imagen quizás fue creada para el Priorato de Santo Spirito, el único convento de ermitaños agustinos en Florencia. Aunque Agustín nunca fue monje, aquí lleva una capa de obispo sobre la túnica de su orden fraternal. El pacífico afecto del sujeto por la vida monástica se evoca claramente en el comportamiento tranquilo con el que el santo mira pacientemente su escritorio. La pequeña escala de la imagen y el telón corrido enfatizan el aire cerrado y devocional del monje penitente en el trabajo. Al pie del panel, que se encuentra en los Uffizi, yacen dispersos trozos de papel. Este es un humilde recordatorio de que incluso Agustín, uno de los grandes autores de la cristiandad, tuvo que revisar varias veces para poder escribir de manera significativa. (Steven Pulimood)

• Adoración del Niño con San Bernardo (c. 1463)

  A pesar de los temas religiosos de las pinturas de Fra Filippo Lippi, en parte porque era un sacerdote ordenado y en parte porque éste era el estilo de arte principal en la Florencia del siglo XV, las pinturas de Lippi siempre están llenas de interés humano. Dota a cada personaje de una personalidad normalmente ausente en escenas estrictamente religiosas. Pintada hacia el final de la vida de Lippi, la Adoración del Niño con San Bernardo (en los Uffizi) es una escena de gran simbolismo religioso. San Bernardo vivió en el siglo XII y sigue siendo una de las figuras religiosas más importantes de su tiempo. A menudo se describe a San Bernardo como quien inició “el culto a la Virgen” y fue en gran parte responsable de la posición prominente de la Virgen María en la iglesia. Lippi lo pintó en más de una ocasión, la más famosa en su Visión de la Virgen de San Bernardo ( c. 1447). Lippi había sido un entusiasta seguidor del pintor Tomaso di Giovanni, conocido como Masaccio. Masaccio murió misteriosamente a una edad temprana (dejó Florencia para ir a Roma y nunca más se supo de él), pero su trabajo continuó inspirando a otros artistas florentinos después de su muerte. El estilo propio de Lippi cambió de dirección después de 1440, volviéndose singularmente lineal y utilizando una cantidad cada vez mayor de motivos decorativos. Lippi también fue uno de los primeros artistas en pintar en forma de tondo, un lienzo circular que a menudo representa a la Virgen y el Niño. Lippi y el hijo de la monja Lucretia Buti, el pintor Filippino Lippi, aprendieron su oficio junto al joven Botticelli, y es probable que fuera Lippi quien les enseñara a ambos. (Lucinda Hawksley)

• Primavera (hacia 1480)

  

  Después de formarse como orfebre, Sandro Botticelli fue aprendiz de Fra Filippo Lippi. Lippi había desarrollado un estilo de retratar interacciones expresivas entre figuras y empleó detalles altamente decorativos heredados del período gótico tardío. Botticelli también fue influenciado por Antonio Pollaiuolo, cuyo modelado muscular anunció un nuevo enfoque del trabajo figurativo que tiene en cuenta la anatomía y la proporción humana. Botticelli pintó a muchas escalas y sus delicadas evocaciones de paisajes y figuraciones aseguran su lugar como uno de los pintores más queridos de todos los tiempos. Primavera ( Primavera ) conmemoró el Renacimiento florentino: un renacimiento cultural, político y económico de la república. La pintura originalmente colgaba en la casa de verano de la familia Medici como pieza complementaria de El nacimiento de Venus . (Ahora está en los Uffizi.) En Primavera , Botticelli ha creado una escena animada que incluye, de izquierda a derecha, las figuras mitológicas Mercurio; las Tres Gracias; Venus, diosa del amor; la ninfa Cloris; Flora, diosa de la fecundidad; y el viento del oeste Céfiro. Por encima de ellos, Cupido, el dios del amor erótico, apunta su dardo a las Tres Gracias. Algunos estudiosos han argumentado que la pintura es un ejemplo del interés de Botticelli por el neoplatonismo, una mezcla de identidades paganas y cristianas. Sin embargo, es probable que pintara esta escena mitológica porque se lo encargó los Medici, cuyo interés por la historia y el arte clásicos influyó en muchos pintores de esta época. (Steven Pulimood)

• Cuatro historias de la vida de San Nicolás de Bari (c. 1330-1335)

  

  Ambrogio Lorenzetti y su hermano mayor Pietro pertenecían a la escuela de pintura de Siena del siglo XIV dominada por la estilizada tradición bizantina desarrollada por Duccio di Buoninsegna y Simone Martini. Si bien Pietro era más tradicional que su hermano y mostraba propensión a la armonía, el refinamiento y la emoción dramática, Ambrogio demostró ser más realista, inventivo e influyente. El retablo de las Cuatro Historias de la Vida de San Nicolás de Bari fue realizado para la Iglesia de San Procolo en Florencia. Pintado durante la segunda visita del artista a la ciudad entre 1327 y 1332, presenta todos los componentes de la creatividad de Ambrogio: la influencia del arte bizantino y la plasticidad del relieve duecento sienés. Concebida como la sección superior de un panel lateral de un tríptico ahora desmembrado que originalmente habría tenido a la Virgen y el Niño en el centro, una de las viñetas muestra a San Nicolás reviviendo a un niño de su lecho de muerte mientras otros niños son llevados por carros negros. Ángeles de la muerte. La escena tiene un gran poder narrativo y permite al espectador vislumbrar interiores contemporáneos, hasta detalles como las colchas y los manteles. Otras escenas cuentan otras historias. La composición presagia el arte del Renacimiento. Es tan notable por su vívida descripción de la vida, las costumbres y la arquitectura sienesa del siglo XIV como por su extraordinario dominio de la estructura y el control de la tridimensionalidad y la disposición espacial. Los paneles están en la colección de los Uffizi. (Anna Amari-Parker)

• Anunciación con Santa Margarita y San Ansanus (1333)

  

  Simone Martini, alumno de Duccio y uno de los artistas más originales e influyentes de la escuela de Siena, se basó en técnicas desarrolladas por su maestro para mostrar la tridimensionalidad, pero las elevó en su propio trabajo añadiendo un contorno de línea más refinado. gracia de expresión y serenidad de humor como su firma. La Anunciación con Santa Margarita y San Ansano fue creada como retablo de la Capilla de San Ansano dentro de la Catedral de Siena. Fue ejecutado por el artista y Lippo Memmi, su cuñado, a quien se atribuyen las figuras laterales—St. Ansanus, patrón de Siena y mártir (aunque los eruditos a menudo atribuyen todo a Simone). En el panel central, el arcángel Gabriel y la Virgen realzan el carácter gótico del tríptico. Los detalles narrativos están implícitos en los diversos símbolos: la maceta de lirios simboliza la pureza de María; la rama de olivo, el mensaje pacífico de Dios; y, entre las dos figuras, un rosetón de querubines rodeando una paloma indica la presencia del Espíritu Santo. La inscripción en relieve de oro que emana de la boca del ángel contiene las palabras Ave gratia plena dominus tecum (“¡Saludos, muy favorecida! El Señor está contigo”). Rompiendo con la iconografía religiosa convencional, María se encoge visiblemente de miedo. La Anunciación (en los Uffizi) es quizás el ejemplo más espléndido de artesanía jamás producido en Siena. Elaboradamente labrado en oro bruñido y mate, es un logro notable en el uso del contorno en aras del ritmo lineal, el patrón bidimensional y las sofisticadas armonías de color del esmalte. (Anna Amari-Parker)

• Retablo de la Santísima Humildad (c. 1340)

  

  Los hermanos Pietro y Ambrogio Lorenzetti, de los que se dice que murieron en la Peste Negra, fueron pintores sieneses del siglo XIV que desempeñaron un papel vital en la transformación de la pintura del Renacimiento italiano temprano. Al igual que Ambrogio, Pietro desarrolló un estilo que se alejó de la elegante tradición bizantina hacia el naturalismo del gran pintor florentino Giotto. El retablo de Pietro se encontraba originalmente en el convento de mujeres de San Giovanni Evangelista, en la ciudad de Faenza, en el norte de Italia. (La mayor parte se encuentra ahora en los Uffizi). Cuenta la historia de la vida y los milagros de Santa Beata Umiltà (Santa Humildad), una abadesa italiana que fundó dos conventos de la orden vallumbrosa durante el siglo XIII. Un panel (fila del medio, segundo desde la derecha) representa la llegada de Santa Umiltà a Florencia para construir el segundo de estos conventos, y muestra cómo fue guiada hacia la tarea por San Juan Evangelista. Las figuras de los distintos paneles tienen el nuevo tipo de solidez por el que son famosos los hermanos Lorenzetti, con una cualidad naturalista y fuertemente escultórica. Las escenas han sido construidas cuidadosamente, con Pietro mostrando una ilusión espacial convincente, características arquitectónicas representadas de manera atractiva y una astuta conciencia de la perspectiva tridimensional. Pietro era un maestro del color y todo el retablo está sutilmente armonizado e imbuido de una suave serenidad. (Ann Kay)

• Adoración del Niño (1483)

  Filippino Lippi fue formado por su padre Fra Filippo Lippi y, tras la muerte de su padre en 1469, por Sandro Botticelli. Esta es una pintura temprana y todavía muestra la influencia de su padre y de su maestro. El tema es la adoración del niño por parte de la Virgen, representación que demuestra la humanización de las figuras santas, ocurrida durante el Renacimiento. La ternura entre madre e hijo es conmovedora; ya no se la representa como una figura remota e inaccesible, y su rostro recuerda al de la propia madre de Lippi, Lucretia Buti, que aparece en muchas de las pinturas de Fra Filippo. Aunque es probable que la Adoración haya sido pintada antes de que el Retablo Portinari de Hugo van der Goes (c. 1477-1478) llegara a Florencia, creando un enorme interés artístico, hay referencias significativas a la pintura flamenca, en particular la brillante “alfombra” de flores y el paisaje de fondo. Es posible que ambos se hayan inspirado en la adopción por parte de Leonardo de esos rasgos norteños. Su Anunciación (c. 1472), por ejemplo, también representa un puerto al fondo. A María se la conoce como “Estrella del Mar” y en consecuencia se la asocia con el agua. El puerto también simboliza la vida eterna. El parapeto, que también es una característica de ambas pinturas, sugiere un jardín cerrado, una referencia a la virginidad de María. En esta etapa Lippi no había adoptado la técnica del sfumato de Leonardo , pero había reducido su dependencia de la linealidad de Botticelli. (Wendy Osgerby)

• Piedad (1494-1495)

  Esta obra de madurez, pintada para la iglesia de San Giusto, cerca de Florencia, data de los años que muestran a Perugino en su apogeo más productivo: aproximadamente entre 1490 y 1500. Es una de sus mejores pinturas y, en cuanto a contenido, se sitúa perfectamente dentro de la tradición. de imágenes de la Piedad cristiana . Estas imágenes representan a Cristo después de su muerte, con su cuerpo sostenido por su madre, la Virgen María, y a menudo rodeado, como aquí, por otras figuras, como María Magdalena, sentada a sus pies. La Piedad de Perugino parece simple, pero está ingeniosamente construida para producir un tributo conmovedor y un estado de ánimo piadoso y reflexivo. El artista organiza su espacio con extrema precisión. En primer plano hay un grupo cuidadosamente organizado, en el que cada miembro adopta una pose elegante. La pintura muestra una rica coloración general y una iluminación equilibrada que caracteriza la obra de Perugino. Las figuras idealizadas tienen una solidez escultural que, apropiadamente al tema, les confiere gran presencia. Las armoniosas composiciones y figuras escultóricas de Perugino tuvieron un gran impacto en Rafael, quien trabajó en el estudio de Perugino cuando era joven y llevaría lo que había aprendido de su maestro al Alto Renacimiento. El cuadro de Peruigino se encuentra en la colección de los Uffizi. (Ann Kay)

• Calumnia de Apeles (1494-1495)

  Sandro Botticelli nació en Florencia y finalmente se convirtió en aprendiz del maestro florentino Fra Filippo Lippi. Más tarde, Botticelli se hizo amigo del famoso nieto de Cosimo de Medici, Lorenzo, conocido como "Il Magnifico". Botticelli fue uno de los artistas más importantes encargados por Lorenzo y comenzó una era que el biógrafo del artista, Giorgio Vasari, llamó más tarde la Edad de Oro. Se sabe que Botticelli pintó este cuadro para su propio cuidado. Es la última imagen que se conserva y que representa una escena de la historia secular. El tema era una descripción hecha por un escritor griego clásico, Luciano, de una pintura de un pintor griego clásico, Apeles. La pintura de Apeles fue una respuesta a una acusación de otro pintor, Antífilo, de que Apeles estaba involucrado en un complot contra el rey. Antífilo repitió esto al geógrafo y astrónomo Ptolomeo, quien creyó en la calumnia. Cuando un testigo clave testificó sobre la inocencia de Apeles, Ptolomeo le concedió una indemnización por daños y perjuicios, que incluía a Antífilo como su esclavo personal y una recompensa de cien talentos. Sin embargo, el pintor “se vengó con un cuadro alegórico”. La Calumnia de Apeles de Botticelli (en los Uffizi) fue pintada siguiendo la descripción detallada de Luciano. A diferencia de otras obras de Botticelli, como Primavera y El nacimiento de Venus , la escala íntima de esta obra contradice su riqueza y detalles finamente elaborados. A la derecha hay un hombre con orejas de asno que da la bienvenida a la bella Calumnia que entra por la izquierda. Las dos mujeres a su lado parecen ser Ignorancia y Sospecha. (Steven Pulimood)