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El Instituto de Arte de Chicago es uno de los grandes museos de arte enciclopédico del mundo. Su colección de más de 300.000 obras de arte cubre la historia del arte en múltiples culturas y épocas. Entre sus puntos fuertes está su arte europeo y americano; esta lista destaca solo algunas obras notables de esa tradición.
Las versiones anteriores de las descripciones de estas pinturas aparecieron por primera vez en 1001 pinturas que debes ver antes de morir , editado por Stephen Farthing (2018). Los nombres de los escritores aparecen entre paréntesis.
Gótico americano (1930)
Iowan Grant Wood fue miembro del movimiento regionalista en el arte estadounidense, que defendió los sólidos valores rurales de Centroamérica contra las complejidades del modernismo de la costa este con influencia europea. Sin embargo, el cuadro más famoso de Wood está escenificado artificialmente, es absorbentemente complejo e irresolublemente ambivalente. Su inspiración más obvia es el trabajo de artistas flamencos como Jan van Eyck, que Wood había visto en sus visitas a Europa, aunque también puede mostrar una conciencia del movimiento alemán contemporáneo Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad). Wood notó la casa blanca con su pináculo gótico en la pequeña ciudad de Eldon, al sur de Iowa. Usó a su hermana Nan y a su dentista, el Dr. BH McKeeby, como modelos para la pareja que estaba frente a él. La horca sugiere que el hombre es un granjero, aunque no está claro si se trata de marido y mujer o de padre e hija. Son una pareja reservada y reservada. La postura del granjero es defensiva, con la horca plantada para repeler a los intrusos. La mirada de reojo de la mujer está abierta a cualquier lectura. Algunos han encontrado en él, como en el cabello suelto que se riza sobre su cuello extrañamente alargado y el broche en su garganta, indicios de una sensualidad estrictamente reprimida. Superficialmente simple e ingenua, la imagen está rica en juegos de palabras y ecos visuales, por ejemplo entre la horca y el peto del mono de granjero. Wood rechazó constantemente las sugerencias de que American Gothic fuera una sátira del Medio Oeste y sus valores conservadores. Un ícono de la cultura popular estadounidense, sigue siendo tan ambiguo como su título. (Beca de registro)
Naturaleza muerta con aves de caza (c. 1602)
Juan Sánchez Cotán, natural de Orgaz (provincia de La Mancha), es quizás el más asociado a una concepción de la naturaleza muerta heredada de la Antigüedad clásica. Según Plinio el Viejo, los pintores rivales Zeuxis y Parrasio intentaron superarse mutuamente mediante demostraciones de virtuosismo técnico. Con este fin, Zeuxis pintó una naturaleza muerta de uvas tan convincente por su verosimilitud que algunos pájaros se abalanzaron e intentaron picotear la aparente fruta. Luego, Parrasio le pidió a su rival que descorriera un par de cortinas para que Zeuxis pudiera ver el cuadro del propio Parrasio. Cuando Zeuxis intentó esto, se dio cuenta de que Parrasio había pintado un par de cortinas tan realistas que podían engañar a los ojos de un artista. Si bien las naturalezas muertas de Cotán tal vez no alcanzaran tal ambición, el artista, que a menudo se esforzaba meticulosamente en disponer algunos objetos de manera sobria y muy selectiva, se preocupaba por acercar sus pinturas lo más posible a la realidad. Still Life with Game Fowl coloca una serie de objetos dentro de un espacio poco profundo, parecido a una caja. Ya sea suspendido o descansando sobre una aparente repisa, cada objeto tiene su propia integridad, mientras trabajan colectivamente en armonía para inculcar un diseño o disposición general. En una muestra de virtuosismo artístico, Cotán suspende el pato frente al marco real y hacia el espacio ocupado por el espectador. Además de inculcar la naturaleza palpable de los objetos, el enfoque de Cotán es más indicativo del enfoque singular del artista hacia el género de la naturaleza muerta. (Personal de Craig)
Mujer en su baño (c. 1875)
Berthe Morisot es la única pintora que se incluye constantemente en los debates sobre los impresionistas. Supuesta sobrina nieta del pintor rococó Jean-Honoré Fragonard, nació en una familia adinerada y creció en un hogar artístico, pero aun así sorprendió a su familia al elegir convertirse en artista profesional. Cuando era adolescente fue enviada a la École des Beaux-Arts de París, donde estudió durante tres años. En 1860, se convirtió en alumna de Camille Corot, cuyo trabajo fue su principal influencia hasta que conoció a Édouard Manet en 1868. La suya iba a demostrar una amistad duradera; fue aceptada en su grupo social y se casó con el hermano de Manet en 1874.
La cuna (1873) de Morisot , que muestra a una madre exhausta meciendo la cuna de su bebé, se incluyó en la primera exposición impresionista, en 1874. El deseo de los impresionistas de perfeccionar las formas en que se retrataba la luz es evidente en La mujer en su baño : el Es magistral la forma en que cambia la luz cuando incide sobre la piel de la dama, en contraste con la forma en que incide sobre su vestido. Edgar Degas escribió una vez: “Lo fascinante no es mostrar la fuente de la luz, sino el efecto de la luz”, y esta parece ser la técnica que utilizó Morisot en esta pintura. Al igual que Manet, Morisot fue un poco más reservada en su método que los otros impresionistas, prefiriendo trabajar en un estilo más preciso y menos abstracto. Sus pinturas a menudo se concentran en mujeres, ya sea como retratos o, como éste, como estudios más generales de las mujeres y su vida doméstica cotidiana. (Lucinda Hawksley)
Un domingo en La Grande Jatte—1884 (1884–86)
En la década de 1880, las clases medias bajas acudían en masa a la Grande Jatte, en los suburbios de París, para dar un paseo junto al río y hacer un picnic los domingos por la tarde. Este era el tipo de tema que los impresionistas habían puesto de moda, pero Georges Seurat estaba lejos de abrazar la búsqueda de lo fugaz y espontáneo de ese movimiento artístico. Hizo más de 70 bocetos y dibujos preliminares al óleo para esta imagen formalizada, con su cuidadosa composición y énfasis en formas geométricas simplificadas. Durante los dos años que trabajó en La Grande Jatte , Seurat también desarrolló la técnica puntillista de aplicar color en puntos que debían fusionarse cuando se ven desde la distancia, y que coexiste aquí con su estilo anterior, más convencional. Unas 40 figuras se agolpan en el lienzo, la mayoría de perfil o de frente. Parecen estáticos y congelados en una proximidad poco comunicativa. Muchas figuras han sido identificadas como estereotipos parisinos conocidos. Por ejemplo, la mujer que se encuentra en primer plano a la derecha, con el llamativo polisón, es identificada por su mono mascota (símbolo de lascivia) como una mujer de moral relajada. El hombre sentado con el sombrero de copa a la izquierda es un paseante de bulevares a la moda. El cambio de un primer plano sombreado a un fondo brillante crea una fuerte sensación de profundidad a la que contribuye la recesión de las figuras, aunque hay algunos cambios de escala desorientadores. Seurat dijo que su objetivo era representar la vida moderna al estilo de un friso griego clásico. El efecto general, intencionado o no, es onírico, inquietante y absolutamente irreal. (Beca de registro)
Retrato de Pablo Picasso (1912)
Juan Gris dejó Madrid para ir a París en 1906. Seis años más tarde, cuando trabajaba cerca de Pablo Picasso en un edificio de estudio en ruinas, Gris pintó una de las grandes obras maestras del arte español. Representa al artista mirando al espectador de manera relajada y segura. En su mano izquierda, se le muestra sosteniendo una paleta con manchas elípticas de negro y los tres colores primarios. La pintura se compone de una serie de planos facetados, cuyos bordes están delineados con una claridad decisiva. El artista construye estos planos a partir de toques en forma de bloques de colores cálidos y fríos, una técnica adoptada de Picasso y Georges Braque, aunque Gris los coloca en la superficie del lienzo con una regularidad rara vez empleada por los otros artistas. (Pablo Buenaventura)
Campos de Marte: La Torre Roja (1911–23)
Unos años antes de crear la pieza cubista Champs de Mars: La Tour Rouge , Robert Delaunay pintaba en el estilo impresionista del siglo XIX. El artista eligió un tema apropiado para su nuevo estilo: la Torre Eiffel. Esta es una de una serie de pinturas de lo que entonces era la estructura construida por humanos más alta del mundo. En 1911, Delaunay expuso su obra con el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul), con sede en Múnich. Bajo la influencia abstraccionista del grupo, el trabajo de Delaunay comenzó a evolucionar. Su torre roja se eleva como un fénix, como en medio de una llama o una columna de humo, entre los monótonos bloques de apartamentos parisinos. El paisaje urbano gris sirve para enmarcar al sujeto de Delaunay y los objetos se descomponen en el lienzo. El interés de Champs de Mars es su tratamiento de la luz. Delaunay somete el aire alrededor de la torre a un análisis similar, deconstruyendo la atmósfera en una variedad de colores vibrantes. (Regla de Alix)
Halcones nocturnos (1942)
Las formas geométricas curvas acentuadas por una fachada Art Déco y una luz angular proporcionan un escenario casi teatral para un grupo de figuras aisladas y aisladas. El anuncio de cigarros Phillies en la parte superior del restaurante muestra que este no es un lugar exclusivo, ya que Phillies era una marca de cigarros populares y baratos de fabricación estadounidense que se vendían comúnmente en tiendas de conveniencia y gasolineras. Estos “halcones nocturnos” están bañados en un oasis de luz fluorescente en un restaurante abierto toda la noche en una calle urbana oscura: es un cine negro, un escenario al estilo Chandler. No hay duda de que el uso expresivo de la luz artificial que hace el estadounidense Edward Hopper sobre las formas simplificadas le da a Nighthawks su belleza. La pareja Bogart y Bacall mira fijamente al camarero inclinado debajo del mostrador mientras sus manos casi se tocan, un cuadro que hace que el comensal solitario al otro lado del mostrador, y de espaldas al espectador, parezca aún más llamativo. Hopper afirmó que la calle en sí no era particularmente solitaria, pero quizás inconscientemente estaba conceptualizando la aplastante soledad de una gran ciudad. En cualquier caso, no hay una entrada visible al restaurante, el espectador queda excluido de la escena, lo que la hace más intrigante. El restaurante en sí se inspiró en uno de Greenwich Village, Manhattan, donde Hopper vivió durante más de 50 años. La práctica de Hopper era hacer bocetos mientras estaba en Nueva York y luego regresar a su estudio y dibujar una combinación de poses junto con su esposa, Josephine, como lo hizo aquí. Su visión se ha convertido en una de las imágenes icónicas del siglo XX. (James Harrison)