5 pinturas que debes ver en Japón.

Las versiones anteriores de las descripciones de estas pinturas aparecieron por primera vez en  1001 pinturas que debes ver antes de morir , editado por Stephen Farthing (2018). Los nombres de los escritores aparecen entre paréntesis.

• Iris (1702)

  Ogata Kōrin nació en una rica familia de clase comerciante que poseía una tienda textil en Kioto patrocinada por las damas de los señores y nobles feudales. Kōrin fue influenciado por la tradición que los artistas Kōetsu y Sōtatsu habían desarrollado en la comunidad artística Takagamine, de la que era miembro su abuelo. El estilo Rinpa (“Escuela de Rin”) establecido por sus dos predecesores toma de hecho su nombre de Kōrin, quien consolidó el estilo con su hermano Kenzan. Después de perder la fortuna familiar, Kōrin y Kenzan se ganaron la vida diseñando textiles, biombos, lacas y cerámica. Iris es una representación simbólica de una escena del Puente de Ocho Tablones de los Cuentos de Ise , una recopilación de episodios líricos escritos en el período Heian. Al eliminar de su descripción al héroe y el puente central de la historia, Kōrin creó una composición rítmica basada en la repetición de una manera casi abstracta. Las flores están pintadas en mokkotsu , el estilo de pincelada sin huesos y sin contornos de tinta. Kōrin hizo varios dibujos de la naturaleza a partir del natural, pero en sus pinturas los objetos a menudo se reducen a su esencia, presentados en diseños planos y simplificados. Kōrin reelaboró ​​el estilo decorativo y los temas yamato-e (pintura japonesa nativa) empleados por Sōtatsu, cuyas pinturas copió Kōrin para aprender las técnicas. La escuela Rinpa es conocida por su abundante uso de colores, pan de oro y plata. Cien años después, Sakai Hōitsu revivió la tradición Rinpa en Edo, la actual Tokio, tras estudiar las obras de Kōrin. Irises está en el Museo Nezu de Tokio. (Fuyubi Nakamura)

• Belleza mirando hacia atrás (1690)

  A Hishikawa Moronobu a menudo se le atribuye el avance del ukiyo-e , un estilo de grabado y pintura japonés desarrollado durante el período Edo. Ukiyo-e era una expresión pictórica popular del mundo del teatro Kabuki, el distrito de placer de Yoshiwara y otras escenas de la vida urbana, a menudo pobladas de actores y cortesanas. La palabra ukiyo se usó originalmente en el contexto religioso del budismo, refiriéndose a la naturaleza efímera de la vida humana, pero en el período Edo adquirió una nueva connotación al asociarse con la fugacidad de la sociedad urbana. Nacido en una familia de bordadores textiles cerca de Tokio, la primera experiencia artística de Moronobu fue hacer dibujos sobre telas. Después de mudarse a Edo (actual Tokio), produjo ilustraciones de libros utilizando grabados en madera. Al crear conjuntos de ilustraciones de una sola hoja independientemente del texto que las acompañaba, estableció un nuevo idioma ukiyo-e . Sus impresiones solían ser monocromáticas y, a menudo, pintadas a mano. Beauty Looking Back , que forma parte de la colección del Museo Nacional de Tokio, es un ejemplo de un género que retrata mujeres hermosas del período Kanbun. Los cuadros de ukiyo-e pintados a mano no eran los originales utilizados para las reproducciones de grabados en madera, sino piezas singulares hechas para ser vistas por derecho propio. Al mostrar la espalda de una mujer, Moronobu muestra efectivamente la moda del día como se ve en el peinado y el patrón del kimono. Los grabados ukiyo-e fueron una fuente de inspiración para el Art Nouveau y muchos pintores impresionistas, incluidos Vincent van Gogh y Claude Monet, en la Europa del siglo XIX. (Fuyubi Nakamura)

• Paisaje invernal (c. 1470)

  Muchos consideran al sacerdote budista zen Sesshū como el mayor maestro de la pintura con tinta japonesa. Viajando por todo el país como sacerdote itinerante, Sesshū dedicó su vida al arte. Cuando era joven, ingresó al templo Shukoku-ji en Kioto, donde recibió formación en Zen y pintura bajo la dirección de Shūbun. Paisaje invernal , en el Museo Nacional de Tokio, fue creado en su personal versión del estilo Xia Gui, marcado por el uso de hatsuboku (tinta salpicada). También se recuerda aquí el legado poético de sus maestros japoneses. Sesshū representó montañas, acantilados y rocas en una técnica conocida como shumpu , que combina contornos atrevidos con líneas más delicadas para crear una sensación de tridimensionalidad. Mucho antes del comienzo del período moderno, ya se había ganado la reputación de genio artístico; el gran número de discípulos que tuvo durante su vida atestigua su influencia y popularidad. (Fuyubi Nakamura)

• Kichijōten (siglo VIII)

  Kichijōten es la pintura en color más antigua que se conserva de una sola figura en Japón y es un magnífico ejemplo de las artes del período Nara, que incorporó elementos de las artes de la dinastía china Tang (618–907). La deidad budista Kichijōten deriva de Lakshmi, la diosa hindú de la prosperidad. El budismo llegó a Japón desde China y Corea en el siglo VI y tuvo una gran influencia en el arte japonés. Sin embargo, el encuentro del budismo con el Shintō, la religión indígena de Japón, distinguió al budismo japonés de otras tradiciones asiáticas, y evolucionaron estilos japoneses distintivos. Pintado en policromía, Kichijōten representa una belleza asiática idealizada con mejillas llenas y cejas en forma de media luna vestida con las túnicas de la corte Tang. Su mano derecha forma un mudra, un gesto con la mano que simboliza la característica especial de una deidad budista y en su mano izquierda se encuentra un hōju , una gema sagrada. La pintura se encuentra en el complejo del templo Yakushi-ji en Nara. (Fuyubi Nakamura)

• Leones chinos (1580-1585)

  Imágenes esplendorosas y el uso abundante de pan de oro caracterizan el arte del período Momoyama. La unión de arquitectura y pintura en la construcción y decoración de castillos y mansiones de señores y nobles feudales dio como resultado un estilo elaborado de pinturas interiores de biombos, paneles corredizos y paredes. Kanō Eitoku fue el maestro pintor de este estilo, estableciendo los cánones estéticos de la escuela Kanō, fundada por Kanō Masanobu, el abuelo de Eitoku. Eitoku destacó en las técnicas del pincel desde una edad temprana bajo la guía de su abuelo, y trabajó en una variedad de estilos y medios. El biombo plegable de los leones chinos es una de las raras obras a gran escala que se conservan de Eitoku. (Está en el Museo de las Colecciones Imperiales de Tokio). Encargado por el señor feudal Toyotomi Hideyoshi, representa dos leones guardianes con sus melenas y colas en patrones de llamas estilizadas. Estos leones, a los que se creía que tenían poderes protectores míticos, tradicionalmente se encontraban frente a palacios, templos, tumbas y casas de los ricos. Eitoku inventó un nuevo estilo de pintura sobre fondos de pan de oro para lograr efectos dramáticos adecuados para las demostraciones de poder de los shogun. Podría haber tomado la idea de las pinturas religiosas españolas y portuguesas recién llegadas. La influencia de la Escuela Kanō fue generalizada y dominó la pintura japonesa desde el siglo XV hasta mediados del siglo XIX. Los artistas de Kanō combinaron el estilo de pintura en tinta de la escuela china Zhe con elementos decorativos derivados del estilo indígena japonés yamato-e . También eran famosos por sus paisajes monocromáticos en tinta. (Fuyubi Nakamura)