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Las versiones anteriores de las descripciones de estas pinturas aparecieron por primera vez en 1001 pinturas que debes ver antes de morir , editado por Stephen Farthing (2018). Los nombres de los escritores aparecen entre paréntesis.
Hip, hip, ¡hurra! Partido de Artistas, Skagen (1887-1888)
Peder Severin Krøyer, nacido en Stavanger, Noruega, fue uno de los líderes de un grupo de artistas que se reunieron en Skagen, Dinamarca, y fue el más famoso de los “pintores de la luz” daneses. Mientras se formaba en la Academia de Copenhague, viajó mucho como estudiante, especialmente a Francia, donde fue influenciado por los impresionistas y su atención a las cualidades de la luz. Quería capturar los complejos efectos de la luz en su trabajo, especialmente la luz del día y la de las lámparas. Como muchos artistas daneses de la segunda mitad del siglo XIX, se sintió atraído por los hermosos y espectaculares alrededores de Skagen, en el cabo más septentrional de Dinamarca, y comenzó a pasar tiempo allí. ¡ Empezó Hip Hip Hurrah! Fiesta de artistas, Skagen, probablemente alrededor de 1884, inspirada en una reunión en la casa del pintor danés Michael Ancher. La pintura representa a un grupo feliz de escandinavos en una fiesta al aire libre. Los hombres se encuentran al otro extremo de la mesa brindando entre sí, mientras que las mujeres están sentadas cerca del espectador, mirando a sus hombres, casi con indulgencia. Una joven con un vestido blanco con un gran lazo rosa se apoya soñolienta en su madre. Las botellas y vasos abiertos y casi vacíos sobre la mesa demuestran que ésta ha sido una celebración larga y relajada. La escena, enmarcada por un paisaje verde y exuberante, está bañada por una suave y gentil luz del sol. El paisaje no era el típico del duro y arenoso paisaje marino de Skagen. La imagen de Krøyer (en el Museo de Arte de Gotemburgo) capturó y llegó a simbolizar la camaradería y el sentido de comunidad que sentían los artistas que se reunieron en Skagen. (Aruna Vasudevan)
Después de la pose (1884)
After the Pose de Sven Richard Bergh espera con interés las próximas innovaciones en el arte sueco de finales del siglo XIX y principios del XX. Pintada cuando Bergh estaba en París para escapar del riguroso academicismo que experimentó cuando era estudiante en la Real Academia Sueca, la imagen asimila el nacionalismo y el realismo francés, al tiempo que presagia el surgimiento y el énfasis en un arte específicamente nórdico. Como escena de la vida contemporánea, la pintura (en el Museo de Arte de Malmö) muestra a Carl Jaensson, un compañero artista sueco expatriado, tocando absorto el violín después de una sesión de pintar una modelo desnuda. Situada en el centro del primer plano de un estudio monocromático y desnudo anclado por líneas verticales y horizontales, la modelo se pone lenta y distraídamente una de sus medias entre los restos dispersos del estudio del artista. El lienzo de Bergh también transmite actitudes hacia las artes e integra otras influencias artísticas de la época, sobre todo el estilo de los grabados japoneses. El violín representa el ideal de la música como la más indescriptible de las artes y, por tanto, la más pura. Es significativo que, a partir de la década de 1890 en Suecia, Bergh ocupó un papel central en el desarrollo de un arte más intrínsecamente sueco: un estilo romántico sueco que se inspiraba en el paisaje sueco y la calidad única de la luz nórdica. Bergh y otros formaron la Unión de Artistas, fundada sobre principios de acción cooperativa y basada en las ideas de William Morris y John Ruskin. En 1915, el Museo Nacional de Estocolmo nombró a Bergh director. (Amy Elin Haavik)
Chicas de Dalarna bañándose (c. 1908)
Esta pintura al óleo del artista sueco Anders Zorn es una pieza muy atmosférica que representa a dos niñas bañándose en una bañera, la escena iluminada por el brillo parpadeante de un fuego. Zorn estaba muy preocupado por los efectos de la luz, especialmente la luz que se refleja en el agua y la carne, y muchas de sus pinturas transmiten una sorprendente claridad de luz y atmósfera, y tienen una calidad fotográfica. Chicas de Dalarna (en el Museo Nacional de Estocolmo) es una composición inusual y recuerda en cierto modo a Edgar Degas, a quien Zorn había conocido mientras estaba en París. También socializó con Pierre-Auguste Renoir y particularmente con Auguste Rodin, y hay un sentido de cada uno de ellos en la obra de Zorn. Cuando pintó Chicas de Dalarna , Zorn se había mudado de París a su ciudad natal de Mora, donde permaneció hasta su muerte. (Tamsin Pickeral)
El duende del agua (1882)
En El duende del agua, también conocido como Näcken , Ernst Josephson combinó el folclore nórdico con la pintura renacentista y el simbolismo francés de finales del siglo XIX. En los antiguos cuentos nórdicos, el Näcken era un espíritu destructivo que vagaba por los humedales salvajes, tocando música con su violín y, como una sirena, atraía a la gente a la muerte. Por lo tanto, el duende simboliza los peligros ocultos en la naturaleza, pero la historia de Näcken también funcionó como una alegoría personal de la propia sensación de aislamiento de Josephson. El uso hábil y sensual del color por parte del artista es evidente en esta pintura: el verde brillante y húmedo del largo cabello del duende y las cañas en las que se arrodilla se equilibran con manchas de un rojo complementario, como en el violín, las rocas y el Los labios del espíritu. Las pinceladas sueltas y multidireccionales dan vida al agua turbulenta y corriendo, creando un estado de ánimo melancólico pero enojado y enérgico. La pintura está en la colección del Museo Nacional de Estocolmo. (Karen Morden)
La ciudad (1903)
El dramaturgo, poeta y novelista sueco Johan August Strindberg también se interesó por la fotografía y la pintura. En su novela autobiográfica, Hijo de un sirviente , dice que la pintura lo hacía “indescriptiblemente feliz, como si acabara de tomar hachís”. Strindberg padecía una enfermedad mental y sus episodios psicóticos y su personalidad introspectiva se revelan en sus pinturas de paisajes marinos y tormentosos. En La ciudad (en el Museo Nacional de Estocolmo), su Estocolmo natal aparece como una luz diminuta pero luminosa y acogedora en el horizonte, atrapada entre un mar y un cielo violentos y oscuros. Se ha dicho que tales pinturas de clima violento eran una representación de las emociones agitadas que a menudo se apoderaban de Strindberg. El motivo de una tormenta marina turbulenta y un horizonte lejano lo utilizó una y otra vez. Sin explicación alguna, Strindberg dejó de pintar en 1905, siete años antes de morir. (Terry Sanderson)
Hombre deformándose (1888)
Nacido en Uppsala, Suecia, Bruno Liljefors era famoso por sus representaciones de la vida cazadora. Influenciado por el evolucionista Charles Darwin, Liljefors quedó fascinado por la anatomía y buscó pintar representaciones realistas de sus sujetos. Liljefors, un niño frágil, pasó gran parte de su infancia entreteniéndose dibujando. Cuando era adolescente lo llevaron a cazar y desarrolló una pasión por este deporte durante toda su vida, y más tarde lo atribuyó a su mayor fuerza física y a su mejor salud. Después de estudiar arte en la Real Academia de Estocolmo, Liljefors se mudó a Alemania, donde estudió con el artista Carl Friedrich Deiker y comenzó a especializarse en pintura de animales. Vivió y trabajó en varios países europeos y estudió el arte de los impresionistas y su representación de la luz y el color, tan diferente de la oscuridad y la tristeza del realismo alemán. Liljefors finalmente regresó a Uppsala, donde luchó por sobrevivir como artista durante muchos años, pero en 1901 recibió ayuda financiera de un mecenas. La exposición de Liljefors de 1906 lo estableció como un artista de renombre, particularmente en temas de vida silvestre. Man Warping muestra la influencia del impresionismo en la obra de Liljefors. Man Warping , una pintura suave, casi de ensueño, en tonos pastel, representa a un grupo de hombres reunidos en una playa en un día de primavera o verano. Mientras algunos de los hombres participan en un juego, otros se agachan en la arena blanca o se quedan mirando en silencio. La escena es tranquila, relajada y pacífica; los pájaros vuelan en el cielo azul rosado y el mar lame suavemente la arena. La pintura está en la colección del Museo Nacional de Estocolmo. (Aruna Vasudevan)
Manzano en flor (1877)
El padre de Carl Fredrik Hill era profesor de matemáticas en la Universidad de Lund en Suecia. Se oponía profundamente a la idea de que su hijo fuera artista. A pesar de este revés, Hill se mudó a Estocolmo y estudió en la Academia de Bellas Artes. Luego se mudó a París, donde se inspiró en Jean-Baptiste-Camille Corot, Jean-François Millet y otros paisajistas. Mientras estuvo en París, sus obras, que alguna vez habían sido sombrías, comenzaron a exhibir colores más definidos y a demostrar una comprensión mucho mejor del tono, como se puede ver en Apple Tree in Blossom (en el Museo Nacional de Estocolmo). Hill se benefició de la tutela de compañeros artistas como Corot, y sus obras adquirieron un estilo realista. Las obras de Hill fueron continuamente rechazadas en los círculos académicos; sólo uno se mostró en el Salón de París y otro en la Exposición Universal de 1878. Este rechazo constante le provocó depresión y Hill luchó contra una enfermedad mental, exacerbada por la muerte de su hermana y su padre en Suecia. A finales de la década de 1870, su enfermedad mental se acentuó y comenzó a pintar con colores atrevidos, ásperamente vibrantes y tonalidades contrastantes. Hill finalmente fue admitido en un asilo y le diagnosticaron esquizofrenia; También fue tratado por manía. Hill regresó a su ciudad natal de Lund durante los últimos años de su vida, y pasó parte de ella en un asilo. Su familia lo cuidó hasta su muerte en 1911. (Lucinda Hawksley)
Joven con loros y monos (1670)
El pintor alemán David Klöcker recibió el título honorífico de Ehrenstrahl por su ennoblecimiento por parte de la corte real sueca en 1674. Era una señal del respeto que el artista se había ganado en Suecia, que se incrementó aún más en 1690 cuando fue nombrado mayordomo de la corte. Inicialmente estudió en los Países Bajos, pero en 1652 ya había viajado a Suecia, donde pintó el retrato ecuestre del mariscal de campo Carl Gustaf Wrangel, y siguió este viaje con una estancia en Italia y Francia. Fue allí donde el artista desarrolló verdaderamente su estilo, influido por el dramatismo del arte barroco, que más tarde combinó con su sorprendente realismo. Joven con loros y monos (en el Museo Nacional de Estocolmo) es un excelente ejemplo de esto. Muestra la habilidad del artista para pintar animales y su uso del efecto dramático. La pintura es una obra exótica, en tema y en ejecución. La paleta oscura pero rica está animada por el brillante blanco-amarillo del loro que parece volar hacia el espacio del espectador. En cuanto a la composición, la pintura está ingeniosamente ideada: las formas se basan en una estructura piramidal resaltada a través de luces y sombras fuertemente contrastadas, con el loro formando el pico, la manga del hombre y la percha para pájaros los lados, y la repisa horizontal la base. Ehrenstrahl trabajó principalmente como retratista, pero también produjo animadas pinturas alegóricas y fue uno de los primeros artistas que trabajó en Suecia para pintar escenas de género. Su estilo distintivo y su fluida descripción del paisaje, la naturaleza y la gente lo convirtieron en una figura destacada del arte sueco del siglo XVII. (Tamsin Pickeral)
Encuentro una tarde en la carretera (1889)
Fritz Syberg, junto con Peter Hansen y Johannes Larsen, crearon una asociación de artistas en Copenhague conocida como los pintores de Fionia, que definieron activamente el impresionismo danés. A finales del siglo XIX, el impresionismo y el postimpresionismo experimentaron una entrada tardía pero contundente en el arte danés y escandinavo, a medida que museos y coleccionistas invirtieron en artistas franceses como Paul Gauguin, también un amigo influyente del grupo Funen. Los artistas nórdicos adoptaron los elementos emocionales del impresionismo, moldeando un estilo de pintura nórdica completamente nuevo que adaptó la paleta impresionista y las técnicas puntillistas a su propio paisaje y carácter. Meet an Evening on a Road retrata a una pareja que se corteja intercambiando algunas palabras al borde de la carretera después de un día de trabajo. Alejados de la multitud, sostienen sus brazos a la defensiva pero expresan una similitud empática. La inclinación del sombrero del caballero es audaz en línea y color, rivalizando sólo con el camino arqueado detrás de ellos en cuanto a dominio visual, mientras que la mujer permanece expectante pero reservada. El camino sugiere el camino del matrimonio, mientras que las nubes significan la agitación y el mal humor del amor. El pequeño sendero de la izquierda es a la vez el escape y el acceso del hombre: tanto su camino a casa como el camino por el que regresará para un intercambio similar. Tras la muerte de su primera esposa, Syberg se casó con la hermana de su colega pintor Peter Hansen. Meet an Evening on a Road (en el Museo Nacional de Estocolmo) tal vez sugiera el propio cortejo de Syberg, uno que habría tenido lugar al margen de la comunidad pero que también habría sido presenciado por ella. (Sara White Wilson)
El jurista (1566)
El pintor manierista italiano Giuseppe Arcimboldo nació en Milán en una familia de pintores. En 1549, el joven artista recibió el encargo, junto con su padre, de diseñar vidrieras para la catedral de Milán. También diseñó una serie de tapices para la Catedral de Como. Esta temprana base en el diseño formó la base del estilo sorprendentemente innovador posterior del artista, que fue concebido de una manera completamente precisa y lineal. En 1562, Arcimboldo fue contratado por el emperador Fernando I y abandonó Milán para ir a Viena, y más tarde a Praga, para ocupar su puesto de pintor en la corte de los Habsburgo. A la muerte de Fernando en 1564, pasó a manos de su sucesor, Maximiliano II, y más tarde de Rodolfo II, para quien trabajó hasta 1587. Fue durante los primeros años de su servicio en la corte cuando surgió el estilo del artista, como se ve en una Primera versión de su serie Four Seasons . Cuando se pintó El jurista en 1566, Arcimboldo se había consolidado como uno de los principales pintores innovadores de su tiempo. Trataba a sus súbditos con un ingenio irónico que era muy apreciado. Los sentimientos del artista hacia su jurista son claros: el rostro está compuesto de cadáveres de pollo desplumados y pescado muerto, y su boca está inclinada hacia abajo en una mueca de desprecio. Estas composiciones inteligentes y humorísticas, y la particular habilidad de Arcimboldo para crear personajes reconocibles a partir de elementos compuestos, fueron insuperables. La obra de Arcimboldo se considera precursora del surrealismo. El Jurista forma parte de la colección del Museo Nacional de Estocolmo. (Tamsin Pickeral)
Trayendo a casa el cuerpo del rey Carlos XII de Suecia (1884)
Proveniente de una familia aristocrática, Gustaf Cederström, como muchos artistas suecos de su época, comenzó su carrera como oficial del ejército. Después de recibir formación artística en Düsseldorf con otro sueco, Ferdinand Fagerlin, se mudó a París, uno de los primeros de su generación en hacerlo. Aunque un poco mayor que los artistas que introdujeron el realismo francés en la pintura sueca en la década de 1880, Cederström decidió especializarse en pintura histórica. Su tema favorito era el rey sueco Carlos XII y sus ilustres campañas militares. Este fue también el tema de su gran éxito inicial: la primera versión de 1878 de Bringing Home the Body of King Karl XII , que le valió un premio en la Exposición Universal de París ese mismo año. La versión de 1884, sin embargo, es impresionante por la forma en que logra infundir inmediatez, realismo y una atmósfera evocadora a un tema histórico distante. Cederström estudió de cerca la realidad y desarrolló una profunda comprensión del funcionamiento de las composiciones al aire libre . Este lienzo fue pintado en parte al aire libre y la escena se creó con modelos reales vestidos con réplicas de uniformes auténticos de principios del siglo XVIII. Aunque Cederström hizo una contribución notable a la pintura histórica del siglo XIX, no fue el más representativo de este género en Suecia. Sin embargo, el Museo Nacional de Suecia adquirió esta obra a finales del siglo XIX porque representa una piedra angular en la glorificación del pasado histórico de Suecia y en el poder del arte para crear símbolos nacionales. (Anna Amari-Parker)
Nubes de tormenta (1893)
El artista Karl Nordström jugó un papel importante en el desarrollo de la pintura de paisajes sueca a finales del siglo XIX y, a través de sus activas protestas, ayudó a romper las actitudes rígidamente conservadoras de la Konstakademin de Estocolmo. Estudió en la academia que luego atacaría y, mientras estuvo allí, conoció a artistas de ideas afines, Richard Bergh y Nils Kreuger, quienes se convirtieron en aliados en su búsqueda por encontrar una nueva expresión para su arte. En 1882, Nordström visitó París, donde vio el trabajo de los impresionistas y estuvo muy influenciado por él. Cuando pintó Nubes de tormenta en 1893, también se había interesado por las obras de artistas japoneses, y la composición simple y audaz de esta pintura debe mucho a los grabados en madera japoneses que se habían vuelto tan populares en ese momento. Hay un eco de Vincent van Gogh y Paul Gauguin presente en esta evocadora pintura que captura el espectacular paisaje de Suecia, particularmente evidente en su tratamiento del cielo arremolinado. Tiene un sentimiento romántico pero se expresa con un toque moderno y define el paisaje de Suecia con un sentido de orgullo heroico y nacionalista. El mismo año en que pintó esta obra, Nordström se mudó a Varberg, en la costa sueca, y estableció una colonia de artistas con sus amigos Bergh y Kreuger. Nordström fue una voz estridente para las artes durante su vida y un contribuyente clave hacia una nueva dirección en la pintura de paisajes de Suecia en el siglo XX. Storm Clouds está en el Museo Nacional de Estocolmo. (Tamsin Pickeral)
En el desayuno (1898)
Esta escena discreta captura la sensación de un desayuno tranquilo en una habitación inundada por la luz de la mañana. También refleja una preocupación importante de los artistas de principios de siglo: el equilibrio entre representar algo de una manera naturalista y transmitir una verdad más profunda. Esta imagen muestra las credenciales simbolistas de Laurits Andersen Ring mediante el uso de estados de ánimo y recursos compositivos inusuales para excavar debajo de la superficie de la vida cotidiana. Es un retrato convincente de una mujer desayunando, pero ha sido pintado de una manera que lo llena de inmediatez melancólica, dándole un tipo de realismo más poderoso. El sujeto principal está de espaldas a nosotros, pero esta pose enfatiza el hecho de que ella está en una pose casual y cotidiana, inclinándose para leer su periódico. La mesa sobre la que se apoya se corta abruptamente a la izquierda y forma un fuerte objeto en primer plano, que recuerda a los grabados japoneses que influyeron en tantos artistas de esta época. La pintura de Ring está en la colección del Museo Nacional de Estocolmo. (Ann Kay)
Interior (1898)
Vilhelm Hammershøi, al igual que su contemporáneo más conocido Edvard Munch, tenía interés en representar figuras solitarias en interiores silenciosos. Hammershøi, un artista danés que ha viajado mucho, era un gran admirador de James McNeill Whistler y se hizo eco de su uso de colores sutiles y apagados. Hoy Hammershøi es recordado casi exclusivamente por el dramatismo oculto de sus interiores. Estos interiores exudan un aire de calma y quietud. Pueden estar vacíos, pero lo más frecuente es que contengan una sola figura femenina, generalmente vista desde atrás, como en Interior (en el Museo Nacional de Estocolmo). Estas figuras femeninas son enigmáticas: sus rostros están ocultos, al igual que su actividad precisa. A menudo, la cabeza está ligeramente inclinada, para indicar que la mujer está haciendo algo, aunque esto está oculto al espectador. La principal preocupación de Hammershøi en estas escenas era capturar el juego de luces y crear una atmósfera misteriosa. (Ian Zaczek)
Paisaje de campamentos (1905)
Este paisaje veraniego ondulante y tranquilo fue pintado en 1905 por el artista danés Vilhelm Hammershøi, en una época en la que era un artista ampliamente reconocido. Estudió en la Real Academia de las Artes de Copenhague y más tarde en la Kunstnernes Studieskole (la Escuela de Estudio de Artistas), donde conoció la técnica del plein-air . Recibió elogios de figuras culturales contemporáneas como el artista francés Pierre-August Renoir y el poeta alemán Rainer Maria Rilke. El paisaje de Lejre nos ofrece una vista del campo cerca de Roskilde, al suroeste de Copenhague. El campo constituye un tercio del cuadro; el cielo, con sus nubes esponjosas, ocupa el resto. Hammershøi ha repetido la suavidad de las nubes en los campos, que son igualmente tenues y suaves. La falta de detalles y un enfoque claro es evidente en todo este paisaje, y nos queda una esfera uniforme, casi metafísica, en la que dominan los tonos suaves de sombra y luz. El campo amarillo, a la derecha, es el único color complementario real. Semejante quietud habla de escrutinio estético; esta es una característica visual que es evidente en otras pinturas del artista, especialmente en sus interiores. Hammershøi viajó por toda Europa: Holanda e Inglaterra eran sus lugares favoritos y James Abbot McNeill Whistler fue una inspiración para él. Esta pintura, que se encuentra en la colección del Museo Nacional de Estocolmo, abre un mundo pictórico que nos invita a reflexionar sobre un entorno que sirve para instigar aún más pensamiento y contemplación. (Signo Mellergaard Larsen)
El rey Gustav Vasa de Suecia se dirige a hombres de Dalarna en Mora (1836)
Gustav Vasa, venerado como el fundador de la Suecia moderna, es una figura legendaria en la historia sueca. De hecho, han surgido muchos mitos y leyendas en torno a él, pero el tema representado en este fresco no es uno de ellos. Hacia 1520, los suecos se enfrentaron con los daneses que habían invadido la parte sur del país. Gustav Vasa fue a la provincia de Dalarna, en el norte, para reunir un pequeño ejército. Después de algunos años de feroces combates, logró hacer retroceder a los daneses, unió las distintas provincias en un solo país y fue elegido rey. Aquí vemos al futuro monarca representado 300 años después en la pared de la Capilla de Nuestra Señora en Uppsala domkyrka, la catedral que alberga su tumba. (Una versión al óleo del fresco se encuentra en la colección del Museo Nacional de Estocolmo.) Johan Gustaf Sandberg muestra a Gustav Vasa como un hombre del pueblo, con el mismo traje puritano que sus compatriotas, aunque con un poco menos de adornos. Está animando a la gente del pueblo a tomar las armas y luchar por su país. El punto focal de la composición es el joven héroe y futuro rey en lo alto de la izquierda, pero la atención se dirige a lo largo de la diagonal hacia el hombre de negro apartado de la multitud, aparentemente vacilante en unirse a la causa. La obra forma parte de un grupo de escenas de la vida de Gustav Vasa pintadas en la década de 1830 por Sandberg, que era profesor en la Real Academia de Bellas Artes de Estocolmo y se había ganado una reputación como retratista y maestro de la iluminación. La comisión fue para él una oportunidad de satisfacer sus intereses en la vida y la historia campesinas. (Rex Anderson)