31 pinturas para ver en la colección Tate.

La colección de la Tate incluye arte británico desde el siglo XVI hasta la actualidad, así como arte moderno y contemporáneo de todo el mundo. Está a cargo de cuatro galerías: Tate Britain y Tate Modern, ambas en Londres; Tate Liverpool; y Tate St. Ives. Para ver las 31 pinturas será necesario un viaje por Inglaterra. Las obras de arte de la colección Tate han sido creadas por un grupo de artistas mucho más diverso y presentan una gama más amplia de perspectivas que las que aparecen en esta lista.

Las versiones anteriores de las descripciones de estas pinturas aparecieron por primera vez en  1001 pinturas que debes ver antes de morir , editado por Stephen Farthing (2018). Los nombres de los escritores aparecen entre paréntesis.

• 22:00 horas del sábado (2012)

  Lynette Yiadom-Boakye nació en Londres en 1977 de padres ghaneses. Veinte años después, dejó la capital para estudiar en Falmouth College of Art, antes de regresar en 2000 para pasar tres años de posgrado pintando en las escuelas de la Royal Academy. Después de completar su formación en la escuela de arte, Yiadom-Boakye tuvo que financiar su pintura asumiendo una variedad de trabajos, incluido el de probadora de teléfonos en una planta de reciclaje de teléfonos celulares. En 2006 ganó un premio de una organización benéfica británica, The Arts Foundation, que le permitió pintar a tiempo completo. Fue preseleccionada para el Premio Turner 2013 gracias a su exposición individual de retratos tradicionales, Extractos y Versos , en la Galería Chisenhale. Aunque las 22:00 horas del sábado parecen surgir del terreno primero trazado por Édouard Manet, luego por Edgar Degas y Walter Richard Sickert, sus pinturas no están pintadas del natural ni de una fotografía. Las 10 de la noche del sábado da la impresión de que está basada en una imagen que se originó en la fotografía callejera: una foto tomada rápidamente con un teléfono móvil una noche mientras caminaba por una calle poco iluminada en busca del siguiente bar. Sin embargo, el joven de la camisa a rayas rojas es, como todas las figuras de Yiadom-Boakye, un invento. A nivel técnico, cada uno de sus retratos, como los de Alex Katz y Chantal Joffe, son producto de un solo día de trabajo. Cuando se le pregunta por qué, le dirá que volver a un trabajo nunca lo mejora. Sus retratos fueron objeto de una exposición individual en la Serpentine Gallery de Londres en 2015; Tiene obras en las colecciones londinenses de la Tate Gallery y el Victoria and Albert Museum. (Esteban Farthing)

• Cuadro 150 (1961)

  Nacido en las Islas Canarias, Manolo Millares fue autodidacta y uno de los miembros fundadores del grupo de vanguardia El Paso . También está asociado con los informalistas, un grupo de artistas que creían que el arte debía alejarse de la teoría y el concepto. Millares es quizás más famoso por sus collages, en los que utiliza materiales como arena, periódico, cerámica, madera y tela; su método particular de rasgar, agrupar, atar y unir sus materiales ayudó a establecerlo como un artista internacional líder. Afectado por el período sangriento y amargo de la Guerra Civil Española, quedó fascinado por los polos opuestos de destrucción y construcción. En la década de 1940 recibió la influencia de la obra de los surrealistas, en particular de Paul Klee, y Millares comenzó a producir pictogramas fantásticos. Hasta mediados de los años 1960 empleó una paleta de colores particularmente austera y limitada, creando imágenes que, aunque abstractas, a menudo evocaban algún tipo de entidad humana. Le fascinaba la idea del homúnculo, el ser humano en miniatura que puede representar al hombre en un estado primitivo. Este tema apareció en sus cuadros posteriores a 1958, incluido el Cuadro 150 . Pintada en negros, beiges, marrones y azules, la pintura ofrece un gran contraste con la obra más colorida producida por Millares en sus últimos años. El espectador apenas puede distinguir una figura, con los brazos extendidos, suspendida en las profundidades de la negra desesperación. La pintura 150 encarna las ideas de destrucción y construcción de Millares y se encuentra entre las obras más famosas del artista. (Aruna Vasudevan)

• Sr. y Sra. Clark y Percy (1970–71)

  El Sr. y la Sra. Clark y Percy de David Hockney es uno de una serie de retratos dobles de los famosos amigos del artista realizados durante la década de 1970. Los críticos han destacado la capacidad de Hockney para apelar a los instintos escapistas de los espectadores; la serie de piscinas de Los Ángeles y los retratos de celebridades comparten esta característica. Junto con The Room, Manchester Street , este es el único cuadro explícito de Londres que pintó Hockney antes de mudarse a California. En esta obra, el mobiliario, la vista a través del balcón y la luz tenue del cuadro establecen la sensación de lugar. Los propios comentarios de Hockney sobre la pintura sugieren que lograr la calidad de la luz era su principal preocupación; trabajó tanto del natural como de una serie de fotografías para lograr el efecto deseado. Dejando atrás los recursos estilísticos de sus obras anteriores, que llaman la atención sobre el estatus de sus sujetos como imágenes, el artista regresa aquí a un estilo más tradicional. Las poses formales de la pareja y su relación entre sí en la sala refuerzan la referencia a los retratos de los siglos XVIII y XIX. Sin embargo, al examinar detenidamente el tratamiento que Hockney dio a grandes áreas del lienzo, el espectador descubre que el artista ha abstraído las superficies del fondo de la habitación mientras presta mucha atención a los detalles de los rostros de sus sujetos, el teléfono y el jarrón de flores. Sería un error tomar esta obra como un ejemplo de naturalismo simple y realista; Aquí, Hockney experimenta con nuevas formas de construir y pintar el retrato. (Regla de Alix)

• Cuarta temporada: primavera (1993-1995)

  Cuando el artista abstracto estadounidense Cy Twombly se instaló definitivamente en Roma en 1959, se alejó de su estrecha asociación con la escena artística de Nueva York. De este modo, logró crear su propio arte personal, que le valió la reputación de uno de los más grandes artistas de la segunda mitad del siglo XX. Twombly expuso sus obras en la Bienal de Venecia en 1964, y cuatro años más tarde, el Centro de Arte de Milwaukee acogió su primera retrospectiva, la primera de una larga serie organizada por los museos más importantes del mundo. En 1995 el arquitecto Renzo Piano diseñó la Galería Cy Twombly de The Menil Collection en Houston, Texas. Esta colección contiene docenas de obras de arte de Twombly, no solo pinturas, sino también esculturas, dibujos y otras obras sobre papel que datan de 1953 a 1994. Twombly ejecutó esta pintura en un momento en el que ya era un artista célebre internacionalmente. Primavera es una obra de una serie titulada Quattro Stagioni . En lugar de ofrecer al espectador una representación tradicional de la estación del renacimiento, ha creado una imagen ambigua en la que los colores sensuales son tan pacíficos como violentos. El estilo gráfico temprano de Twombly se puede observar aquí en las numerosas inscripciones de palabras aleatorias por toda la pintura, y el acto de pintar en sí es un tema que revisó a lo largo de su carrera. (Julia Jones)

• 1943–45 (St. Ives, Cornualles) (1943–45)

  Poco antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, el artista británico Ben Nicholson se mudó a la pequeña comunidad pesquera de St. Ives, Inglaterra, en Cornualles. Sus naturalezas muertas y relieves geométricos de inspiración cubista le habían dado éxito y, a finales de la década de 1930, se había asegurado su lugar como figura destacada del arte europeo de vanguardia. Esa década había visto su trabajo volverse cada vez más abstracto, pero su traslado a la costa provocó otro cambio de dirección cuando volvió a centrar su atención en el paisaje británico. Era un tema más lucrativo, especialmente en una época de mayor patriotismo en tiempos de guerra y aislamiento del mundo progresista del arte europeo. La clara luz de Cornualles, la geometría de las cabañas de pescadores de fachada plana y los colores en bloques del mar y la arena conformaban su entorno de trabajo. En esta pintura, parte de una serie iniciada en 1939, se ve una escena portuaria de barcos y tejados a través de una naturaleza muerta dispuesta en el alféizar de una ventana. Las formas geométricas encarnan su fascinación por la posición de los objetos en el espacio. Las formas aplanadas también demuestran un interés por el arte ingenuo y primitivo. Terminada en 1945, la obra incluye una Union Jack en primer plano. Principalmente una celebración del Día VE, la bandera alude a la nueva y optimista era que siguió al final de la guerra. Aunque influenciado por Pablo Picasso, Piet Mondrian, Henri Rousseau y otras figuras importantes del arte europeo, Nicholson encontró una visión personal y claramente británica del modernismo. También se comprometió personalmente a alentar a los artistas emergentes de la época. (Jessica obispo)

• Orilla del mar con barcos (c. 1808)

  John Sell Cotman nació como hijo de un comerciante en la bulliciosa ciudad comercial de Norwich, Inglaterra. Viajó a Londres en 1798 para ampliar su formación artística y rápidamente se sumergió en los activos círculos artísticos de la época. Aunque nunca recibió mucha formación formal, rápidamente se convirtió en uno de los principales acuarelistas que trabajaban en la ciudad. Regresó al área de Norwich alrededor de 1804 e inmediatamente se convirtió en parte integral de la escuela de pintura de Norwich, que era menos una escuela y más un movimiento de arte provincial formado por un grupo de artistas en gran medida autodidactas. Los artistas de la escuela de Norwich se centraron en el paisaje y el paisaje marino de su zona local, aunque también se inspiraron en otras zonas de belleza natural. Seashore with Boats es una de las relativamente pocas obras petroleras de Cotman, y se cree que está en Cromer Beach, al norte de Norwich. En 1809, poco después de finalizar esta obra, el artista se casó con Anne Miles, que vivía cerca de esa playa. Durante el año siguiente expuso cuatro temas inspirados en este ámbito. La obra se distingue particularmente por sus amplias áreas de color plano con formas atrevidas que crean un efecto de patrón en toda la superficie. Seashore with Boats era una pieza típica de su estilo que tenía un concepto sorprendentemente moderno para su época y que parecía anticipar las obras de Paul Nash. Aunque Cotman era relativamente poco conocido durante su época, disfrutó de un gran resurgimiento durante el siglo XX en el que su trabajo igualó, si no superó, al de JMW Turner en popularidad. (Tamsin Pickeral)

• Ventana del puerto con dos figuras: St. Ives: julio de 1950 (1950)

  Ha habido algunos artistas en la historia que también han sido críticos de arte activos. Producir arte puede darle al crítico una comprensión más empática e íntima del arte que ve. Sin embargo, evaluar el trabajo de otros artistas también puede ser un problema para alguien que es principalmente un artista. El artista inglés Patrick Heron escribió sobre arte para el New English Weekly , el New York's Nation and Arts y la revista política británica New Statesman de 1945 a 1958. En estas publicaciones, cuestionó la necesidad de reducir la forma a la pura abstracción. En cambio, durante esta parte de su carrera, intentó sintetizar su admiración por pintores como Henri Matisse y Georges Braque. La relación intelectual de Heron con el arte se puede ver en esta obra. Más rígida y menos armoniosa que su obra abstracta posterior, esta pintura cubista de un modelo desnudo de pie junto a una ventana muestra, sin embargo, la sensible comprensión de la forma de Heron y su elegante manejo de combinaciones de colores difíciles. La relación clave en esta composición es entre el naranja o el amarillo y el azul real, pero Heron modera este contraste potencialmente abrumador con gran reserva. El efecto recuerda con éxito a Matisse. Los primeros lienzos de Heron son quizás demasiado abiertamente intelectuales. En estos, se le puede observar luchando con la abstracción y tratando de poner en práctica su amor por el cubismo. Pero una vez que rompió con este estilo y se adentró de lleno en la abstracción, pudo equilibrar su aprecio por el arte con su propia capacidad para producir algunas de las pinturas más bellas y directas de Inglaterra. (Ana Finel Honigman)

• Pencerig (1772)

  Pencerig era la propiedad familiar galesa de Thomas Jones, quien habría seguido el camino típico del hijo menor de un terrateniente y se habría formado para la iglesia. Sin embargo, no había dinero para ello y se dedicó a pintar paisajes. La habilidad de dibujar y pintar se consideraba en ese momento un pasatiempo consumado para los miembros de familias distinguidas. Aunque Jones pintaba profesionalmente, seguía siendo una especie de "pintor caballero", registrando opiniones en Nápoles sobre su versión del Grand Tour emprendida por muchos jóvenes aristócratas contemporáneos. Esta pintura de una vista de la propiedad de su familia fue realizada durante unas vacaciones allí en 1772. La escala de su pintura es sorprendentemente pequeña, pero los colores son ricos y profundos, mostrando cielos brillantes y sólidos bancos de nubes cuyas formas hacen eco de las montañas y los campos. abajo. Los colores vibrantes y la composición específica de las nubes indican una obra pintada al aire libre. Esto era inusual en las pinturas al óleo de la época; Fue sólo porque estaba trabajando en una escala tan pequeña y transportable que el artista pudo pintar con este método al aire libre, pero le permitió a Jones transmitir una inmediatez y frescura atemporales. En una época en la que los terratenientes optaban por que profesionales pintaran cuasi retratos de sus propiedades, Jones creó un registro innovador e íntimo del paisaje asociado con su familia, en lugar de su casa y su jardín. Jones finalmente heredó la propiedad y murió allí en 1803. (Serena Cant)

• Tormenta de nieve: barco de vapor frente a la desembocadura de un puerto (c. 1842)

  

  El trabajo cada vez más experimental de JMW Turner generó fuertes críticas durante la década de 1840, y algunos críticos calificaron esta pintura de “espuma de jabón y cal”. Sin embargo, al influyente crítico de arte contemporáneo John Ruskin, que fue el gran defensor de Turner, le encantó. El famoso cuento adjunto a Tormenta de nieve: barco de vapor en la boca de un puerto es que Turner se hizo atar al mástil del barco de vapor Ariel que aparece en la imagen mientras se estrellaba en una tormenta marina. Esta historia parece poco probable, pero refleja con precisión la pasión del artista por adentrarse en el corazón del mundo natural. Los espectadores de esta pintura son absorbidos rápidamente por la composición en forma de vórtice que tanto utilizó Turner, y las líneas compositivas vertiginosas inducen una desorientación vertiginosa y un caos, fieles al tema. Esta es una imagen inusualmente subjetiva para la época de Turner, y la paleta de colores bastante limitada y las franjas de agua y luz que se fusionan locamente evocan un estado de ensueño. A pesar de esto, Turner tiene el control de cada elemento bien observado; sólo él, con su conocimiento del color y la luz, recordaría que los fuegos que arden debajo de la cubierta deben mostrarse en ese tono amarillo limón creado al mirar a través de una cortina de luz. nieve. En el epicentro del vórtice, un barco de vapor es sacudido peligrosamente, usado simbólicamente como en su Fighting Temeraire , pero aquí refleja específicamente la creencia de Turner de que la humanidad está indefensa a merced de las vastas fuerzas de la naturaleza. Turner aparentemente dijo de esta obra: "No la pinté para que se entendiera, sino que deseaba mostrar cómo era esa escena". (Ann Kay)

• Ofelia (1851-1852)

  

  Se trata de una de las pinturas prerrafaelitas más populares, realizada cuando el entusiasmo juvenil del grupo estaba en su apogeo. Su esmerada atención al detalle y el amor por el simbolismo poético fueron rasgos característicos de su estilo. Shakespeare fue la fuente de inspiración favorita de todos los prerrafaelitas. Aquí, John Everett Millais representa una escena de Hamlet , donde Ofelia se arroja a un río y se ahoga después de que Hamlet mata a su padre. Shakespeare había enfatizado la difícil situación de su trastornada heroína al describir cómo se adornaba con una variedad de flores, cada una de las cuales tenía asociaciones simbólicas apropiadas. Millais siguió este ejemplo, retratando las flores con precisión botánica y añadiendo ejemplos del lenguaje victoriano de las flores. Entre otros, incluyó pensamientos (amor en vano), violetas (fidelidad), ortigas (dolor), margaritas (inocencia), ojos de faisán (dolor), nomeolvides y amapolas (muerte). Esta asociación final también la sugiere el contorno de una calavera, formado por el follaje de la derecha. Se refiere no sólo a la muerte de Ofelia, sino también a la escena del cementerio que siguió a ella, en la que aparece Hamlet con el cráneo de Yorick. La obsesión de Millais por la precisión no se limitó a las flores. Pasó cuatro meses trabajando en segundo plano, en un lugar cerca del río Hogsmill en Surrey, Inglaterra. El modelo también tuvo que sufrir por su arte. Ella era Lizzie Siddall, la futura esposa de Dante Rossetti. Durante semanas posó en una bañera llena de agua, calentada desde abajo por varias lámparas. (Ian Zaczek)

• El despertar de la conciencia (1853)

  Como miembro de la Hermandad Prerrafaelita, William Holman Hunt pintó una de las imágenes definitorias del cristianismo victoriano, La luz del mundo , que se convirtió en un grabado popular. The Awakening Conscience es la respuesta del propio Hunt a su pintura anterior. La joven mira hacia arriba y comienza a avanzar repentinamente; su postura indica que lo ha hecho en respuesta a algo que ha visto u oído desde afuera. A primera vista se trata de una escena de domesticidad en un entorno confortable. Semejante intimidad entre un hombre y una mujer es poco común en la pintura victoriana, pero entre todos sus anillos su dedo anular está desnudo. Ella es una “mujer mantenida”, una amante. A su alrededor hay símbolos de su atrapamiento (el reloj bajo el cristal, el pájaro atrapado por el gato) y de su vida desperdiciada (el tapiz sin terminar, la música de “Tears, Idle Tears” en el suelo). Se vuelve hacia un mundo fuera de la casa en la que está prisionera, un mundo más feliz, visto en el rayo de sol que cae en la esquina inferior derecha del cuadro y que se refleja en el espejo de detrás. Ella ha "visto la luz". Esta pintura es una expresión directa del resurgimiento religioso de mediados de la época victoriana que se extendió por todos los sectores de la Iglesia de Inglaterra, pero la misma religiosidad se ofendió por el tema. La sensibilidad contemporánea incluso desaprobaba las pinturas de hombres y mujeres hablando libremente en vagones de ferrocarril. Las circunstancias en las que se encuentra la joven de Hunt tal vez no sean inmediatamente obvias, pero sigue siendo un poderoso retrato de la emoción espiritual. (Serena no puede)

• El doctor (c. 1891)

  Sir Luke Fildes fue un pintor e ilustrador que se hizo famoso con una serie de obras que abordan cuestiones sociales contemporáneas. El Doctor fue probablemente el más famoso de ellos. Se convirtió en una atracción estrella en la Tate Gallery de Londres cuando se inauguró en 1897. En la última parte del siglo XIX, el crecimiento de la alfabetización trajo al mercado una gama cada vez mayor de revistas ilustradas, que a su vez ofrecieron mayores oportunidades para los artistas. Una de las novedades más importantes fue The Graphic , que apareció por primera vez en 1869 y causó sensación con sus grabados a página completa de la vida laboral cotidiana. Fildes era un colaborador habitual y a menudo convertía sus populares ilustraciones en pinturas de tamaño natural. El sombrío realismo de su obra impresionó al magnate Sir Henry Tate, quien le encargó que pintara un tema de su elección. Fildes optó por El Doctor , tema que se inspiró en la muerte de su primer hijo en 1877. Tradujo este recuerdo a un ambiente de clase trabajadora, creando una elaborada maqueta de una cabaña de pescadores en su estudio. En términos artísticos, la principal preocupación de Fildes fue la doble fuente de luz, mostrando el contraste entre el cálido resplandor de la lámpara de aceite y los primeros y sombríos destellos de la luz del día. Para el público, sin embargo, el logro duradero de la película reside en su conmovedora representación de la devoción del médico. La profesión médica era muy consciente de esto e instruyó a sus estudiantes a "recordar tener siempre ante ustedes la figura ideal del cuadro de Luke Fildes y ser a la vez hombres amables y médicos amables". (Ian Zaczek)

• Elevación del cisne en Cookham (1915-19)

  En 1915, Stanley Spencer se presentó a trabajar en el Cuerpo Médico del Ejército Real en el Hospital Beaufort, Bristol, Inglaterra. Los años de guerra fueron sólo la segunda vez que pasó fuera de su casa en Cookham, Berkshire. Swan Upping at Cookham ocupa un lugar importante dentro de su obra, ya que comenzó poco antes de que Spencer se fuera a Bristol y se completó solo después de su regreso en 1919. El título se refiere a un evento anual que se lleva a cabo en el río Támesis cuando se recolectan y marcan cisnes jóvenes. ; El puente de Cookham se ve al fondo. La idea del trabajo se le ocurrió a Spencer mientras estaba en la iglesia. Podía escuchar las actividades de la gente afuera, lo que lo inspiró a trasladar la atmósfera espiritual de la iglesia al paisaje secular de Cookham. El trabajo inacabado (los dos tercios superiores se completaron antes de que él se fuera) persiguió a Spencer durante la guerra, pero una vez en casa le resultó difícil terminarlo. (Tamsin Pickeral)

• Célebes (1921)

  El artista, escultor y collagista alemán Max Ernst formó el grupo dadaísta alemán en Colonia en 1920. Dejó Alemania en 1922 para unirse al grupo surrealista en París. Allí inventó la técnica del “frottage”. Celebes data de un período de la carrera de Ernst en el que combinaba la estética dadaísta y surrealista. Esta, su primera pintura a gran escala en Colonia, surgió de su uso del collage para crear combinaciones inesperadas de imágenes. En el centro de la pintura se encuentra una figura gigantesca que parece parecerse tanto a un elefante como a una caldera; parece tener una trompa, colmillos y pipas que brotan de ella. Esta figura monstruosa, aparentemente inspirada en una fotografía de un contenedor de maíz comunal en Sudán, está rodeada por varios objetos irreconocibles, incluido un maniquí femenino sin cabeza. Como dadaísta, Ernst reutilizaba a menudo imágenes encontradas, que combinaba con otras para crear obras originales e imaginarias. (Julia Jones)

• Piedad o Revolución de Noche (1923)

  En 1911, el pintor surrealista alemán Max Ernst conoció al artista August Macke, con quien se hizo muy amigo, y se unió al grupo Rheinische Expressionisten en Bonn. Su primera exposición tuvo lugar en Colonia en 1912 en la Galerie Feldman. Ese mismo año descubrió obras de Paul Cézanne, Edvard Munch, Pablo Picasso y Vincent van Gogh, quienes marcaron profundamente su propio desarrollo artístico. Al año siguiente viajó a París, donde conoció a Guillaume Apollinaire y Robert Delaunay. A principios de la década de 1920 participó en el movimiento surrealista en París y se le considera uno de sus líderes. La Piedad o Revolución de Noche fue pintada en 1923, un año antes de que André Breton publicara el primer Manifiesto del Surrealismo . Los surrealistas buscaron encontrar una manera de representar no sólo la realidad exterior sino también el funcionamiento de la mente humana, y fueron influenciados por la teoría del inconsciente de Sigmund Freud. En esta pintura, Ernst reemplazó las figuras tradicionales de la Virgen María de luto sosteniendo el cuerpo de su hijo Jesús crucificado en sus brazos por un retrato de sí mismo sostenido por su padre con bombín. Aunque nadie puede dar un análisis definitivo de la imagen, a menudo se ha considerado como una expresión de la relación problemática entre Ernst y su padre, quien, siendo un ferviente católico romano, había denunciado previamente el trabajo de su hijo. Ambos aparecen como estatuas, tal vez reflejando la naturaleza congelada de su relación, pero la elección de la pose de la pietà sugiere el deseo de Ernst de cambio y afecto paternal. (Julia Jones)

• Composición con amarillo, azul y rojo (1937-1942)

  Piet Mondrian es una de las figuras más importantes en el desarrollo del arte abstracto. Mondrian estaba interesado en desarrollar un modo de pintura puramente no representacional, basado en un conjunto de términos formales. Detrás de las ambiciones de Mondran para la pintura estaba el objetivo de expresar una realidad "pura". Su estilo, ahora conocido como Neoplasticismo, no se refería al mundo externo reconocible. Habiendo eliminado todas las imágenes del lienzo, lo que convencionalmente se considera los elementos clave de la pintura (línea, forma, tono) ahora se movilizaron para servir a fines muy diferentes, a saber, la encarnación de la "expresión plástica". Para ello, Mondrian supo limitarse a líneas rectas y colores básicos. En Composición con amarillo, azul y rojo, 1937–42 organiza la composición en torno a una serie de líneas verticales y horizontales que se superponen para formar una cuadrícula. Se “ponderan” cuatro áreas discretas de color primario de modo que el color funcione como una forma de contrapeso en relación con la función asignada a cada línea. La composición con amarillo, azul y rojo es una representación madura de este enfoque. Mondrian comenzó la pieza mientras vivía en París; se fue a vivir a Londres en 1938 y dos años más tarde se mudó a Nueva York, donde se completó la pintura. En Nueva York, el artista dio un paso más en su programa de experimentación formal, al dar prioridad a los complejos planos de color sobre las líneas. La importancia de esta obra reside en su capacidad de tomar lo fundamental de la pintura y crear una realidad totalmente de acuerdo con la búsqueda de expresión plástica de Mondrian. (Personal de Craig)

• Niño con sandía (c. 1947-1948)

  Antoni Clavé, nacido en Barcelona, ​​luchó con los republicanos de izquierda en la Guerra Civil Española de 1936-1939. Tras su derrota, huyó a Francia. En 1944 conoció a Pablo Picasso, y Niño con sandía sugiere que Clavé estuvo fuertemente influenciado por su compatriota. El niño aquí emula la representación que Picasso hizo de su hijo Paulo como arlequín en 1924. Los arlequines aparecieron en muchas de las primeras obras de Picasso, y el arlequín es un personaje de la commedia dell'arte, que había sido parte del teatro callejero y los carnavales de Barcelona. . Este es un tema apropiado para Clavé, cuya obra incluyó escenografías, diseño de vestuario teatral y diseño de carteles. Sin embargo, el arlequín de Clavé es una figura melancólica; Los colores de su traje con dibujos de diamantes son oscuros. Parece un mendigo hambriento y agradecido, dispuesto a comerse la fruta que tiene en las manos con su rica pulpa roja, que refleja la sangre derramada en la Guerra Civil Española. (Lucinda Hawksley)

• Grupo de retratos (1951)

  La producción artística notablemente diversa de Rodrigo Moynihan incluye pinturas abstractas, retratos, naturalezas muertas, paisajes y figuras al óleo, gouache, acuarelas, pluma y aguada. A diferencia de la marea de pintores realistas que gradualmente se transformaron en artistas abstractos, Moynihan estaba produciendo obras experimentales en la década de 1930. Estas pinturas, que se centraban en el tono y el color, estaban fuertemente influenciadas por Claude Monet, Paul Cézanne y JMW Turner. Moynihan comenzó a crear imágenes realistas, tonales y figurativas a finales de la década de 1950, y durante la década de 1970 se centró en retratos y naturalezas muertas pintadas en un estilo anacrónicamente académico con una paleta apagada y un sentido de economía pictórica. Hacia el final de su vida, creaba simultáneamente lienzos abstractos y paisajes influenciados por la tradición caligráfica china. Portrait Group ejemplifica la sobriedad y la sensibilidad fisiológica del período realista de Moynihan. La pintura se titula alternativamente El personal docente de la Escuela de Pintura del Royal College of Art, 1949-1950 y representa, de izquierda a derecha: John Minton, Colin Hayes, Carel Weight, Rodney Burn, Robert Buhler, Charles Mahoney, Kenneth Rowntree, Ruskin Spear y el propio Rodrigo Moynihan. Las relaciones narrativas entre las figuras y su posición en el espacio serían convincentes sin ningún conocimiento de los modelos de Moynihan o de su propio trabajo, pero el hecho de que se trate de una pintura de pintores añade la intrigante pregunta de si sus modelos albergaban sentimientos competitivos cuando veían el excelente resultado producido por el talento flexible de Moynihan. (Ana Finel Honigman)

• Pintura, 23 de mayo de 1953 (1953)

  Pierre Soulages formó parte del grupo de artistas que practicaban el tachismo. Este estilo se refería a la creación de marcas y estaba influenciado por la caligrafía de Oriente. Su trabajo dinámico expresó tanto el procedimiento físico de la pintura como la imagen resultante. Soulages experimentó con la abstracción, utilizando largas pinceladas de pintura negra sobre fondos claros. El título de esta obra hace referencia a la fecha en que fue realizada. Losas suaves, casi resbaladizas, y franjas de pintura rica y oscura se superponen entre sí, creando una red en forma de celosía de bandas planas que dominan la imagen. Las amplias pinceladas recuerdan a las escrituras asiáticas con sus formas caligráficas gestuales y enérgicas y las fuertes marcas enfatizan el proceso de pintar. A pesar del pequeño tamaño del lienzo, la pintura negra brillante llama la atención, intensificada por los pequeños destellos de colores claros que brillan en la oscuridad. (Susie Hodge)

• Hombre mujer (1963)

  En la década de 1960, Allen Jones se basó explícitamente en fuentes culturalmente inaceptables ( la revista Bizarre de John Willie , las caricaturas sobre bondage de Eric Stanton, pornografía envuelta en bolsas de papel marrón), todo lo cual condujo a su controvertida apoteosis, las estatuas de mujeres de tamaño natural de 1969, como -muebles ( Silla , Perchero , Mesa ). Hombre Mujer forma parte de una serie de pinturas que exploran la identidad transgénero y la ruptura de los estereotipos sexuales. Aquí, Jones fusiona los arquetipos masculino y femenino, ambos sin cabeza, pero, en su poderosa combinación de colores polarizadores verde contra rojo, subvierte el cliché al vestir al hombre con una camisa roja (el rojo huele a erotismo: lápiz labial, colorete, rojo). zonas claras) contra los tonos verdes de la mujer. La pincelada de Jones es descortés, suelta y libre; los colores vivos y atrevidos. Es un sensualista sin complejos, a la altura de Henri Matisse y Raoul Dufy. (Pablo Hamilton)

• Cadmio con Violeta, Escarlata, Esmeralda, Limón y Veneciano: 1969 (1969)

  Patrick Heron resistió el impulso hacia la abstracción en la década de 1950 hasta el final de la década, cuando comenzó a producir lienzos compuestos de bloques horizontales de color. Antes de eso, había estado creando imágenes cubistas confusas y a menudo confusas. Pero una vez que aclaró su paleta, comenzó a incorporar otras formas y composiciones más complejas, y produjo algunos de los lienzos más conmovedores y magníficos del género. Los círculos y las formas circulares se convirtieron en su firma, pero el color era su área obvia de interés. Su equilibrio de colores contrastantes superó con creces a otros pintores abstractos, y su técnica creó la ilusión de texturas suaves y superficies flexibles. De joven, Heron trabajó como diseñador textil para la empresa de su padre. Su comprensión del diseño y las telas es evidente en su método de componer las hermosas y ricas manchas de color puro que saturan sus lienzos. Cadmio con violeta, escarlata, esmeralda, limón y veneciano: 1969 es un ejemplo perfecto de cómo la temprana intimidad de Heron con los textiles influyó en su trabajo de madurez. La pintura da la impresión de ser una serigrafía, ya que el color es absorbido por el lienzo, permitiendo que los rojos, verdes y morados se fusionen y aún así atraigan la atención. Heron publicó extensamente como crítico, pero dejó temporalmente de escribir críticas una vez que comenzó a pintar de forma abstracta. Podría decirse que escribir limitó la creatividad de Heron y su capacidad para expresar emociones en el lienzo. Su pintura floreció después de romper con las críticas, como lo atestigua esta extraordinaria obra. (Ana Finel Honigman)

• Lecho de Dry Creek, Werribee Gorge I (1977)

  Fred Williams fue sin duda uno de los artistas australianos más importantes e influyentes del siglo XX. Nacido en Melbourne, estudió durante un tiempo en la National Gallery of Victoria Art School antes de viajar a Londres en 1951. Allí trabajó como enmarcador de cuadros y estudió en la Chelsea School of Art y en la Central School of Arts and Crafts. Mientras estuvo en Londres, Williams produjo una serie de escenas de music halls. A su regreso a Australia, desarrolló sus habilidades como grabador y centró su atención en representar el paisaje de su país natal de formas nuevas y extraordinarias. No pasó mucho tiempo antes de que su visión única comenzara a surgir y trató de transmitir a través de sus pinturas la enormidad y la atemporalidad del interior. El uso de colores y marcas sutiles dan una extraña sensación de elevarse a gran altura. Werribee Gorge se encuentra en Victoria, Australia, y es un fenómeno natural espectacular. Un rasgo tan significativo ocupa un lugar destacado en esta pintura, y está iluminado por los colores resecos y las marcas misteriosas. Werribee es una palabra de los aborígenes australianos que significa "columna vertebral", y la línea curva sugiere, quizás, el contorno de una serpiente. Las pinturas de Williams se volvieron más sobrias a medida que avanzaba. Estos paisajes posteriores son excelentes ejemplos de un artista que, después de un largo viaje, ha encontrado su voz auténtica. (Esteban Farthing)

• Mar Negro (1977)

  Philip Guston puede entenderse mejor como dos pintores: antes y después. El “antes” de Guston fue un expresionista abstracto de cómodo éxito. Sus lienzos de la década de 1950 generalmente consistían en muestras de rojo, negro o blanco sólidos concentrados en el centro de la imagen. Por el contrario, un elenco repetido de personajes y objetos de dibujos animados de color rosa dominó su trabajo posterior. En tono, el rosa particular que se convirtió en su firma recordaba al viejo chicle, pero, a pesar de lo azucarado de esta asociación, poco había de dulce en los lienzos posteriores de Guston. Estas pinturas están pobladas de tazas de café manchadas, colillas de cigarrillos, botas sucias, camas desordenadas y hombres solitarios cuyos rostros rosados ​​e hinchados se reducen a ojos grandes y asustados y bocas tapadas por cigarrillos. La adopción por parte de Guston de uno de estos estilos de pintura diametralmente opuestos y su rechazo del otro fue una ruptura definitoria con la reverencia cultista por la abstracción que gobernó el mundo del arte de la década de 1950. Aunque pintado con una paleta más oscura y sombría que la típica de esta época de su carrera, Mar Negro es, por lo demás, emblemático de la obra iconoclasta y madura de Guston. Sobre el mar hay un cielo azul surcado de luz, como el cielo del amanecer, pero, en lugar del sol, el tacón de un zapato se eleva ominosamente sobre la línea del horizonte. (Ana Finel Honigman)

• El ciudadano (1981-1983)

  El artista de collage y pintor Richard Hamilton es considerado por muchos como el primer artista pop. Nacido en una familia londinense de clase trabajadora, abandonó la escuela y trabajó como aprendiz de electricista mientras tomaba clases nocturnas de arte en Central Saint Martins. Luego ingresó en la Real Academia, pero fue expulsado por reprobar cursos. Después de alistarse en el ejército, Hamilton se unió a la Escuela de Arte Slade durante dos años antes de exponer de forma independiente en Londres. Muy inspirado por Marcel Duchamp, se hizo amigo de él y en 1966 fue curador de la primera retrospectiva de la obra de Duchamp que se mostró en el Reino Unido. Al igual que Duchamp, Hamilton tomó prestadas imágenes y referencias directamente de la cultura de masas y las recontextualizó para resaltar su significado político, literario o social. Inspirado en un documental sobre la “protesta sucia” de los prisioneros republicanos en la prisión de Maze en Irlanda del Norte, The Citizen muestra a un manifestante de aspecto mesiánico parado en una celda de prisión untada con heces. Durante la protesta del Laberinto, los reclusos que exigían ser clasificados como presos políticos se negaron a lavarse o usar ropa reglamentaria y mancharon sus celdas con excrementos. Hamilton representa las heces como suaves lavados de color marrón que rodean a la desaliñada pero heroica figura central. La imagen es “impactante menos por su contenido escatológico”, afirmó Hamilton, “que por su potencia... la materialización del martirio cristiano”. El título de la pintura está tomado del apodo dado a un personaje del Ulises de James Joyce . (Ana Finel Honigman)

• Pablo (1984)

  Sean Scully es uno de los mejores pintores abstractos de finales del siglo XX y principios del XXI. Su motivo característico, la raya y todas sus variantes, recorre su extraordinariamente rica obra, un testimonio de la creencia inquebrantable del artista en el poder trascendente de la repetición. Desde sus días de estudiante en la Universidad de Newcastle upon Tyne, Scully siguió un camino consistentemente individual en un esfuerzo por restablecer la primacía de la abstracción sobre la figuración. El artista argumentó repetidamente que la abstracción se divorció del mundo real, y el deseo de imbuir a la abstracción de profundos sentimientos humanos es el núcleo de su ambición. Pintado en memoria del hijo de Scully tras su prematura muerte, Paul declara sus intenciones expresivas en los términos más inmediatos. Su enorme escala evoca una escena de gran actividad física en el estudio, donde los componentes horizontales y verticales de varios colores de la pintura se han construido sobre la superficie del lienzo. Como muchas de las obras del artista de mediados de los años 1980, Paul incluye una sección del panel que se enorgullece de sus vecinos. Este dispositivo aleja la pintura de la pared y la confiere espectaculares propiedades escultóricas y arquitectónicas. Aunque la figura no juega ningún papel en las resonantes pinturas de Scully, las formas y los colores están cargados de una presencia especialmente terrenal y emocional. (Pablo Buenaventura)

• San Juan (1988)

  Nacido en 1932 en Dresde, donde se formó como pintor, Gerhard Richter se mudó a Alemania Occidental poco antes de la construcción del Muro de Berlín en 1961 y estudió en la Academia de Düsseldorf. Construyó una práctica que se mantuvo alejada tanto de las convenciones establecidas de la pintura como de las voces populares de la época que predecían la desaparición definitiva de la pintura. Caracterizados por rupturas de estilo que no siguen la cronología lineal habitual de la figuración a la abstracción, sus conjuntos de obras, designadas por el artista como “figurativas”, “constructivas” y “abstractas”, se superponen y las pinturas producidas en el mismo período a menudo difieren dramáticamente en su apariencia y método. Estas contradicciones estéticas son centrales en el enfoque de Richter, ya que rechaza cualquier idea singular de estilo como una limitación innecesaria a su práctica como artista. San Juan forma parte de una serie de pinturas abstractas conocidas como “Pinturas de Londres”, que llevan el nombre de las capillas de la Abadía de Westminster. Se generó a partir de una pintura inicial a la que se le aplicó una capa adicional de pintura. Luego, Richter raspó y arrastró la superficie con espátulas para revelar las capas anteriores. Las capas mezcladas dan como resultado una pintura que no se puede predecir ni controlar completamente y que no se parece en nada a la imagen original. Richter invocó una afinidad con la música en estas pinturas, subrayando su carácter ilusorio y su resistencia a la descripción. (Roger Wilson)

• Medio hermanos (Salida a ninguna parte: maquiavélico) (1994-1995)

  Al igual que el arte, las carreras de caballos se suscriben a su propio conjunto de reglas inventadas, por lo que al artista británico Mark Wallinger le pareció natural trabajar con una actividad cuya artificialidad refleja las fabricaciones de la profesión que eligió. Recibió una nominación al Premio Turner en 1995 tras su poco ortodoxa Una verdadera obra de arte , donde compró un caballo de carreras y lo llamó obra de arte, en la tradición del ready-made de Marcel Duchamp. Además de reconocer que el reconocimiento de cualquier objeto como obra de arte implica un acto de fe por parte del espectador, Una verdadera obra de arte abordó las inquietantes consecuencias que genera la perspectiva de la eugenesia. Este tema encontró otra salida en un grupo relacionado de cuatro pinturas naturalistas en las que la mitad delantera de un famoso caballo de carreras británico está emparejada con la parte trasera de su hermano de sangre materno e igualmente famoso: Diesis con Keen, Unfawain con Nashwan, Isla Júpiter con Precoz y, en este cuadro de la colección de la Tate, Salida a ninguna parte con maquiavélico. En conjunto, estas pinturas de caballos de carreras de tamaño natural reflejan la complejidad de la relación entre un padre y su descendencia y el papel crucial que desempeñan las ganaderías a la hora de determinar el resultado de cualquier programa de cría de pura sangre. En su exploración de las cuestiones de identidad cultural y personal, y en sus obras relacionadas con las carreras de caballos, Wallinger creó uno de los trabajos más importantes del Reino Unido sobre el tema del yo y la pertenencia. (Pablo Buenaventura)

• Desnudo de luna de miel (1998)

  El crítico del New York Times, Michael Kimmelman, describió a John Currin como “un Jeff Koons moderno” que se dedica a la ironía posmoderna, aunque otros críticos han sido menos generosos. Currin es ante todo un artesano y un pintor muy hábil que ha optado por trabajar en los espacios dejados entre Sandro Botticelli, el gran ilustrador americano Norman Rockwell y el maestro de la vida Austin Powers. Currin es alumno de la Universidad de Yale, donde recibió su maestría en Bellas Artes en 1986. Sólo una exposición individual en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres en 1995, seguida de su inclusión en varias exposiciones internacionales importantes, aseguró su estatus como uno de los pintores más exitosos. de su generación. Su fama catapultó su obra de arte a exposiciones en los principales museos y galerías de todo el mundo. Con un conjunto de habilidades artesanales altamente seductoras, Currin atrae a su audiencia a un lugar al que normalmente no se atreverían a ir. Sus modelos son rubias profesionales, constructos que comparten un parecido espeluznante y más que pasajero con su creador. Honeymoon Nude es una celebración contemporánea de dos viejos favoritos en la historia de la pintura: la habilidad y el deseo masculino heterosexual. A finales de la década de 1990, muchos críticos se enojaron por su interpretación de sus sujetos femeninos, en particular por una serie de pinturas que realizó en las que aparecían mujeres con pechos grandes y anatómicamente inflados. Demasiado inteligente y calculador para ignorar la reacción que sus pinturas tienen en el público, Currin claramente engaña a su audiencia mientras disfruta de su arte. (Esteban Farthing)

• Autorretrato (1927)

  El pintor alemán Christian Schad estudió brevemente en Munich antes de trasladarse a Suiza alrededor de 1914. Allí comenzó a experimentar con la fotografía y a participar en el movimiento dadaísta. Schad dejó Suiza en 1920 para ir a Italia, antes de regresar a Alemania en 1928 y establecerse en Berlín, donde continuó desarrollando el estilo sobrio y realista por el que es más conocido. Se le vincula tradicionalmente con el movimiento Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) que tuvo lugar principalmente en Alemania e Italia a mediados de los años veinte. El misterioso Autorretrato de Schad (también conocido como Autorretrato con modelo ) se considera una de sus obras maestras. La relación entre las dos figuras del cuadro es ambigua. Nada en el encuadre indica que el espectador está mirando un retrato del artista y su modelo. No hay características obvias, como un caballete, que sugieran que se trata de un estudio de artista. La posición de la artista frente a la modelo oculta en parte su desnudez. Aunque no está desnudo, la figura masculina está vestida con una prenda transparente hábilmente pintada que revela gráficamente su torso. La imagen está cargada de simbolismo. Un narciso, que significa vanidad, se inclina hacia el artista. Ambos sujetos están representados de manera narcisista y exudan poder sexual. Es inquietante que el rostro de la mujer esté marcado con una cicatriz o freggio. Este tipo de cicatrices eran infligidas por hombres del sur de Italia a sus amantes como señal de pasión y posesión del cuerpo de su amante. (Julia Jones)

• Nocturno: azul y plateado: Chelsea (1871)

  Originalmente, esta pintura se llamaba Armonía a la luz de la luna azul y verde , pero en 1872 Frederick R. Leyland, el magnate naviero y mecenas, sugirió el nombre Nocturnos para las pinturas de vistas del río Támesis de James McNeill Whistler. Whistler se sintió inmediatamente atraído por este título alternativo porque sugería que la pintura podría aspirar a tener los mismos efectos que la música: un nocturno es una pieza musical de oración para la noche. Además, el título correspondía a la preocupación general de Whistler de que el arte debería ser necesariamente autónomo: una fuerza dinámica impulsada por su propia lógica e impulso internos. Nocturne: Blue and Silver—Chelsea es el estudio más antiguo de la serie Nocturne de Whistler y representa una vista del Támesis desde Battersea hacia Chelsea. Cuando se exhibió por primera vez en la Galería Dudley en 1871 con su título original, no fue del todo bien recibido. Una de las principales críticas que recibió el cuadro fue que parecía estar inacabado. Whistler no fue el único artista acusado de esto: la obra madura de JMW Turner y la obra tardía de Paul Cézanne fueron objeto de críticas similares. Whistler reduce la vista a sólo un puñado de elementos básicos, pero la economía que sustenta esta "impresión" oculta una destreza del tacto y una mayor sensibilidad para capturar la calidad predominante de la luz a través del medio más simple. Además, Whistler logra transmitir una visión de Londres que es lírica, melancólica, fugaz y enteramente suya. (Personal de Craig)

• Escena del río, con barco de vapor (c. 1826)

  Aunque en la mente de la mayoría de la gente está vinculado con el óleo, muchos consideran a JMW Turner como el padre de la pintura de paisajes en acuarela. La acuarela brindó al artista una forma de perfeccionar su oficio a lo largo de su vida, y los estudios pintados en este medio a menudo formaban la base de grandes obras al óleo. La acuarela ayudó a Turner a comprender cómo retratar los paisajes que tanto amaba y cómo avanzar estilísticamente, porque permite una exploración libre de los efectos del color y la luz. Esta obra pertenece a un período, aproximadamente entre 1814 y 1830, durante el cual Turner viajó por Gran Bretaña y Europa, dibujando paisajes a su paso. Hizo su primera visita a Italia unos años antes de pintar River Scene, con Steamboat y experimentar la luz en el extranjero hizo que sus colores fueran más puros y su iluminación más natural. No sorprende, por tanto, que Turner inspirara a Claude Monet y Camille Pissarro y que los franceses lo consideraran el más grande de los pintores ingleses. En esta obra, la pincelada mínima captura la escena a la perfección. Unos pocos trazos ligeros indican los reflejos acuosos del barco de vapor, mientras que el gouache opaco resalta hábilmente figuras en primer plano y afloramientos rocosos distantes; El conjunto está dotado de una convincente luz exterior. La técnica es sobria y, como es típico de Turner, algunas áreas son más detalladas que otras. Sin embargo, la escena tiene una sensación real de perspectiva, espacio y distancia. A Turner también le gustaba mezclar lo antiguo y lo nuevo, y aquí un barco de vapor de la época de la industria y la ingeniería navega a través de una suave escena pastoral. (Ann Kay)