15 pinturas para ver en el Victoria and Albert Museum.

El Victoria and Albert Museum de Londres tiene su origen en la Gran Exposición de 1851. Las obras de artes decorativas allí expuestas se trasladaron al Museum of Manufacturers y luego al South Kensington Museum, que, en 1899, pasó a llamarse Victoria and Albert Museum. . Hoy en día, la colección del V&A incluye más de 2 millones de objetos de varios milenios. Esta lista destaca 15 pinturas notables que vale la pena ver en el V&A.

Las versiones anteriores de las descripciones de estas pinturas aparecieron por primera vez en 1001 pinturas que debes ver antes de morir , editado por Stephen Farthing (2018). Los nombres de los escritores aparecen entre paréntesis.

• Ramo de flores con cálamo (siglo XVII)

  Xiang Shengmo nació a finales de la dinastía Ming (1368-1644), que fue un período de grandes logros en la literatura y el arte chinos. Xiang era nieto del famoso coleccionista y experto en arte Ming Xiang Yuanbian. Aunque Xiang nunca conoció a su abuelo, heredó su talento artístico y se convirtió en un consumado pintor y poeta. Fue enseñado por el teórico de la pintura Dong Qichang, quien compartió la primera ley de la pintura, que era expresar el espíritu de un objeto a través de una representación precisa. En su serie de cuatro pinturas de flores, Xiang se centró en un ramo de flores y exploró los detalles que le interesaban. Cada flor y hoja se observa y ejecuta de forma ordenada. Las pinceladas están bien controladas y precisas. Ramo de flores con cálamo es típico de la aguda observación del mundo natural de Xiang y es una obra de gran gracia y belleza. (Lam Wei Ching)

• Cosroes mata a un león con sus propias manos (1632)

  Cosroes mata a un león con sus manos desnudas fue ejecutado por Rezā ʿAbbāsī, o bajo su dirección, el mayor pintor y calígrafo persa de la Escuela de Isfahán, que floreció bajo ʿAbbās I, shah de Persia. Esta obra ilustró una vez una copia del Khamsa (“Cinco poemas”) del poeta persa Neẓāmī del siglo XII, que incluía el poema narrativo Khosrow o-Shīrīn . El poema habla del amor entre el rey de Persia Cosroes II del siglo VI y Shīrīn, su esposa. Montada con bordes del siglo XIX, esta miniatura representa una de las varias aventuras del rey, en la que Cosroes, vestido en ropa de dormir y vigilado por dos sirvientes, golpea a un león que merodea fuera de la tienda de Shīrīn para protegerla. La habilidad de Rezā se puede ver en las detalladas expresiones faciales y en la complejidad del diseño arquitectónico. (Andrés Smith)

• Señora de Pompadour (1758)

  

  Este retrato forma parte de una serie que François Boucher realizó para su principal mecenas, la marquesa de Pompadour. Nacida como Jeanne-Antoinette Poisson, obtuvo su título después de convertirse en la amante de Luis XV en 1745. En el momento de este retrato, ya no era la amante del rey, aunque la pareja seguía siendo buena amiga y era conocida como la maîtresse en titre. (la amante oficial del rey). Con auténtica diplomacia, Boucher reflejó en el retrato esta situación insólita. La marquesa no está representada con pompa y majestad regia. Con la destacada exhibición de libros, destacó sus dotes intelectuales y culturales. Esto no es sorprendente, ya que su leal patrocinio contribuyó en gran medida a asegurar el éxito de su carrera. Encargó numerosas pinturas a Boucher, junto con decoraciones para su casa, el Château de Bellevue. También lo contrató para realizar muchos diseños para la nueva fábrica de porcelana de Sèvres. Sin embargo, a pesar de toda su versatilidad, Boucher no fue un gran retratista. Sólo realizó una docena de retratos y, de ellos, siete fueron de Madame de Pompadour. Ella era muy consciente de sus deficiencias en este área y comentó sobre uno de los retratos que era “muy bonito, pero no se parecía mucho”. A pesar de ello, Boucher siguió siendo su artista favorito. (Ian Zaczek)

• León: un perro de Terranova (1824)

  Los perros se habían incluido con frecuencia en los retratos familiares, pero no fue hasta el siglo XVIII que comenzaron a ocupar un lugar central en sus propias fotografías. La pintura de animales siguió siendo un género menor y especializado hasta el siglo siguiente, cuando artistas como Sir Edwin Landseer la pusieron en primer plano. Landseer atrajo a clientes del más alto nivel, en particular a la reina Victoria, mientras que sus fotografías sentimentales lo convirtieron en el favorito del público en general. Era una especie de niño prodigio y expuso en la Royal Academy a la edad de 16 años. Estas prestigiosas exposiciones le reportaron una serie de encargos lucrativos, incluida esta fotografía en particular, que fue encargada por el dueño del perro, WH de Merle. El animal no se muestra en su entorno doméstico, sino al aire libre en las Tierras Altas de Escocia, donde Landseer era un visitante frecuente. El artista obtuvo una fama aún mayor gracias a sus pinturas sentimentales, que subrayaban la devoción y la lealtad del mejor amigo del hombre. El ejemplo más famoso, quizás, es El doliente principal del viejo pastor , donde se muestra al perro solo en una cabaña, apoyando la cabeza en el ataúd de su amo, mucho después de que los amigos humanos del pastor se hayan ido a casa. Esta pintura de un Terranova ilustra una raza originaria de Canadá. Eran perros de trabajo, utilizados principalmente para arrastrar redes de pesca y conocidos por rescatar a nadadores en peligro. Landseer pintó a estos perros en muchas ocasiones, y en honor a sus servicios al mundo canino, una raza de perro recibió su nombre: una variedad blanca y negra del Terranova. (Ian Zaczek)

• Brighton Beach, con Colliers (1824)

  La muerte del padre de John Constable en 1816 dejó al artista en apuros financieramente seguro y finalmente pudo casarse con Maria Birknell, cuya familia se había opuesto a la unión durante algunos años. En 1824 había caído gravemente enferma y Constable la trasladó a ella y a sus hijos fuera de Londres y los llevó a Brighton para una visita prolongada. La elegante ciudad costera era un popular balneario, pero en sus viajes para visitar a su familia desde su estudio de Londres, el artista la encontraba sofocante y no le gustaba la atmósfera frívola. Se refería a la ciudad como “Piccadilly… junto al mar” y encontraba irritante el bullicio de la burguesía en su tiempo libre. Durante sus visitas realizó numerosos bocetos, dando la espalda a la ciudad y plasmando al óleo la extensión del mar gris azulado salpicado de velas de colores y el trabajo honesto de los pescadores. Esta pieza, uno de los bocetos más famosos del artista en Brighton, muestra los oscuros barcos mineros que transportan carbón a la ciudad en expansión. Detrás de los barcos apenas se ve el final del Chain Pier, construido en 1823, y objeto de pinturas tanto de él como de su contemporáneo JMW Turner. Constable estaba muy preocupado por la representación de los cambios de luz y atmósfera. Con una paleta apagada y pinceladas cortas y sensibles, sugiere un momento único en una cálida tarde de verano, uno de “luz muy blanca y dorada”, como lo llama en una inscripción en la parte posterior del pequeño boceto. Es esta inmediatez y esta brillante cualidad luminosa de su obra la que influyó tanto en los pintores de la Escuela de Barbizon y, a su vez, en el desarrollo del impresionismo. (Tamsin Pickeral)

• Puente Crambe Beck, cerca de Kirkham, Yorkshire (1805)

  Durante su vida, el prolífico artista John Sell Cotman recibió poco reconocimiento público. Fue en gran medida autodidacta, aunque había pasado algún tiempo en la famosa academia londinense del Dr. Munro, entre cuyos alumnos también se encontraban JMW Turner y Thomas Girtin. Cotman pasó la mayor parte de su vida trabajando desde las afueras de su ciudad natal de Norwich, Inglaterra, un área que atraía a artistas y artesanos. Uno de los miembros destacados de la escuela de Norwich, enseñó dibujo y permitió a los estudiantes copiar sus obras. Su influencia a este respecto fue profunda en una generación de acuarelistas emergentes, en particular sus dos hijos, Miles Edmund y John Joseph Cotman, y el artista John Thirtle. En 1834 fue nombrado maestro de dibujo en el King's College de Londres. La inquietante y evocadora acuarela Crambe Beck Bridge, cerca de Kirkham, Yorkshire, es posiblemente una de las mejores en este medio. (Durante muchos años se creyó que representaba el acueducto de Chirk, en Gales, y se lo conocía con ese nombre). La estructura refleja un sentido de la arquitectura romana antigua con una altura vertiginosa y una majestuosidad sencilla que recuerda al pórtico de un templo. Es una síntesis brillante, lo antiguo concebido y retratado de una manera audaz y moderna. La comprensión de Cotman de la organización espacial y su uso de bloques sólidos de color y formas fuertes, así como su sentido del diseño, parecerían predecir el surgimiento del movimiento moderno, aunque sus obras siempre conservaron un vestigio del estilo romántico de sus inicios. carrera profesional. (Tamsin Pickeral)

• Retrato de Shah Jahān como príncipe (c. 1616)

  Abū al-Ḥasan era hijo de Rezā ʿAbbāsī, un artista persa que fue miembro del taller de Jahāngīr, emperador de la India a principios del siglo XVII. Abū al-Ḥasan continuó el estilo de su padre y floreció bajo el emperador. Jahāngīr lo llamó "Nadir al-Zaman", la "Maravilla de la época", y le encargó varios retratos. Su técnica yuxtapuso el realismo europeo y el claroscuro con tipos de decoraciones y paisajes safávidas. El príncipe Khurram, el futuro Shah Jahān, tenía 25 años cuando se pintó este retrato en miniatura; está firmado por el artista. Como atestigua el retrato, el príncipe estaba fascinado por las joyas. Su traje naranja contrasta mucho con el fondo verde espinaca del cuadro. Los detalles de los textiles, las joyas y los rasgos faciales son extremadamente realistas. La pintura revela la personalidad del sujeto pero también la del pintor, quien conscientemente eligió representar el fondo verde como un color plano para enfatizar la fiel representación del príncipe. El halo del príncipe hace referencia a la divinidad de la familia real, que a menudo utilizaba las artes visuales para legitimar su autoridad política. Además de su temática, el mecenazgo cortesano del cuadro se puede observar por la riqueza de los pigmentos y las iluminaciones. Una influencia persa se ve en la incorporación de caligrafías en la pintura y en las cenefas florales. (Tamsin Pickeral)

• La bruja Anqarut ata a Malik Iraj a un árbol (c. 1562-1577)

  Esta pintura pertenece a un manuscrito ilustrado del Hamzanama encargado por el emperador mogol Akbar, que reinó de 1556 a 1605 y era un amante de los cuentos de magia y aventuras. Se necesitaron 15 años para completar toda la serie, que pudo haber comenzado ya en 1562. El Hamzanama cuenta la historia épica de Ḥamzah ibn ʿAbd al-Muṭṭalib, el tío del profeta islámico Mahoma, y ​​su ambición de islamizar el mundo. Akbar tenía sus propias ambiciones: extender el poder mogol por todo el subcontinente indio. La bruja Anqarat ata a Malik Iraj a un árbol es extraordinaria por su escala comparativamente grande y por su influencia persa yuxtapuesta a temas mogoles. Los temas principales de la historia están representados en dos árboles separados: a la izquierda está la bruja Ankarut y a la derecha está el enemigo de Ḥamzah, Iraj. La bruja se ofrece a liberar a Iraj, a quien capturó y ató a un árbol, si acepta convertirse en su amante. Hay un intento de naturalismo, aunque los troncos de los árboles se representan de manera menos realista que las hojas de la vegetación, y el edificio al fondo refleja la arquitectura mogol contemporánea. La representación de las rocas indica influencias artísticas persas en la obra. El artista desconocido aplicó densamente su amplia paleta de colores y no dejó espacios vacíos en una composición que, en última instancia, está bien equilibrada y unificada. (Sandrine Josefsada)

• Cebra (1621)

  A Manṣūr se le ha atribuido el título de Ustād, que significa "maestro", por sus extraordinarias y naturalistas representaciones de la fauna y la flora. Ningún otro artista podría competir con su comprensión de las ciencias naturales y su habilidad para representar animales y vegetación con tanto realismo. Trabajó en el taller del emperador mogol Akbar, que reinó de 1556 a 1605, y luego en el de su hijo y sucesor, Jahāngīr. Cuando Manṣūr era aprendiz de Akbar, era conocido como colorista y luego diseñador. Bajo el reinado de Jahāngīr, los temas de las pinturas encargadas cambiaron enormemente. Los temas épicos fueron sustituidos por temas de historia natural. El estilo de Manṣūr maduró con sus estudios con animales. Zebra se hace eco de los estudios académicos contemporáneos sobre animales en China. Los rollos florales en el marco y la escritura escrita dentro de la composición principal recuerdan a las pinturas en miniatura persas. Manṣūr adoptó elementos estilísticos chinos y persas y los mogolizó para adaptarse a los gustos de los emperadores indios. Sin embargo, el fino contorno negro de la cebra así como la intensa expresión de los ojos evidencian la pincelada perfectamente controlada del artista. Ha representado al animal de perfil, para permitir una visión ideal de su estudio. El fondo cremoso de la miniatura contrasta con el color de la piel de la cebra. Los estudios con animales de Mansur fueron muy apreciados y muchos artistas mogoles de la corte intentaron copiarlo. (Sandrine Josefsada)

• Shah Jahān con Aves del paraíso (c. 1640)

  Fue bajo el emperador Shah Jahān, famoso responsable de la construcción del Taj Mahal, cuando el refinado estilo de pintura mogol realmente cobró fuerza. El emperador, que reinó entre 1628 y 1658, fue un gran defensor de las artes. Las pinturas de este período se caracterizaron por su calidad ornamentada y sus lujosos detalles, y formaron un puente entre el realismo y el exuberante idealismo. Tenían colores brillantes y muchos estampados y representaban un paraíso utópico que implicaba que ésta era la realidad del imperio de Shah Jahan. Balchand fue un popular pintor de miniaturas que tuvo una larga carrera. Su trabajo se basó en interpretaciones realistas de lo que vio y, como tal, el emperador es claramente reconocible en este retrato. Se trata de una imagen exquisita, típica del estilo del artista, y muestra su interés por los pequeños detalles, creando una representación halagadora del elegante Shah Jahān. (Tamsin Pickeral)

• Vishnu como Vishvarupa (c. 1800-1820)

  Vishnu es una de las tres deidades principales de la divinidad hindú, junto con Shiva el destructor y Brahma el creador. Adorado como protector y preservador del mundo y restaurador del orden moral, Vishnu es conocido por sus diversas encarnaciones en animales y profetas, de las cuales Krishna es la más conocida. Esta manifestación cósmica de Vishnu se conoce como Vishvarupa. A menudo representado como un hombre joven y apuesto con una corona, Vishnu está plagado de figuras que cuentan historias del texto sagrado Bhagavadgita. Lo más probable es que esta pintura pertenezca a la escuela de Jaipur, en el noroeste de la India, y fue realizada para el disfrute de un noble o gobernante local; Estas pinturas están destinadas a inspirar e instruir a los profesionales humanos. En él, Vishnu aparece frente a una nube nimbo con cuatro brazos sosteniendo varios objetos, una indicación de su capacidad para realizar varias funciones al mismo tiempo. La caracola, también instrumento musical, representa el papel vital de Vishnu en la inmensidad de las aguas primordiales. El disco es un símbolo solar que tiene el poder de destruir la ignorancia y la oscuridad con la tendencia intelectual unificadora de un ser humano. El capullo de loto, uno de los símbolos hindúes más antiguos de pureza y poder espiritual, cuando está abierto representa la realización del desarrollo humano en este proceso de iluminación. El último objeto, la maza, representa la existencia individual. En un estilo de pintura luminoso pero plano, el cuerpo de Vishnu es de color azul real, sugiriendo el cielo infinito. (Sara White Wilson)

• Retrato de un antepasado (siglo XVIII)

  La dinastía Qing fue la última dinastía imperial de China y gobernó desde 1644 hasta 1911/12. En su apogeo, este imperio gobernó gran parte de Asia central y oriental bajo un gobierno fuerte y centralizado. Este retrato de Lu Tai Tai, esposa del general Lu Chian-Kuei, fue pintado bajo el liderazgo del emperador Qianlong del siglo XVIII, cuando China veía su reino como el centro del poder mundial. Sin embargo, a medida que los europeos invadieron, China reguló el comercio con los extranjeros amenazadores. En 1800, China estaba más aislada que en el siglo XIV y enfrentaba problemas demográficos, rebeliones y agitación política. El vestido negro de Lu Tai Tai da forma a una curva femenina. Sus manos y pies están ocultos pero aparecen como garras agresivas que son más bien parte de la silla, lo que sugiere su control social indirecto pero potente. Su sombrero rojo es el símbolo más significativo de todos: las novias chinas vestían vestidos de novia rojos y caminaban sobre alfombras rojas hacia sus novios. Lu Tai Tai se ve coronada por la superioridad de su posición como esposa de un general. (Sara White Wilson)

• Joven entre rosas (c. 1587)

  Esta exquisita pintura es una de las obras más famosas del destacado pintor de miniaturas de la corte de la reina Isabel I de Inglaterra. Las miniaturas se producían como parte del juego del amor cortés y se intercambiaban como muestras de fidelidad o se codificaban. mensajes. El joven caballero representado en la miniatura de Nicholas Hilliard, que suspira con la mano en el corazón en medio de un emparrado de rosas, ha sido identificado por algunos estudiosos como el joven Robert Devereux, conde de Essex, favorito de Isabel I. Su tormentosa relación con la reina fue para terminar en el bloque del verdugo en 1601. Sin embargo, esta identificación sigue siendo incierta, mientras que la identidad del artista, por otro lado, es inconfundible. La miniatura muestra el fino uso habitual de la línea por parte de Hilliard y su aversión a las sombras. Las proporciones de la figura están cuidadosamente distorsionadas, las piernas y el torso alargados y la cabeza pequeña, como si se la viera desde abajo. A los isabelinos les habría convenido dar una lectura alegórica a los elementos del cuadro. La pose con la mano sobre el corazón sugiere amor y devoción, mensaje reforzado por el tronco del árbol, símbolo de constancia. El aire melancólico del joven insinúa las vicisitudes del amor, un mensaje reforzado por las rosas: las flores simbolizan los deleites del amor, las espinas simbolizan los dolores del amor. Este tema está escrito en latín en el marco de la pintura: Dat poenas laudate fides : “Mi alabada lealtad me trae sufrimiento”. Para una mirada moderna, esta imagen originalmente privada se ha convertido en un objeto público que se puede disfrutar por su belleza refinada y joya. (Beca de registro)

• Akbar se regocija por el nacimiento de su segundo hijo, Murad (c. 1590-1595)

  Esta pintura es una ilustración de una página del Akbarnama , o “Historia de Akbar”.”, una obra enorme en tres volúmenes. Fue encargado por el tercer emperador mogol de la India, Akbar, para proporcionar una crónica ilustrada de su imperio, y tardó muchos años en completarse. Akbar expandió y centralizó el imperio mogol, y el segundo volumen de Akbarnama registra sus logros. En el taller de Akbar, artistas persas e indios compartieron sus conocimientos e incluso incorporaron ideas occidentales sobre profundidad y perspectiva en su trabajo. La familia de Akbar se regocija por el nacimiento de su segundo hijo, Murad es un excelente ejemplo de este florecimiento artístico. Celebra el nacimiento del hijo de Akbar unos 20 años antes de que se creara la pintura. Los colores vivos son típicos de la pintura india de la época, mientras que la influencia persa se puede ver en el horizonte alto, que amontona las escenas de la narración unas sobre otras. La historia comienza en la esquina superior derecha, donde la esposa de Akbar ha dado a luz a su hijo y sus asistentes cocinan para ella en un patio interior. Luego, la atención se dirige a la puerta abierta, donde otra asistente femenina llama a los invitados que hacen cola para traer regalos en celebración del nacimiento. Junto a ellos, en una sección transversal de una habitación, los astrólogos de la corte elaboran el horóscopo del nuevo bebé. Los diferentes trajes de las figuras enfatizan la tolerancia de la corte de Akbar, y el espectador casi puede escuchar el estrépito de la música que se eleva desde el nivel de la calle. La pintura es un maravilloso ejemplo de una fusión creativa de tradiciones artísticas. (María Cooch)

• La deposición de la cruz (c. 1590-1600)

  Esta pintura revela el interés del emperador mogol Akbar, que reinó de 1556 a 1605, por otras culturas y atestigua su tolerancia hacia otras religiones. También demuestra la presencia europea en el subcontinente indio y los intercambios culturales que de ella resultaron. Los portugueses se establecieron en Goa en 1510 y Akbar invitaba a menudo a delegaciones europeas a su corte. Se sabe que Akbar y sus visitantes intercambiaron regalos. Los misioneros jesuitas que intentaron predicar su doctrina le ofrecieron la Biblia. La embajada portuguesa trajo la Biblia Real Políglota, escrita en Amberes entre 1568 y 1573 por Christopher Plantin. Los grabados bíblicos se convirtieron luego en una fuente de inspiración para los artistas locales, que adoptaron el tema con algunos modismos mogoles. Los rollos florales en el borde de la pintura son típicamente mogoles. La fuerte influencia europea es clara en la división del espacio, los colores y la arquitectura intermedia de esta pintura. El artista desconocido debía conocer las técnicas europeas y las ilustraciones bíblicas. La cruz se utiliza como modismo entre corchetes y divide la composición en secciones izquierda y derecha. Las poses teatrales de las figuras recuerdan las representaciones europeas de escenas cristianas. Los fuertes colores azul, verde y rojo, así como los pliegues exagerados de las cortinas de las figuras, recuerdan las prácticas europeas. Los pequeños querubines y ángeles que vuelan sobre las nubes también son evidentemente importaciones europeas. (Sandrine Josefsada)