Una breve historia del cine desde mediados del siglo XX hasta nuestros días: un extracto del libro de Anton Dolin.

Sobre cómo apareció el cine de autor, cómo el posmodernismo se apoderó del cine y por qué son necesarios los festivales. Y también listas de obras icónicas para probar.

El auge del cine de autor

Desde mediados de los años 50, los directores de autor han aparecido por todo el mundo, cada uno con su manera y su estilo. Algunos se respetan, otros, por el contrario, se desprecian y la mayoría construye su propio universo artístico, poblado de compañeros y fans.

Las décadas de 1950 y 1970 vieron el pico de popularidad del cine de autor: fue visto, prohibido, ensalzado, ferozmente debatido, se escribieron artículos y libros enteros. Por primera vez, los teóricos hablan seriamente del cine como un arte, de ninguna manera inferior a sus hermanos mayores: el teatro, la literatura, la pintura o la música.

En la Unión Soviética, a pesar de la censura, también aparecen cines de autor intransigentes y artistas únicos: Andrei Tarkovsky, Elem Klimov, Alexey German Sr., Kira Muratova.

Diez películas para probar:

• "Cuento de Tokio", 1953, Yasujiro Ozu, Japón;
• "Siete Samuráis", 1954, Akira Kurosawa, Japón;
• “La Palabra”, 1955, Carl Theodor Dreyer, Dinamarca;
• “El Séptimo Sello”, 1957, Ingmar Bergman, Suecia;
• “Aventura”, 1960, Michelangelo Antonioni, Italia;
• “La Dulce Vida”, 1960, Federico Fellini, Italia;
• La naranja mecánica, 1971, Stanley Kubrick, Reino Unido/Estados Unidos;
• “Belleza del Día”, 1967, Luis Buñuel, Francia;
• “El miedo se come el alma”, 1973, Rainer Werner Fassbinder, Alemania;
• “Espejo”, 1974, Andrei Tarkovsky, URSS.

Nuevo Hollywood

Este movimiento del cine de autor estadounidense surgió en parte bajo la influencia del cine europeo y asiático, así como del movimiento de festivales. Su nacimiento está relacionado tanto con la abolición del Código de Censura de Hays, que prescribía reglas estrictas sobre lo que se puede y no se puede mostrar en las películas, como con la crisis del sistema de "estudios" estadounidense, que estaba ahogado en la autorrepetición y cansado de la audiencia.

Los jóvenes directores de cine se sintieron parte de la comunidad cultural mundial. Rechazaron todas las restricciones y exploraron áreas tabú de la vida estadounidense. Al mismo tiempo, sus películas fueron populares y atrajeron a un lleno total, fueron nominadas a premios cinematográficos y los ganaron.

Los problemas sociales y el estudio de los traumas de un estadounidense común y corriente en las películas del Nuevo Hollywood reemplazaron las leyes cinematográficas convencionales del cine de género con sus finales felices obligatorios y a menudo rutinarios.

Cinco películas para probar:

• "El Graduado", 1967, Mike Nichols, Estados Unidos;
• "Easy Rider", 1969, Dennis Hopper, Estados Unidos;
• “El Padrino”, 1972, Francis Ford Coppola, Estados Unidos;
• “Mean Streets”, 1973, Martin Scorsese, Estados Unidos;
• "Scarface", 1983, Brian De Palma, Estados Unidos.

Éxitos de taquilla

A mediados de la década de 1970 se produjo una revolución comercial en el cine estadounidense y luego mundial. Los jóvenes nativos de New Hollywood, George Lucas y Steven Spielberg , están haciendo películas de género increíblemente populares para el público joven que están batiendo todos los récords de taquilla. A partir de este momento, Estados Unidos pasa gradualmente de la producción en masa de películas serias para audiencias adultas a películas de entretenimiento para adolescentes: verdaderas máquinas comerciales de hacer dinero. Se les llama "éxitos de taquilla", literalmente "rompebloques".

Los éxitos de taquilla siguen siendo la base del poder de los estudios de Hollywood y la razón de la vitalidad de la industria cinematográfica estadounidense.

Cinco películas para probar:

• "Tiburón", 1975, Steven Spielberg, Estados Unidos.
• "La Guerra de las Galaxias", 1977, George Lucas , Estados Unidos.
• "Alien", 1979, Ridley Scott, Estados Unidos.
• "Terminator", 1984, James Cameron, Estados Unidos.
• "Duro de matar", 1988, John McTiernan, Estados Unidos.

posmodernismo

Esta palabra asusta a mucha gente. Por un lado, nadie es capaz de describir breve y claramente lo que se entiende por ello. Por otra parte, se han escrito tantos estudios y libros sobre él que hay demasiadas implicaciones.

En el cine, las manifestaciones obvias del posmodernismo son el desdén por el sistema de jerarquías (tanto el cine de autor como el comercial), la ironía generalizada, las citas omnipresentes de clásicos del cine, la falta de moralismo y de instructividad. Y también una mezcla de géneros y estilos, una falta de distinción entre arte “alto” y cultura de masas, y la inclusión del espectador en el visionado como una especie de juego cultural en el que se le pide que adivine lo que realmente quiere decir el autor.

Desde mediados de los años 80, el posmodernismo se ha ido apoderando del cine en todo el mundo.

Diez ejemplos para probar:

• “Terciopelo azul”, 1986, David Lynch, Estados Unidos;
• "ASSA", 1987, Sergey Solovyov, URSS;
• “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, 1988, Pedro Almodóvar, España;
• “Nikita”, 1990, Luc Besson, Francia;
• “Sonatina”, 1993, Takeshi Kitano, Japón;
• “ Pulp Fiction ”, 1994, Quentin Tarantino, Estados Unidos;
• "Hombre muerto", 1995, Jim Jarmusch, Estados Unidos;
• “Rompiendo las olas”, 1996, Lars von Trier, Dinamarca;
• “Juegos divertidos”, 1997, Michael Haneke, Austria;
• “Acerca de los monstruos y la gente”, 1998, Alexey Balabanov, Rusia.

festivales

Los primeros festivales de cine comenzaron a celebrarse antes de la Segunda Guerra Mundial. El festival de cine más influyente fue el de Venecia, fundado en 1932 por iniciativa personal del dictador Benito Mussolini. El Festival de Cannes fue concebido inicialmente para celebrarse a finales de la misma década como alternativa y contrapeso al Festival de Venecia, donde las ideas fascistas se volvieron cada vez más influyentes. Los planes no estaban destinados a hacerse realidad: comenzó la guerra. Como resultado, en 1946 se celebró el primer Festival de Cine de Cannes.

Los festivales de cine más importantes de Europa son tradicionalmente considerados los festivales de Berlín (febrero), Cannes (mayo) y Venecia (agosto-septiembre), los más prestigiosos son sus premios: “Oso de Oro”, “Palma de Oro” y “ León de Oro”, respectivamente. Además, desde hace tiempo se celebran festivales famosos en Locarno y Rotterdam, Karlovy Vary y San Sebastián, Toronto y Busan.

Hay más festivales de cine internacionales en el mundo que días en un año.

Veinte ganadores del festival para probar:

• "Rashomon", 1951, Akira Kurosawa, Japón (Venecia);
• “El salario del miedo”, 1954, Henri-Georges Clouzot, Francia (Cannes);
• “12 Angry Men”, 1957, Sidney Lumet, Estados Unidos (Berlín);
• "Viridiana", 1961, Luis Buñuel, España (Cannes);
• “La infancia de Iván”, 1962, Andrei Tarkovsky, URSS (Venecia);
• “Los paraguas de Cherburgo”, 1964, Jacques Demy, Francia (Cannes);
• “Hospital de Campaña Militar”, 1970, Robert Altman, Estados Unidos (Cannes);
• “Los Cuentos de Canterbury”, 1972, Pier Paolo Pasolini, Italia (Berlín);
• “Ascensión”, 1977, Larisa Shepitko, URSS (Berlín);
• “Todo ese jazz”, 1980, Bob Fosse, Estados Unidos (Cannes);
• “Nombre: Carmen”, 1983, Jean-Luc Godard, Francia (Venecia);
• "París, Texas", 1984, Wim Wenders, Alemania (Cannes);
• “Red Kaoliang”, 1988, Zhang Yimou, China (Berlín);
• "Barton Fink", 1991, Ethan y Joel Coen, Estados Unidos (Cannes);
• "El Piano", 1993, Jane Campion, Nueva Zelanda (Cannes);
• “Larga vida al amor”, 1994, Tsai Ming-liang, Taiwán (Venecia);
• El viaje de Chihiro, 2002, Hayao Miyazaki , Japón (Berlín);
• “Naturaleza muerta”, 2006, Jia Zhangke, China (Venecia);
• “4 meses, 3 semanas y 2 días”, 2007, Cristian Mungiu, Rumanía (Cannes);
• "El tío Boonmee que recuerda sus vidas anteriores", 2010, Apichatpong Weerasethakun, Tailandia (Cannes).

Por cierto

¿Quién necesita festivales y por qué?

Muchos creen que se trata de una especie de "ferias de vanidad" que existen sólo por el bien de los chismes: caminar con trajes por la alfombra roja. De hecho, los festivales de cine son una especie de mecanismo que ofrece una alternativa al sistema de distribución y publicidad de los estudios de Hollywood (así como a sus análogos en todo el mundo).

Un jurado profesional y críticos de cine ven películas completamente nuevas (normalmente pertenecen al campo del cine de autor) y seleccionan las más talentosas. Todo el mundo lo sabrá: tanto la intriga en torno al premio como la columna de chismes ayudan. Paralelamente a los festivales, existen mercados cinematográficos donde se cierran acuerdos para la compra y venta de películas, no sólo comerciales y de género, sino también originales, de vanguardia y experimentales. Casi todos los directores importantes de la historia del cine de posguerra se hicieron famosos gracias a los festivales.

"Óscar"

La humanidad está segura de que el premio más importante en el campo del cine es el Oscar, y es imposible convencerla. Pero el Oscar es un premio industrial puramente americano, en cuyas limitadas coordenadas a menudo cinematografías enteras resultan invisibles: después de todo, sólo se premian películas que se estrenaron durante el año en Estados Unidos.

Quizás se le dé tanta importancia al premio porque los Oscar son un espectáculo espectacular. O porque las
estrellas más famosas del mundo son de Hollywood. Pero antes que nada, claro, porque el cine americano es el más popular del mundo.

La razón es sencilla. Los franceses hacen películas para los franceses, los daneses para los daneses, los indios para los indios, los chinos para los chinos, los rusos para los rusos. Hay excepciones a esta regla, pero son raras y menores. Y sólo Hollywood hace películas no para los estadounidenses, sino para el mundo entero.

Las veinte mejores películas de los Oscar para probar:

• “Sucedió una noche”, 1935, Frank Capra, Estados Unidos;
• “Lo que el viento se llevó”, 1940, Victor Fleming, Estados Unidos;
• "Rebeca", 1941, Alfred Hitchcock, Estados Unidos;
• “Todo sobre Eva”, 1951, Joseph Mankiewicz, Estados Unidos;
• "Ben-Hur", 1960, William Wyler, Estados Unidos;
• “El Apartamento”, 1961, Billy Wilder, Estados Unidos;
• "West Side Story", 1962, Robert Wise y Jerome Robbins, Estados Unidos;
• "Lawrence de Arabia", 1963, David Lean, Reino Unido;
• "Vaquero de medianoche", 1970, John Schlesinger, Estados Unidos;
• “El Padrino Parte II”, 1975, Francis Ford Coppola, Estados Unidos;
• “Alguien voló sobre el nido del cuco”, 1976, Milos Forman, Estados Unidos;
• "Annie Hall", 1978, Woody Allen, Estados Unidos;
• “Pelotón”, 1987, Oliver Stone, Estados Unidos;
• "Rain Man", 1989, Barry Levinson, Estados Unidos;
• “ El silencio de los corderos ”, 1992, Jonathan Demme, Estados Unidos;
• "La lista de Schindler", 1994, Steven Spielberg, Estados Unidos;
• "Forrest Gump", 1995, Robert Zemeckis, Estados Unidos;
• "Titanic", 1998, James Cameron, Estados Unidos;
• “No es país para viejos”, 2008, Ethan y Joel Coen, Estados Unidos;
• “Birdman”, 2017, Alejandro González Iñárritu, Estados Unidos.

El famoso periodista y crítico de cine ruso Anton Dolin escribió un libro para niños y adultos en el que examina cuestiones importantes del cine. ¿Por qué vemos películas? ¿Cómo entender el lenguaje cinematográfico? ¿Qué hacer si estás aburrido? ¿Cómo está cambiando el cine y qué pasará con él en un futuro lejano? Una ventaja muy agradable: las ilustraciones de la publicación fueron dibujadas por Konstantin Bronzit, artista, animador y nominado al Oscar.

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