Vokalmusik im 16: Jahrhundert.

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Zu Beginn des 16. Jahrhunderts war der Stil der Vokalmusik aufgrund des vorherrschenden Einflusses der Niederländer im vorangegangenen halben Jahrhundert im Allgemeinen einheitlich. Diese Einheitlichkeit blieb bis weit in die Spätrenaissance bestehen, wurde aber in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts durch aufkommende nationale Unterschiede, neue Formen und die zunehmende Bedeutung Italiens als Musikzentrum allmählich verdrängt.

Die rasche Anhäufung neuer Musiktechniken und -ressourcen führte zu einem breiten Vokabular künstlerischen Ausdrucks, und die Erfindung des Notendrucks trug zur raschen Verbreitung neuer Techniken bei. In einer Zeit, in der Musik eine wesentliche gesellschaftliche Gnade darstellte, schrieben Komponisten weltlichere Musik, in der weniger technische Beschränkungen galten und Experimente und Neuheiten begrüßt wurden. Besonders deutlich wurden Fortschritte bei gewagten Harmonien, da die Chromatik (die Verwendung von Noten, die nicht zum Modus der Komposition gehören) den Todesstoß für das Modalsystem darstellte.

Aufgrund der liturgischen Praxis blieben Messe und Motette die Hauptformen der geistlichen Vokalmusik. Im Vergleich zur weltlichen Musik war ihr Stil konservativ, aber zwangsläufig schlichen sich einige der neueren weltlichen Techniken ein und spielten eine wirksame Rolle in der Musik der Gegenreformation innerhalb der römisch-katholischen Kirche.

Im Laufe des Jahrhunderts wurden vier verschiedene Arten von Messveranstaltungen etabliert. Zwei Typen waren Fortsetzungen früherer Praxis: die Tenormesse, bei der derselbe Cantus firmus für alle fünf Teile des Ordinariums der Messe diente, und die Chormesse, bei der der Cantus firmus (normalerweise ein entsprechender Abschnitt des Chorgesangs) unterschiedlich war jede Portion. Die liberaleren Einstellungen der Renaissance spiegelten sich in der freien Messe ohne entlehnte Materialien und in der Parodiemesse wider, in der das gesamte polyphone Netz frei aus einer Motette oder einer weltlichen Komposition adaptiert wurde. In allen Fällen, in denen ein Cantus firmus verwendet wurde, konnte die bereits vorhandene Melodie in ihrer ursprünglichen Form oder in einer paraphrasierten Version erscheinen, wobei Töne hinzugefügt, weggelassen oder verändert wurden. Als Folge der durch die Reformation verursachten Umwälzungen in der Kirche entstanden im protestantischen Gottesdienst neue Formen, die sich von etablierten Vorbildern ableiteten: der deutsche lutherische Choral (Hymnenmelodie, arrangiert aus Choral oder einer weltlichen Melodie), die Choralmotette, englische Hymnen (anglikanisch). Form einer Motette) und Gottesdienste sowie die Psalmmelodien in calvinistischen Gebieten.

Italien

Auch wenn das Musikleben Italiens im chronologischen Sinne nicht jung ist, erwachte es zu Beginn des 16. Jahrhunderts nach einem Jahrhundert relativer Ruhe wieder zu neuem Leben. Die Frottola blieb in den ersten drei Jahrzehnten des Jahrhunderts die vorherrschende weltliche Form in Norditalien.

Als die humanistischen Dichter auf der Suche nach einem verfeinerten Ausdruck und die Niederländer und von ihnen ausgebildeten Komponisten, die eine ausgefeiltere Musiktechnik anwendeten, ihre Bemühungen auf die Frottola richteten, entstand das Madrigal. Der Name wurde der Form aus dem 14. Jahrhundert entlehnt, es gab jedoch keine Ähnlichkeit in der poetischen oder musikalischen Struktur. Im Vergleich zur Frottola zeichneten sich die frühesten Renaissance-Madrigale aus der Zeit um 1530 durch einen ruhigen und zurückhaltenden Ausdruck aus. Normalerweise für drei oder vier Stimmen geschrieben, waren sie größtenteils homophon (die Melodie wurde von Akkorden unterstützt) mit gelegentlichen Imitationen. Zu den frühen Madrigalkomponisten gehörten mehrere in Italien lebende flämische Komponisten, darunter Adriaan Willaert, Jacques Arcadelt und Philippe Verdelot. Um 1560 erhöhte sich die normale Anzahl der Stimmen auf fünf oder sechs, und die Struktur wurde konsequenter polyphon. Gleichzeitig wurde den ausdrucksstarken Vertonungen des Textes mehr Aufmerksamkeit geschenkt, insbesondere in den Madrigalen von Cipriano de Rore, Philippe de Monte und den Gabrielis. In den letzten zwei Jahrzehnten des Jahrhunderts und bis zur Mitte des 17. Jahrhunderts veränderte sich der Musikstil des Madrigals erheblich. Die späten Madrigale waren von sehr dramatischer Natur und zeichneten sich durch koloristische Effekte, lebhafte Wortmalerei und umfangreiche Chromatik aus. Ihr deklamatorischer Charakter erforderte eine Rückkehr zu einem homophoneren Stil. Unter den vielen Komponisten des späten Madrigals waren Luca Marenzio, Carlo Gesualdo und Claudio Monteverdi hervorzuheben.

Im Laufe des Jahrhunderts tauchten in Italien einfachere weltliche Formen wie die Villanella, die Canzonetta und das Ballett auf, größtenteils als Reaktion auf die Verfeinerung, Kompliziertheit und Raffinesse des Madrigals. Sie griffen auf den akkordischen Stil der Frottola zurück, oft mit bewusst parodistischen Texten. Das Ballett zeichnete sich besonders durch einen Refrain aus unsinnigen Silben wie „fa la la“ aus.

England

Die meisten italienischen Formen und ihre Bezeichnungen wurden in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts vom elisabethanischen England übernommen. Die meisten führenden englischen Komponisten, von William Byrd und Thomas Morley bis hin zu John Wilbye, Thomas Weelkes und Orlando Gibbons, trugen zum riesigen Schatz englischer weltlicher Musik bei. Besonders wichtig ist Morley als Herausgeber der bedeutendsten Sammlung englischer Madrigale, der Triumphes of Oriana , die 1603 veröffentlicht und Königin Elisabeth I. (Oriana) gewidmet wurde. Diese Stücke entsprechen stilistisch in etwa dem italienischen Madrigal der mittleren Periode. Die englischen Gegenstücke zur Canzonetta und zum Ballett waren Canzonet und Ballett. Eine Neuerung im späten 16. Jahrhundert sowohl in Italien als auch in England war das Ayre (Air), ein einfacher Akkordsatz, der sich besonders für eine Solostimme eignete, während eine Laute oder ein Instrumentenconsort die anderen Stimmen spielte. John Dowland und Thomas Campion waren bemerkenswerte Komponisten von Ayres.

Frankreich

Das französische Gegenstück zu italienischen und englischen Madrigalen war das polyphone Chanson, eine Fortsetzung der Hauptform weltlicher Musik aus dem Mittelalter und der frühen Renaissance. Das von Komponisten wie Josquin, Clément Janequin und Claudin de Sermisy wiederbelebte Chanson entwickelte mehrere charakteristische Merkmale: eine klar abgegrenzte Abschnittsstruktur mit einigen Wiederholungen von Abschnitten, viel lebendige programmatische Schreibweise und gelegentliche Verwendung einer unregelmäßigen metrischen Organisation. Die unregelmäßige metrische Struktur, musique mesurée genannt , wurde verwendet, um die Akzentuierung der Poesie getreu beizubehalten und spiegelt den traditionellen Vorrang textueller gegenüber musikalischen Überlegungen in der französischen Musik wider.

Deutschland

Das Lied blieb im 15. Jahrhundert weiterhin die wichtigste weltliche Form in germanischen Gebieten, entwickelte sich jedoch nicht im gleichen Ausmaß wie das Madrigal und das Chanson. Während der gesamten Renaissance war es relativ konservativ, was das Festhalten am Cantus firmus-Prinzip und seine Tendenz zur akkordischen gegenüber der kontrapunktischen Struktur anbelangte. Nach Heinrich Isaak im 15. Jahrhundert waren Ludwig Senfl, Hans Leo Hassler und Johann Hermann Schein die bedeutendsten Liedkomponisten des 16. Jahrhunderts. Zu allen nationalen Schulen des 16. Jahrhunderts muss der Name des flämischen Komponisten Orlando di Lasso hinzugefügt werden, der je nach seiner aktuellen Beschäftigung auf Französisch, Italienisch oder Deutsch schrieb. Das spanische Villancico war eine blühende Volksform, aber es gab kein iberisches Äquivalent zum Madrigal, Chanson oder Lied.