6 zeitgenössische Künstler, die ihre Medien neu definiert haben.

Woran denken Sie, wenn Sie sich einen Ausflug in Ihr örtliches Kunstmuseum vorstellen? Sie können sich alte, in kunstvollem Gold gerahmte Gemälde, klassische Aktskulpturen und verziertes, in Glas eingeschlossenes Porzellan vorstellen. Es kann sich anfühlen, als wären die Objekte in der Zeit gefangen. Aber Kunst ist nicht nur ein Ding der Vergangenheit. Es dauert bis heute an. Tatsächlich haben Künstler des 21. Jahrhunderts wie diese traditionelle Medien neu definiert, um dynamische, lebendige Werke zu schaffen.

• Can Butler

  Bisa Butler wurde 1973 geboren und erlangte im 21. Jahrhundert Anerkennung für ihre außergewöhnlichen Steppporträts von Afroamerikanern. Ihre lebensgroßen Werke orientierten sich oft an historischen Fotografien, die nur mit einem herabwürdigenden Begriff und dem Ort versehen waren. Butler wählte diese Personen aus, recherchierte und porträtierte sie, um ihre Identität aufzudecken. Sie wählte Stoff und Farbe, um bestimmte Eigenschaften hervorzuheben. Für Figuren mit ruhigerem Gesichtsausdruck oder ruhigerem Gemüt verwendete sie kühle Stoffe. Für animiertere Charaktere verwendete Butler wärmere Farben. Sowohl ihre kühlen als auch warmen Farbtöne, die wegen ihrer Lebendigkeit Kool-Aid-Farben genannt werden, spiegeln die Palette des AfriCOBRA-Kollektivs wider, einer in Chicago gegründeten schwarzen Kunstbewegung der 1960er Jahre, die sie während ihres Studiums an der Howard University kennengelernt hat. Butler bezog Stoffe aus der ganzen Welt, insbesondere aus Teilen Afrikas, wo einige Stoffe symbolische Bedeutungen haben. Beispielsweise ist der „Speed ​​Bird-Stoff“ ein beliebter afrikanischer Stoff, der mit fliegenden Vögeln bedruckt ist, „die Reichtum, Wohlstand und Bewegung symbolisieren“. Butler verwendete es für ihr Porträt von Emmett J. Scott (2020), dem persönlichen Sekretär des afroamerikanischen Pädagogen und Reformators Booker T. Washington. Durch die Kombination der individuellen Botschaften von Stoffen mit größeren afroamerikanischen Themen zeigte Butler die inhärente Würde und das umfassendere Gefühl der Herkunft ihrer Motive. Darüber hinaus würde sie durch die Darstellung nach vorne gerichteter und lebensgroßer Figuren „das Spielfeld zwischen Subjekt und Betrachter, Vergangenheit und Gegenwart, Schwarz und Weiß, Lebenden und Verstorbenen ausgleichen“ und eine gegenseitige Beobachtung und Kommunikation schaffen. Sie beendete ihre Stücke, indem sie ihnen neue Titel gab, darunter Africa The Land of Hope und Promise for Negro People's of the World , den Titel für ihr Porträt von Scott.

• Tetsuya Noda

  Tetsuya Noda wurde 1940 in der japanischen Präfektur Kumamoto geboren und war ein Grafiker, der im 20. und 21. Jahrhundert tätig war. Er ist vor allem für seine Tagebuchserie bekannt , die traditionelle japanische Holzschnitte mit neueren Druckmethoden kombiniert, um Stücke mit verschwommener fotografischer Qualität zu schaffen. Die in den 1970er Jahren beginnende Serie beleuchtet tägliche Schnappschüsse von intim häuslichen und oft humorvollen Themen. Der Druck „Diary: July 11th '97“ zeigt seine Frau und seine erwachsene Tochter nebeneinander positioniert, ihre Körper zueinander geneigt, während sie in die Kamera schauen. Das erste Foto wurde auf Wunsch der Tochter aufgenommen, um die Nasengrößen der Frauen zu vergleichen. Solche persönlichen Momente sind in der traditionellen japanischen Kunst selten und als Noda mit seiner Arbeit begann, wurde er kritisiert. Er scherzte, dass solche Praktiken später akzeptabel wurden, als jeder sein Privatleben auf Social-Media-Seiten wie Facebook teilte. Um seine Kunst zu schaffen, vergrößerte Noda zunächst eine seiner Fotografien, die er dann mit Graphit, Aquarell und Whiteout veränderte. Er nannte diesen Vorgang „Kochen“: „Ich würze [das Bild] und füge meinen eigenen Geschmack hinzu.“ Als nächstes erstellte Noda eine gepunktete Schablone des modifizierten Fotos, indem er es durch einen Mimeograph laufen ließ, eine übliche Art von Vervielfältigungsgerät, das im 20. Jahrhundert in Büros verwendet wurde. Anschließend übertrug er die Schablone per Siebdruck auf ein Blatt Papier, das er mithilfe traditioneller japanischer Holzschnitttechniken separat mit Akzenten und Farbtupfern versehen hatte. Schließlich signierte Noda die fertigen Stücke mit „Tagebuch“, dem Datum, und seinem Daumenabdruck in roter Tinte, eine Anspielung auf die japanischen roten Stempel, die traditionell Holzschnitte begleiten.

• Sean Scully

  Sean Scully, ein 1945 in Dublin geborener Maler des 20. und 21. Jahrhunderts, wuchs im London der Nachkriegszeit auf. 1975 zog er in die USA, wo er seine bekanntesten Gemälde aus Linien, Streifen und überlappenden Farbblöcken malte. Obwohl diese scheinbar objektiven Werke Qualitäten mit dem Minimalismus teilen – der vorherrschenden Bewegung während Scullys künstlerischer Ausbildung in den 1960er Jahren – sind sie überraschend ausdrucksstark. Während sich der Minimalismus durch einfache, oft geometrische Formen und einen sachlichen Ansatz auszeichnet, besteht Scullys Werk aus unordentlichen Linien, gestischen Pinselstrichen und überlappenden Farben, die eine emotionale Reaktion hervorrufen. Die Werke erinnern an die deutschen Expressionisten Ernst Ludwig Kirchner und Karl Schmidt-Rottluff, die beide vereinfachte Formen, kräftige Farben, emotionale Eindrücke und dicke Pinselstriche bevorzugten. Darüber hinaus sind Scullys Bilder von seinen Erfahrungen geprägt, darunter seine verarmte Kindheit, der Tod seines ersten Sohnes bei einem Autounfall und eine Reise nach Marokko. Dort ließ sich Scully von der Verwendung von Streifen und Mustern anstelle der in der westlichen Kunst bevorzugten Figuration inspirieren, um Gefühle zu vermitteln. Anschließend integrierte er das Vokabular in seine Arbeit. Seine Farbwahl hatte auch persönliche Bedeutung. Die dunklen Rottöne in seiner Palette ähneln den Rottönen der Polster in der Kneipe, in der seine Großmutter einst sang. Er erklärte, dass er diese Farbtöne und nicht die leuchtenden Rottöne verwendet habe, die „in der amerikanischen Werbung“ zu finden seien, weil diese Farbtöne „mir nichts bedeuteten“.

• Mira Nakashima

  Mira Nakashima, geboren 1942, war die Tochter von George Nakashima, der nach dem Zweiten Weltkrieg George Nakashima Woodworkers in New Hope, Pennsylvania, gründete. Mira wurde später selbstständige Holzarbeiterin und Möbelherstellerin und führte das Unternehmen nach dem Tod ihres Vaters im Jahr 1990 weiter. Sie war dafür bekannt, Georges multikulturelle Philosophie und Praktiken beizubehalten und gleichzeitig ihre eigenen Designs zu entwerfen. Georges Arbeit kombinierte Elemente des traditionellen japanischen Designs mit Modernismus, Präriestil und Shaker-Designs. Es betonte die natürliche Maserung der Bäume und revolutionierte die Verwendung von natürlich geknüpftem Holz, das zuvor als fehlerhaft galt. Indem er Bäume zu Möbeln machte, verschaffte George ihnen ein „zweites Leben“. Mira verkörperte diesen Geist weiterhin in ihrer Arbeit, indem sie die Maserung von Holzplatten zeichnete, bevor sie sie schnitt, um herauszufinden, wie ihre natürlichen Formen am besten hervorgehoben werden können. Sie teilte auch die Leidenschaft ihres Vaters für das Handwerk, was sich darin zeigte, dass sie weiterhin die von ihm populär gemachten „Butterfly“-Joints verwendete. George verwendete diese Verbindungen oft, um gespaltenes Holz zu verbinden, insbesondere bei Tischplatten, und Mira nutzte die Technik für einen ähnlichen Zweck bei Möbeltypen, die George selten herstellte, nämlich Statement-Sofas. In einer Version ihres Sofatate-Sofas ist eine dramatische Holzrückseite mit ausgeprägten Schmetterlingsgelenken überbrückt.

• Richard Hunt

  Richard Hunt wurde 1935 im Süden von Chicago geboren und war ein Bildhauer, der vor allem für seine abstrakten Metallarbeiten bekannt war. Hunt nutzte oft traditionelle und neuere Methoden, um „bewegungsreiche“ und eindrucksvolle Skulpturen zu schaffen. Er sagte einmal: „In einigen Werken ist es meine Absicht, die Art von Formen zu entwickeln, die die Natur schaffen könnte, wenn ihr nur Wärme und Stahl zur Verfügung stünden.“ Um diesen organischen Effekt zu erzielen, wandte sich Hunt zu Beginn seiner Karriere dem Schweißen zu, das im 20. Jahrhundert in der Bildhauerei an Popularität gewann. Bei vielen seiner größeren späteren Stücke, darunter We Will (2005), arbeitete Hunt so, als würde er eine dreidimensionale Collage erstellen, indem er geschnittene und geformte Metallbleche, meist Edelstahl, intuitiv zusammenschweißte. Er „nutzte die Zugfestigkeit“ des Materials aus, um „Dinge in den Weltraum zu bewegen“. Viele seiner kleineren Werke, die die gleiche Dynamik aufweisen, sich aber flüssiger anfühlen, verwenden die traditionelle Methode des Bronzegusses. Bei diesem Prozess wird die Skulptur zunächst in Ton oder Wachs modelliert, eine Form der Skulptur hergestellt und die Form mit geschmolzener Bronze gefüllt. Sobald die Bronze abgekühlt und ausgehärtet ist, wird sie aus der Form genommen und typischerweise durch Schwabbeln und Polieren bearbeitet.

• Linda Lighton

  Die 1948 geborene amerikanische Künstlerin Linda Lighton war dafür bekannt, Keramik zu verwenden, um gesellschaftliche Themen auf humorvolle Weise durch die Linse weiblicher Erfahrungen zu veranschaulichen. Eine ihrer Serien, Taking Aim , setzt sich mit so unterschiedlichen Themen wie Frauenrollen, Sinnlichkeit, Sexualität, Kapitalismus und Gewalt auseinander. Viele der Stücke der Kollektion enthalten Lippenstifte in unterschiedlichen Größen und leuchtenden Farbtönen, einige sind so gestaltet, dass sie Patronenhülsen ähneln und in Patronengürteln stecken. Lighton scheint folglich zu behaupten, dass Gewalt genauso verführerisch sei wie Lippenstift. Bezeichnend ist auch die phallische Erscheinung des Lippenstifts. Obwohl Frauen Lippenstift als Mittel zur Verführung nutzen können, können sie wiederum durch seine Form und das implizite Versprechen auf Sex verführt werden. Obwohl der Phallus für manche Frauen ein Vergnügen ist, ist er ein Symbol für Männlichkeit und Testosteron, was zu Gewalt gegen sie führen kann. Der als Kugel dargestellte Lippenstift vermittelt somit eine ironische Wendung der Macht. Was Frauen anzieht und als Ausdrucks-, Selbstvertrauens- und Befehlsinstrument betrachtet, ist auch eine Waffe, die gegen sie eingesetzt wird. Andere Aspekte der Sammlung zeigen ähnliche verführerische Darstellungen von Gewalt. In Hit Me (2012) sind Benzinpumpen mit Waffen durchsetzt und wie ein Mandala vor einem Rouletterad angeordnet, um einen hypnotischen Kreis zu bilden. Dieses Stück spiegelt wider, was Lighton als Amerikas Faszination für Schusswaffen und Öl empfand. In einem anderen Werk erblühen Gewehre aus Blumen. „In den Vereinigten Staaten“, schrieb der Künstler, „scheinen Waffen wie Unkraut zu blühen, mit einer Ehrfurcht vor roher Gewalt und einem Widerstand gegen die Menschlichkeit.“ Das schüchterne Geschichtenerzählen und die ergreifende Atmosphäre von Lightons Stücken werden auch durch ihr Medium vermittelt. Keramik gilt oft als nützliches oder häusliches Handwerk und ist den schönen Künsten unterlegen. Lightons Anwendung des Mediums in einer skulpturalen Umgebung fördert somit den Ausdruck weiblicher Bestrebungen. Die sorgfältig aufgetragenen Glasurschichten, die Lightons komplizierte Formen färben, verstärken den Sinn für Kunstfertigkeit in den Stücken und stimulieren scheinbar abwesende Sinne wie den Geschmack von Metall und den Geruch von Leder, um die Atmosphäre ihrer Arbeit zu intensivieren.