4 Gemälde, die nur im Thyssen gefunden wurden (und 1, das früher dort aufbewahrt wurde).

Das Nationalmuseum Thyssen-Bornemisza entstand im 20. Jahrhundert als private Kunstsammlung. Es zog 1992 in den Villahermosa-Palast in Madrid ein, der gerade als Museum renoviert wurde, und wurde ein Jahr später vom spanischen Staat erworben. Es liegt in der Nähe des Prado-Museums und des Königin-Sofia-Museums, die zusammen eine der schönsten Kunstsammlungen der Welt darstellen. Diese Liste hebt nur vier der Hunderte von Gemälden von Thyssen hervor (und eines, das einst Teil der Thyssen-Sammlung war).

Frühere Versionen der Beschreibungen dieser Gemälde erschienen erstmals in 1001 Paintings You Must See Before You Die , herausgegeben von Stephen Farthing (2018). Die Namen der Autoren erscheinen in Klammern.

• Fields, Rueil (ca. 1906–07)

  Als Künstler kaum ausgebildet, verdiente Maurice de Vlaminck seinen Lebensunterhalt als Radrennfahrer, Geiger und Soldat, bevor er sich der Malerei widmete. 1901 gründete er zusammen mit seinem Künstlerkollegen André Derain ein Atelier in Chatou, außerhalb von Paris. Im selben Jahr ließ er sich von einer Ausstellung mit Gemälden von Vincent van Gogh inspirieren, die einen tiefgreifenden Einfluss auf sein Werk hatte. Als Fields, Rueil gemalt wurde, galten Vlaminck und Derain als führende Mitglieder der fauvistischen Bewegung, einer Gruppe von Künstlern, die den etablierten Geschmack durch die nicht naturalistische Verwendung intensiver, unvermischter Farben empörten. Vlaminck erklärte „Instinkt und Talent“ zu den einzig wesentlichen Voraussetzungen für die Malerei und verachtete das Lernen von den Meistern der Vergangenheit. Dennoch steht diese Landschaft eindeutig in der Linie der Abstammung von van Gogh und darüber hinaus den Impressionisten. Mit diesen Vorgängern teilte Vlaminck das Engagement für die Malerei im Freien und für die Landschaft als Hommage an die Natur. Der gebrochene Griff, mit dem die Farbe über den größten Teil der Leinwand getupft wird (die flache Farbe auf den Dächern ist die größte Ausnahme), erinnert auch an die Arbeit von Claude Monet oder Alfred Sisley. Der kursive Zeichenstil ist van Gogh pur. Doch Vlamincks Verwendung von Farbe ist radikal anders. Reine Farben direkt aus der Röhre und verstärkte Töne verwandeln eine möglicherweise harmlose Szene einer französischen Vorstadtlandschaft in ein virtuoses Feuerwerk. Diese Landschaft mag heute exquisit und bezaubernd erscheinen, aber wir können uns immer noch vorstellen, wie ihre Energie auf die damalige Öffentlichkeit als roh und primitiv gewirkt haben könnte. (Reg Grant)

• Metropole (1916–17)

  Der in Berlin geborene George Grosz studierte an der Königlichen Akademie in Dresden und später beim Grafiker Emile Orlik in Berlin. Er entwickelte durch den Ersten Weltkrieg eine Vorliebe für das Groteske und das Satirische. Nach einem Nervenzusammenbruch im Jahr 1917 wurde er für dienstuntauglich erklärt. Seine geringe Meinung über seine Mitmenschen zeigt sich in all seinen Arbeiten. Er verwendete Öl und Leinwand, die traditionellen Materialien der hohen Kunst, obwohl er die Tradition des Kunstschaffens verachtete. Das Thema dieses Gemäldes ist alles andere als traditionell: Metropolis ist eine Szene aus der Hölle, wobei Blutrot die Leinwand dominiert. Die Komposition basiert auf schwindelerregenden Vertikalen und zeigt abscheuliche, geisterhafte Kreaturen, die vor dem Terror fliehen. Obwohl er sich vom Expressionismus distanzierte, sind die eckigen Verzerrungen und die schwindelerregende Perspektive aus dem Werk von Künstlern wie Ernst Ludwig Kirchner hervorgegangen. Die Bilder in „Metropolis“ deuten auf eine Katastrophe großen Ausmaßes hin: Die Stadt stürzt in sich zusammen und die Gesamtfarbe deutet auf einen Flächenbrand hin. Da die Revolution und der Zweite Weltkrieg vor der Tür stehen, ist das schrecklich vorausschauend. Das Werk ist satirisch und offen kritisch gegenüber der bürgerlichen Gesellschaft und insbesondere gegenüber der Autorität. Später entwickelte Grosz zusammen mit Otto Dix die Neue Sachlichkeit – eine Abkehr vom Expressionismus, indem er eine emotionslose Wahrnehmung des Objekts, eine Konzentration auf das Banale, Unbedeutende und Hässliche sowie eine kontext- und kompositorlose Malerei forderte Ganzheit. Im Jahr 1917 begann der Malik Verlag mit der Veröffentlichung der grafischen Werke von Grosz und machte ihn so einem breiteren Publikum bekannt. (Wendy Osgerby)

• Die Dame in Lila (1922)

  Lyonel Feininger wurde als Sohn deutscher Eltern in New York geboren. Seine Karriere war von einem Konflikt nationaler Loyalitäten, ethnischen Spannungen und politischen Unruhen geprägt. Als er zum Studium nach Deutschland zog, wurde Feininger Zeitschriftenillustrator, Karikaturist und Pionier dieser typisch amerikanischen Kunstform, des Comics. Die Streifen, die er kurzzeitig für die Chicago Tribune produzierte , gehören zu den innovativsten, die jemals gemacht wurden, aber seine Weigerung, nach Amerika zurückzukehren, verkürzte seinen Vertrag und er beschloss, die kommerzielle Kunst aufzugeben. Feininger begann, seinen eigenen Stil des analytischen Kubismus zu entwickeln und wurde 1919 zu einem der Gründungsmitglieder des Bauhauses. Während seiner Lehrtätigkeit dort malte er „Die Dame in Lila“ . Feiningers sorgfältige Schichtung überlappender Farb- und Formflächen zu einem nächtlichen, urbanen Tableau ist von der geschäftigen Energie der Stadt durchdrungen. Das zentrale Bild einer zielstrebig schreitenden jungen Frau basiert auf einer viel früheren Zeichnung von 1906, „ Das schöne Mädchen“ . Somit fungiert das Gemälde sowohl als Hommage an die dynamische Pariser Kunstszene, die ihn zunächst inspirierte, als auch als Hommage an das Selbstvertrauen der frühen Weimarer Republik, als Deutschland Frankreich als Standort der europäischen Avantgarde überholt hatte. Dies sollte jedoch nicht von Dauer sein, und Feininger und seine jüdische Frau mussten 1936 aus Deutschland fliehen. Feininger ließ sich erneut in New York nieder und fand neue Inspiration in den Szenen seiner Kindheit. In den letzten 20 Jahren seines Lebens begann er wurde zu einer Schlüsselfigur in der Entwicklung des Abstrakten Expressionismus. (Richard Bell)

• Orange und schwarze Wand (1959)

  Franz Kline beschrieb seine Bilder als „Situationen“ und glaubte, dass gute Kunst die Gefühle ihres Schöpfers genau wiedergibt. Seine bekanntesten Werke sind monumental dimensionierte abstrakte Leinwände, die einen sichtbaren Rest des äußerst physischen Prozesses hinter ihrer Entstehung bewahren. Obwohl Kline behauptete, dass sich diese Arbeiten auf bestimmte Orte beziehen, scheinen sie keiner objektiven Logik zu folgen. Wie die Werke der Action-Malerkollegen Jackson Pollock und Willem de Kooning scheinen Klines Gemälde eine spontane, kraftvolle Umsetzung des Willens des Künstlers in materielle Form zu sein. Kline arbeitete typischerweise in einer monochromatischen Palette aus Schwarz und Weiß. Die Hinzufügung kräftiger, dicker Farbstreifen in Orange und Black Wall verleiht dem fertigen Werk eine weitere Dimension an Vitalität und Dynamik. Die schwarzen Linien scheinen ein expressionistisches Raster zu bilden, aus dem Orange, Grün und Rot hervortreten. Trotz der fehlenden klaren Trennung zwischen Figur und Grund wird das Gemälde nie statisch. Es steckt voller potenzieller emotionaler Ursprünge und lädt so zu ständigen Spekulationen über seine Bedeutung ein. Klines dramatisches Leben stärkte nur seinen ikonischen Status – er kämpfte jahrelang um Erfolg als Porträt- und Landschaftsmaler, erlangte in den 1950er Jahren schnell internationale Bekanntheit, als er begann, in reinen Abstraktionen zu malen, und starb 1962 im Alter von nur 51 Jahren an Herzversagen alt und auf dem Höhepunkt seines Ruhmes. Als Persönlichkeit des öffentlichen Lebens spiegelt er das Phänomen der „prominenten Künstler“ wider, das die amerikanische Kunstwelt Mitte des 20. Jahrhunderts durchdrang. Dieses Gemälde war einst Teil der Thyssen-Sammlung; Es wurde in den 1990er Jahren von einem Privatsammler erworben und später dem Museum of Fine Arts in Houston gespendet. (Nicholas Kenji Machida und Herausgeber der Encyclopaedia ProPedia)

• Porträt von George Dyer im Spiegel (1968)

  Francis Bacon verbrachte seine frühen Jahre damit, zwischen England und Irland zu pendeln. Er hatte ein schwieriges Familienleben, das in ihm ein starkes Gefühl der Vertreibung auslöste. Er lebte kurze Zeit in Berlin und Paris, wo er sich entschied, Maler zu werden, lebte aber hauptsächlich in London. Der autodidaktische Künstler wandte sich zunehmend der Malerei dunkler, emotionaler und beunruhigender Themen mit existenziellen Themen zu und erlangte in den Nachkriegsjahren Anerkennung. In seinen Werken beschäftigt er sich immer wieder mit Krieg, rohem Fleisch, politischer und sexueller Macht und Enthauptung. Bacon belebte und untergrub auch die Verwendung des Triptychons, das in der Geschichte der christlichen Ikonographie die Allgegenwart der Heiligen Dreifaltigkeit betonte. Das Porträt von George Dyer im Spiegel ist ein Bild von Bacons Liebhaber und Muse George Dyer, den Bacon angeblich kennengelernt hatte, als Dyer sein Haus ausraubte. Die Figur von Dyer, gekleidet in einen Gangster-Lounge-Anzug, ist deformiert und abgetrennt, das Spiegelbild seines Gesichts ist im Spiegel gebrochen. Das Porträt konfrontiert den Betrachter mit der sexuellen Natur der Beziehung des Malers zum Thema – es wurde vermutet, dass die weißen Farbspritzer Sperma darstellen. Eine zusätzliche Serie nackter Porträts von Dyer offenbart die Intimität ihrer Verbindung. Hier blickt Dyer schief auf sein eigenes Bild, was sein narzisstisches Verhalten und das Gefühl der Isolation und Distanziertheit widerspiegelt, das Bacon in ihrer oft stürmischen Beziehung verspürte. Am Vorabend der großen Retrospektive des Künstlers im Grand Palais beging Dyer in Paris Selbstmord. Sein gebrochenes Gesicht deutet hier auf sein baldiges Ableben hin. (Steven Pulimood und Karen Morden)