5 Gemälde von JMW Turner mit faszinierenden Geschichten dahinter.

Ein Schiff, das von einer Welle verschlungen wird. Ein Regierungsbüro brennt. Die Gemälde von JMW Turner gehören zu den dramatischsten und intensivsten ihrer Zeit, und in ihnen steckt immer mehr, als man auf den ersten Blick sieht. Lesen Sie weiter, um die Geschichten hinter den faszinierendsten Meisterwerken des Künstlers zu entdecken.

Frühere Versionen der Beschreibungen dieser Gemälde erschienen erstmals in  1001 Paintings You Must See Before You Die , herausgegeben von Stephen Farthing (2018). Die Namen der Autoren erscheinen in Klammern.

• Durch Dampf geht die Sonne auf: Fischer putzen und verkaufen Fisch (um 1807)

  In vielerlei Hinsicht ist dieses relativ frühe Werk des 1775 geborenen JMW Turner ein traditionelles Porträt einer angenehmen, verallgemeinerten Szene. Zu den etablierten Einflüssen zählen der niederländische Marinemaler Willem van der Velde der Jüngere aus dem 17. Jahrhundert und frühere italienisch anmutende Landschaften von Claude Lorrain und Richard Wilson. Diese Künstler liebten es, Stimmungen in einer Landschaft zu erzeugen, und van der Velde und Claude beherrschten die Effekte von Leuchtkraft, Atmosphäre, Licht und Farbe – allesamt von zentraler Bedeutung für Turners Werk. In diesem Gemälde scheint Turner diese Einflüsse aufzugreifen und beginnt, in ein eigenes Reich vorzudringen. „Sun Rising Through Vapor“ ist voll von frühen Versionen der perfekt eingefangenen atmosphärischen Effekte, für die Turner berühmt ist, mit der hellen Sonne, die durch die Wolken bricht, das Wasser erhellt und von den Booten und den Fischern bei der Arbeit am Ufer reflektiert wird. Es scheint, dass dieses Gemälde keinen bestimmten Ort darstellt, aber es wurde mit großer Liebe und Wissen gemalt. Turner verbrachte sein ganzes Leben in der Nähe von Wasser, seien es Flüsse oder das Meer, und er hegte eine tiefe Liebe zu wasserreichen Orten und Themen. Einen Teil seiner Kindheit verbrachte er auch bei Verwandten seiner Mutter, die Fischhändler waren. In seinem Testament beantragte Turner, dass dieses Gemälde zusammen mit seinem Dido Building Carthage (1815) neben seinen beiden Lieblingsgemälden von Claude in der Londoner National Gallery aufgehängt werden sollte. Viele Kunstkritiker haben gesagt, dass Turner zwar einen verblüffend neuen Stil kreierte, sich aber nie völlig von den traditionellen Wurzeln entfernte, und vielleicht ist sein Vermächtnis ein Beweis dafür. (Ann Kay)

• Die kämpfende Temeraire wurde an ihren letzten Schlafplatz gezogen, um zerschlagen zu werden (1839)

  JMW Turner liebte diese Arbeit und schrieb: „Keine Rücksicht auf Geld oder Gunst kann mich dazu bewegen, meinen Liebling noch einmal zu leihen.“ Seine Szene ist ein ergreifendes Denkmal für die anmutigen, hochmastigen Kriegsschiffe der Royal Navy und eine Trauer um die großen Tage der britischen Seemacht. Es zeigt die Fighting Temeraire – berühmt für ihre heldenhafte Rolle in der Schlacht von Trafalgar im Jahr 1805 – wie sie die Themse hinauf zu einer Werft geschleppt wird, um dort abgewrackt zu werden. Während der moderne dampfbetriebene Schlepper das ätherische Segelschiff seinem Schicksal entgegenzieht, bezeugt Turner die gewaltigen technologischen Veränderungen, die zu seinen Lebzeiten eingeleitet wurden. Die Techniken und Farben sind typisch für die späteren Werke, die ihn zum wohl revolutionärsten Landschaftsmaler machen sollten. Dieses Gemälde, das sich in der Sammlung der National Gallery in London befindet, zeigt Turners Faszination für elementare Themen: Wasser, Luft und Feuer. Die Sonne geht in flammenden Farben unter als Hommage an den früheren Glanz des Schiffes, zeigt aber auch Turners virtuoses Können.

  „The Fighting Temeraire Tugged to Her Last Berth to Be Broken Up“ wurde gemalt, als der Künstler in seinen 60ern war und gerade dabei war, in seine abstraktere Endphase einzutreten. Es ist voller Kontraste, die er liebte: lockere Pinselführung und dicke Farbe am Himmel gegenüber detaillierter Arbeit am Segelschiff; Die linke Seite des Gemäldes hat eine kühle Farbe, die rechte kräftige, heiße Farbe. der Kommentar zur alten Welt versus der neuen. Werke wie dieses zeigen deutlich, wie Turner mit der Auflösung erkennbarer Formen, der Betonung von Licht und Farbe und der emotionalen Pinselführung begann, die das Werk der Impressionisten und unzähliger abstrakter Maler prägen sollte. (Ann Kay)

• Der Brand des Oberhauses und des Unterhauses am 16. Oktober 1834 (1835)

  JMW Turners Darstellung des brennenden Londoner Parlamentsgebäudes, inspiriert von realen Ereignissen, bringt den Betrachter an die Grenze zwischen Abstraktion und Realität. Turner hatte das Feuer aus erster Hand von einem Boot auf der Themse aus miterlebt. Obwohl er mit einigen groben Skizzen begann, vergingen einige Monate, bis er ein großformatiges Gemälde des Themas anfertigte. Die rechte Seite des Gemäldes wird von der Brücke dominiert, die über die Themse zu den schwelenden Ruinen auf der anderen Seite führt. Im Hintergrund sind die Türme der Westminster Abbey zu sehen, im Vordergrund die Themse und ihre Spiegelungen. Aus der Ferne ist es jedoch schwierig, eine realistische dreidimensionale Szene zu erkennen. Das Gemälde scheint eine kraftvolle, aber undefinierte Farbmischung zu sein, die vom hellen Gold und Orange auf der linken Seite bis zu den tiefen Grün- und Violetttönen auf der rechten Seite reicht. Die Boote auf dem Fluss verschwinden in vagen braunen Streifen. Das Endergebnis ist eine Verkörperung des romantischen Erhabenen: Der Schrecken des Feuers und die strahlende Schönheit seines Lichts verbinden sich und bringen den Betrachter in Kontakt mit den unendlichen Kräften der Natur.

  Als Turner das Gemälde 1835 in der British Institution ausstellte, wusste er, dass es Aufsehen erregen würde. „The Burning of the Houses of Lords and Commons“ stellt die westliche Tradition der realistischen visuellen Darstellung zur Schau, um eine tiefere emotionale Reaktion zu erreichen, und kündigt die Geburt der abstrakten Kunst an. Dadurch wirkt das Gemälde für den Betrachter heute genauso dynamisch wie vor fast 200 Jahren. Es ist Teil der Sammlung des Philadelphia Museum of Art. (Daniel Robert Koch)

• Schneesturm – Dampfschiff vor einer Hafenmündung (um 1842)

  JMW Turners zunehmend experimentelles Werk stieß in den 1840er Jahren auf heftige Kritik, und einige Kritiker verurteilten dieses Gemälde als „Seifenlauge und Tünche“. Der einflussreiche zeitgenössische Kunstkritiker John Ruskin, der Turners großer Verfechter war, war jedoch begeistert.

  Die berühmte Geschichte zu diesem Gemälde besagt, dass Turner sich an den Mast des Dampfschiffs Ariel festbinden ließ , das auf dem Bild zu sehen ist, als es in einem Seesturm umherstürzte. Diese Geschichte scheint unwahrscheinlich, aber sie zeigt die Leidenschaft des Künstlers, in das Herz der natürlichen Welt vorzudringen. Der Betrachter dieses Gemäldes, das Teil der Tate Collection in London ist, wird schnell in die von Turner häufig verwendete wirbelförmige Komposition hineingezogen, und die kreisenden Kompositionslinien lösen schwindelerregende Desorientierung und Chaos aus. Dies ist ein ungewöhnlich subjektives Bild für Turners Zeit, und die recht begrenzte Farbpalette und die verrückt ineinander übergehenden Wasser- und Lichtstreifen rufen einen traumhaften Zustand hervor. Dennoch hat Turner die Kontrolle über jedes gut beobachtete Element – ​​nur er kann sich mit seinem Wissen über Farbe und Licht daran erinnern, dass die unter Deck brennenden Feuer in diesem zitronengelben Farbton dargestellt werden müssen, der entsteht, wenn man durch einen Schneevorhang blickt . Im Epizentrum des Wirbels wird ein Dampfschiff gefährlich hin und her geschleudert, symbolisch wie in „ Fighting Temeraire“ verwendet , spiegelt hier jedoch insbesondere Turners Überzeugung wider, dass der Mensch den gewaltigen Kräften der Natur hilflos ausgeliefert ist. Turner sagte offenbar über dieses Werk: „Ich habe es nicht gemalt, um es zu verstehen, sondern ich wollte zeigen, wie eine solche Szene war.“ (Ann Kay)

• Flussszene mit Dampfschiff (um 1826)

  Obwohl JMW Turner in den Köpfen der meisten Menschen mit der Ölmalerei verbunden ist, wird er von vielen als Vater der Aquarell-Landschaftsmalerei angesehen. Aquarell bot dem Künstler im Laufe seines Lebens die Möglichkeit, sein Handwerk zu perfektionieren, und in diesem Medium gemalte Studien bildeten oft die Grundlage für große Ölgemälde. Das Aquarell half Turner dabei, die von ihm so geliebten Landschaften darzustellen und stilistisch voranzukommen, da es eine so freie Erforschung der Wirkung von Farbe und Licht ermöglichte.

  Dieses Werk gehört zu einer Zeit von etwa 1814 bis 1830, in der Turner durch Großbritannien und Europa reiste und dabei Landschaften skizzierte. Einige Jahre vor dem Gemälde „ Flussszene“ machte er mit Steamboat seinen ersten Besuch in Italien , und die Erfahrung mit dem Licht im Ausland machte seine Farben reiner und seine Beleuchtung natürlicher. Turner inspirierte Monet und Pissarro, und die Franzosen (oder zumindest viele Franzosen) betrachten ihn als den größten englischen Maler. Bei dieser Arbeit fängt die minimale Pinselführung die Szene perfekt ein. Ein paar leichte Striche deuten auf die wässrigen Spiegelungen des Dampfschiffs hin, während undurchsichtige Gouache geschickt Figuren im Vordergrund und entfernte Felsvorsprünge hervorhebt; Das Ganze ist von einem überzeugenden Außenlicht durchdrungen. Die Technik ist schlicht und, typisch für Turner, sind einige Bereiche detaillierter als andere. Dennoch hat die Szene ein echtes Gefühl für Perspektive, Raum und Distanz. Auch Turner mischte gerne Altes und Neues, und hier tuckert ein Dampfschiff aus der Zeit der Industrie und Technik durch eine sanfte pastorale Szene. Die Flussszene mit Dampfschiff ist Teil der Tate Collection in London. (Ann Kay)