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London bietet Weltklasse-Kunst, wohin das Auge blickt. Die Stadt verfügt über hervorragende Galerien und Institutionen, die Kunstwerke von Weltklasse beherbergen. Manchmal kann es jedoch etwas mehr Arbeit erfordern, diese Sammlungen zu finden.
Frühere Versionen der Beschreibungen dieser Gemälde erschienen erstmals in 1001 Paintings You Must See Before You Die , herausgegeben von Stephen Farthing (2018). Die Namen der Autoren erscheinen in Klammern.
Boote im Hafen, Collioure (1905)
André Derain wurde in einer bürgerlichen Familie in der Kleinstadt Chatou vor den Toren von Paris geboren. Er weigerte sich, seinem Vater als Patisserie-Koch in das Familienunternehmen zu folgen und besuchte stattdessen einen Kunstkurs an der Académie Carriere in Paris, wo er Henri Matisse kennenlernte. Unter Matisses Anleitung lernte Derain später die Werke von Paul Signac und Georges Seurat kennen. Ihre Arbeit prägte zusammen mit den Entwicklungen der Symbolisten und Neoimpressionisten seine eigene Kunst. Boote im Hafen von Collioure (in der Sammlung der Royal Academy of Arts) wurde im Sommer 1905 gemalt, als Derain zusammen mit Matisse in diesem kleinen mediterranen Fischereihafen nahe der spanischen Grenze arbeitete. Obwohl ein traditionelles Thema verwendet wurde, müssen die leuchtenden Farben – in fragmentierten Blöcken aufgetragen – auf ein zeitgenössisches Publikum unvollendet und fast ungeschickt gewirkt haben; Für Derain war es das wirksamste Mittel, um den Effekt von hellem Licht zu vermitteln, bei dem der Tonkontrast vollständig beseitigt ist. 1906 erhielt Derain den Auftrag, eine Reihe von Londoner Stadtlandschaftsgemälden anzufertigen, in denen Szenen der Themse – die an die zwei Jahrzehnte zuvor entstandenen Werke von Claude Monet erinnern – mit schillernden Farben neu interpretiert wurden. Obwohl Derain ein überraschender Traditionalist war, leistete er einen einflussreichen Beitrag zu den Fauves, einer Gruppe, die mit nicht-naturalistischen Farben experimentierte und den Grundstein für den Abstrakten Expressionismus legte. (Jessica Gromley)
Christus in Emmaus (1963)
1963 wurde den Studenten des Royal College of Art in London ein Osterprojekt ins Leben gerufen. Sie hatten die Wahl zwischen zwei Themen: „Figuren im starken Wind“ und „Christus in Emmaus“. Einer dieser Studenten war ein junger Maler namens Patrick Caulfield. Er griff beide Themen auf und stellte einen vom Wind verwehten Christus in Emmaus dar. Christus in Emmaus ist ein faszinierendes Gemälde, wenn man es im Kontext seiner Zeit und in Bezug auf Caulfields reiferen Stil betrachtet. Wie viele seiner Kollegen fühlte sich auch Caulfield zur Pop-Art hingezogen, und dieses Werk zeichnet sich durch die für Pop typische unpersönliche Flachheit und grafische Ästhetik aus. Ein weiterer Aspekt des Pop-Ansatzes zeigt sich hier in der Aneignung vorhandener visueller Bilder durch den Künstler: Das Muster um den Bildrand wurde von der Gestaltung von Dattelpaketen abgeleitet. Caulfield bezog sich in seinen späteren Werken im Allgemeinen nicht auf religiöse Themen, ließ sich jedoch von antiker Kunst inspirieren, insbesondere von dekorativen minoischen Artefakten und Fresken. Dieser Einfluss ist in seiner Darstellung der großen Vase neben der Figur unter dem Baum zu erkennen; Keramik dieser Art ist ein wiederkehrendes Bild in späteren Werken. Weitere Hinweise auf Caulfields stilistische Ausrichtung sind in diesem Gemälde deutlich zu erkennen – der klare schwarze Umriss, die Verwendung von Alkyd-Hausfarbe auf dem Karton und die flache, lineare Komposition sind alle vorhanden. Seine Gemälde der nächsten zehn Jahre beschäftigten sich mit der Subtilität von Stillleben und Innenräumen, wobei seine Themen durch einen brillanten Einsatz von Farben und Mustern verfeinert wurden. Christus in Emmaus ist ein außergewöhnliches Frühwerk eines der bedeutendsten britischen Künstler der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. (Roger Wilson und Jane Peacock)
Drinka Pinta Milka (1962)
Während seiner Pop-Zeit schuf Derek Boshier eine Reihe figuraler Gemälde, in denen er die Auswirkungen des Konsumismus und der Massenmedien auf die damalige britische Gesellschaft untersuchte. Diese wurden 1962 in „Image In Revolt“ in der Grabowski Gallery in London zusammen mit Arbeiten von Frank Bowling ausgestellt. Drinka Pinta Milka , gegründet am Royal College of Art, bezieht sich auf eine langjährige Cadbury's-Werbekampagne für ihre Dairy Milk-Schokoladentafel mit dem viel beachteten, aber bedeutungslosen Slogan „eineinhalb Gläser Vollmilch pro halbes Pfund“. ” Boshier malt ihr Markenzeichen, ein Glas Milch, das über und in Menschen gegossen wird, die zusammen mit den Schokoriegeln durch den Weltraum fallen. Der Titel bezieht sich auf eine öffentliche Informationskampagne, bei der Bürger zum „Drinka Pinta Milka Day“ aufgefordert wurden, gesund zu bleiben. Für Boshier stellten solche Informationen die finstere Seite des britischen Wohlfahrtsstaates der Nachkriegszeit dar – eine soziale Kontrolle über viele durch eine wenige Elite. Seine einheitlichen, gesichtslosen Menschen, die von der Milch geformt und verschoben werden, sind Teil eines „Identi-Kit“-Sets, das eine größere, starre Struktur bildet – es ist nicht nur die Milch, die homogenisiert wird. In der Pop-Art ging es darum, zuvor heilige Bilder zu „zerschlagen“: Während Jasper Johns das Sternenbanner neu kontextualisierte, nutzte Boshier den Union Jack, der mit den Figuren herabhing und herunterfiel, um den Untergang der alten imperialen Nation im Zuge des globalen Konsumismus anzudeuten . (Karen Morden)
Flat Packed Rothman’s (1975)
Der britische Künstler Stephen Farthing wurde in London an der St. Martin's School of Art und dem Royal College of Art ausgebildet, zog aber im Jahr 2000 nach New York. Seine Werke zeigen ihn als versierten Porträtmaler, Landschaftskünstler, Zeichner und Designer. Seine erste Einzelausstellung veranstaltete er 1977, seine Arbeiten wurden 1989 auf der Biennale von São Paulo gezeigt und 1998 wurde er in die Royal Academy gewählt. Zu Farthings Aufträgen gehörten das Teppichdesign, das vom Grosvenor Estate in Auftrag gegeben wurde, und die Architekturzeichnungen von die Gebäude der Oxford University Press in England. 1999 erhielt er von der National Portrait Gallery in London den Auftrag, sechs bedeutende Historiker in einem Werk mit dem Titel Past and Present zu malen . Zur Vorbereitung der Arbeit machte Farthing mehr als hundert Fotos der Dargestellten und bat die Historiker, einen Fragebogen auszufüllen, damit er sich ein mentales Bild ihrer Persönlichkeiten sowie ein visuelles Bild ihrer Gesichter machen konnte.
Diese große Vielfalt an Werken wurde möglicherweise durch Flat Packed Rothmans Werk vorweggenommen , das aus einer Reihe von Materialien und Techniken besteht, darunter Acryl, Glanzfarbe, Gesso, Papier, Harz, Sprühfarbe und Siebdruck. Es ist Teil der Royal College of Art Collection. Das Werk ist stark der Pop-Art verpflichtet und gehört zu einer Reihe von Farthings Bildern, in denen Alltagsgegenstände zum Einsatz kommen. Die hier verwendeten Objekte sind wie in einer Collage übereinander geschichtet. Die verschiedenen Scheren, Zigarettenschachteln und diversen Papierfetzen verflechten sich zu einem hypnotischen Bild, das verborgene Schichten unter dem Oberflächlichen vermuten lässt. (Lucinda Hawksley)
Der Tod von Nelson (1952)
Der Künstler und Illustrator John Minton war mit der britischen neoromantischen Bewegung in Kunst und Poesie verbunden, einer fantasievollen Reaktion auf die Beschäftigung mit schwierigen sozialen Fragen in den 1930er Jahren und die Sparpolitik Großbritanniens in den 1940er Jahren. 1952 beschloss Minton, den Tod von Admiral Horatio Nelson in der Schlacht von Trafalgar darzustellen, was angesichts der patriotischen Zeit des Festival of Britain und der Krönung keine ungewöhnliche Wahl war. Mintons Gemälde ist eine Überarbeitung eines berühmten Freskos im House of Lords, das vom Historienmaler Daniel Maclise aus dem 19. Jahrhundert angefertigt wurde. Dieses Fresko hatte Minton schon lange fasziniert, da eine Reproduktion des Werks in seinem Schulzimmer hing. Die Schlüsselelemente von Maclises Gemälde sind vorhanden – Nelson stirbt in den Armen von Hardy, der schwarze Seemann zeigt auf den Scharfschützen, der gerade den Admiral auf dem Deck der HMS Victory erschossen hat –, aber sie wurden transformiert, um die theatralische Qualität des Werks zu verstärken. Die offensichtlichste Verzerrung in Mintons Gemälde ist das nahezu vertikale Deck; Minton sagte, er hoffe, den Effekt einer mit einem Teleobjektiv aufgenommenen Wochenschau reproduzieren zu können. Er handhabt die Komposition kohärent, die düstere Menge wirbelt um den angestrahlten Nelson herum. Die halbkubistischen Elemente in den Details von Masten, Segeln und einigen Figuren mögen wie eine halbherzige Anspielung auf den Modernismus erscheinen, aber der Gesamteffekt ist dramatisch und visuell befriedigend. Das Gemälde ist Teil der Royal College of Art Collection. (Reg Grant)
Ich habe Lust auf Liebe (1961)
David Hockneys Kunst zeigt seine Experimente mit einer Vielzahl von Stilen und Medien, da er nicht nur als Maler, sondern auch als Zeichner, Grafiker und Fotograf arbeitete. „I'm in the Mood for Love“ (in der Sammlung des Royal College of Art) enthält handgeschriebenen Text sowie schablonierte Buchstaben und Ziffern, die an Graffiti erinnern. Die bewusst naive Darstellung der Figuren und Gebäude täuscht über die Meisterschaft des Künstlers als Zeichner hinweg. Aber trotz der Präsenz dieser charakteristischen Elemente der Pop-Art verfügt dieses Werk über eine emotionale Tiefe, die es von anderen Werken unterscheidet, die mit dieser Bewegung in Verbindung stehen. Die großen Pinselstriche in der oberen linken Ecke, die nach unten zur Figur zeigen, verleihen dem Stück eine besonders aufgeladene und grüblerische Note. Das undeutliche Gesicht der zentralen Figur zieht den Betrachter sowohl in eine angedeutete Erzählung hinein als auch zu einer Suche nach der Bedeutung von Symbolen wie dem roten Herzen und dem weißen Halbmond. „I'm in the Mood for Love“ zeigt Hockneys visuellen Witz. (Alix-Regel)
Fingersatz Vanity (2015)
Mequitta Ahujas Selbstporträts sind berühmt. Es ist eine Form, die sie als „Automythographie“ bezeichnet, da sie in ihren Gemälden eine Kombination aus „Geschichte, Mythos und persönlicher Erzählung“ sieht. Ihre Entscheidung, ihr eigenes Bild zu verwenden, beschreibt sie als Zusammenhang mit ihrem „ungewöhnlichen ethnischen Erbe“ – sie hat sowohl afroamerikanische als auch indische Wurzeln – und ihrem Bedürfnis, „Bilder in der Welt zu haben, die [ihre] Identität widerspiegeln“. Mithilfe der Fernauslösertechnologie fotografiert sie sich selbst, inszeniert sorgfältig ihren eigenen Blick, ihre Körperhaltung und ihre Kleidung und verwendet das resultierende Bild als Ausgangsmaterial für ihre Malerei. Fingering Vanitas (in der Saatchi Gallery) wurde erstmals als Teil einer Reihe allegorischer Gemälde ausgestellt, die über das Selbstporträt hinausgehen und den Akt des Malens selbst reflektieren sollten. Ahuja nahm als Ausgangspunkt Giottos biblische Fresken mit ihrer Innen-Außen-Perspektive. Der Künstler sitzt an einem niedrigen Tisch in einem kleinen, spärlich möblierten Raum, doch durch eine offene Tür und ein offenes Fenster sind Einblicke in die umliegende Landschaft möglich. Die Farben sind lebendig und warm. Ahujas nackte Figur erinnert an die tahitianischen Frauen von Paul Gauguin; Doch während Gauguins Gemälde den weiblichen Körper objektivieren und die Exotik der Frauen fetischisieren, ist Ahujas Bild in keiner Weise sexualisiert. Es stellt den Künstler als Schöpfer dar, nicht als exotische Muse. Während das Bild unzählige Verweise auf westliche und östliche Kunsttraditionen enthält, hat Ahuja diese Traditionen übernommen und modifiziert und so für den Betrachter ein komplexes kulturelles Erlebnis geschaffen. (Stephen Farthing)
Mingus in Mexiko (1990)
David Salles Arbeit zeigt, wie er zufällige Bilder aus allen Bereichen der Geschichte und Kultur sammelt, sie auf seine Leinwände wirft und alles malt, was hängenbleibt. Seine postmodernen Pastiche-Gemälde wurden von Kritikern als „ungeschickt“ und „zynisch, berechnend und kalt“ bezeichnet – worauf Salle geantwortet hat: „Wörtliches Denken bringt einen nicht sehr interessant weiter.“ Ich möchte größere Sprünge machen.“ Seine Kunst taucht in die Kunstgeschichte, Populärkultur, Pornografie und Anthropologie ein und stapelt Bilder und Stile in Ölgemälden übereinander. Es gibt keine erkennbare Methode, Bedeutung oder Logik für die Gegenüberstellungen auf Salles Leinwänden, wo eine fotorealistische Darstellung eines Schnappschusses neben einem graffitiartigen Gekritzel steht oder unter einen einfarbigen Block gezwungen wird. Seine Bilder sind so geschichtet, wie Plakate und Werbung auf städtischen Werbetafeln übereinander geklebt werden. Ein Beispiel für diese Scattershot-Ästhetik ist Mingus in Mexiko (in der Saatchi Gallery). Figuren aus römischen Mythen sind mit einer leeren Cartoon-Sprechblase, rassistischen Erinnerungsstücken, in Umrissen schwebenden Stuhlgeistern und einer sorgfältig konstruierten Kopie eines Mädchens, das aus einer Tasse trinkt, verwoben – ein Bild, das er in zahlreichen anderen Gemälden wiederholt. Der in Oklahoma geborene Salle studierte bei der Konzeptkunstlegende John Baldessari. Während Baldessaris Ungeduld gegenüber den Ansprüchen der Kunsttheorie und der Kunst selbst die konzeptionelle Grundlage für Salles flotte, collagierte Gemälde bildet, erinnern sie sicherlich an Salvador Dalí und seine Untersuchungen psychologischer, nicht physischer Realitäten. (Ana Finel Honigman)
Die hippen Hundert (1998)
Die Gemälde von Peter Davies werden eine unschätzbare Hauptquelle für künftige Studentendissertationen über die inzestuösen Verbindungen innerhalb der internationalen Kunstwelt am Ende des 20. Jahrhunderts sein. Inspiriert von Late-Night-Top-100-TV-Shows und Bestsellerlisten malt Davies tabellenartige Listen und Venn-Diagramme im falschen Amateurstil. In seinen eigenwilligen Diagrammen ordnet er die bekannten Namen seiner Freunde, Kollegen und Kunsthelden nach unbestimmbaren Attributen wie „hip“ oder „lustig“ ein. Neben jedem Namen fügt er Werktitel des Künstlers oder beißend komische Beschreibungssätze an. Mit seinem verschnörkelten Gekritzel und der Verwendung fröhlicher Grundfarben ähneln diese Werke optisch Requisiten für die Präsentation eines Grundschulkindes im Klassenzimmer. Aber ihr wohlwollendes Erscheinungsbild untergräbt nicht die intelligente Bösartigkeit seiner Satire auf die cliquenhafte, marktorientierte Mentalität der Kunstwelt. The Hip One Hundred (in der Saatchi Gallery) bewertet Richard Patterson, der Ölgemälde mit Plastikfiguren malt, als Nummer eins, fünf Plätze vor Damien Hirst. Als Davies „The Hip One Hundred“ malte , war er 27 Jahre alt, und seine Chuzpe, „Wer ist wer?“, macht einen Teil des Charmes des Stücks aus. Ein Teil der Freude beim Betrachten von Davies' Gemälden liegt in der Betrachtung der Aufstiege, Stürze und Comebacks, von denen sie erzählen, während seine Leinwände aus der launischen Mode der zeitgenössischen Kunst zeitgenössische Kunstgeschichte machen. (Ana Finel Honigman)
Junge Jungs (1993)
Marlene Dumas wurde 1953 in Südafrika geboren und begann ihre künstlerische Ausbildung während der Apartheid-Ära an der Universität von Kapstadt (1972–75). Dank eines großen Stipendiums setzte sie anschließend ihr Studium im Atelier '63 in Haarlem, Niederlande, fort, wo sie blieb. Zwischen 1979 und 1980 besuchte sie außerdem Kurse in Psychologie am Psychologischen Institut der Universität Amsterdam. Dumas wurde berühmt für ihre Kinderporträts und erotischen Szenen. Sie stellte ihre Arbeiten ausgiebig an europäischen Orten aus und war Teil großer internationaler Ausstellungen wie der Biennale von Venedig (Italien) und der Documenta VII in Kassel (Deutschland). Ihre Arbeiten vereinen Elemente des Expressionismus und der Konzeptkunst und bestehen aus Tusche- und Aquarellarbeiten sowie Öl auf Leinwand. Ihre Arbeit ist oft verstörend; Sie besteht darauf, sich mit schwierigen Themen wie Kindesmissbrauch und sexueller Ausbeutung von Frauen auseinanderzusetzen. Young Boys (in der Saatchi Gallery) wurde 1993 gemalt und ist eines der vollendetsten und anspruchsvollsten Gemälde von Dumas. Eine lange Reihe von Jungen füllt den mehrdeutigen Raum des Bildes. Nach rechts verschwinden die Figuren in der Ferne und werden zu bloßen Umrissen. Dumas‘ Schnelligkeit in der Ausführung sorgt für eine echte Leichtigkeit, die in starkem Kontrast zur Schwere und verstörenden Kraft steht, die das Werk auf den Betrachter ausübt. Ihre Farbpalette, die von einem gräulichen Rosa bis zu einem blassen bläulichen Grau reicht, verstärkt das allgemeine Gefühl der Fremdartigkeit, das das Bild vermittelt. (Julie Jones)
Innerhalb (2001)
Der in Belgien geborene und in Großbritannien lebende Luc Tuymans ist mitverantwortlich dafür, dass die Malerei, ein Medium, das in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, als Installation und Konzeptkunst vorherrschten, als „tot“ galt, wieder an die Spitze der zeitgenössischen Kunst rückte. Der Künstler gehört zu den „Auserwählten“ des Megasammlers Charles Saatchi und war 2003 einer der jüngsten Künstler, die jemals eine Einzelausstellung in der Tate Modern in London hatten. In den 1980er Jahren arbeitete Tuymans hauptsächlich als Filmemacher; In seinen Gemälden zeigen sich filmische Einflüsse, die durch Anspielungen auf filmische Techniken wie Nahaufnahmen, Bildausschnitte und Sequenzierungen gekennzeichnet sind. Doch trotz dieser modernen Akzente zeigt Tuymans‘ Rückkehr zur Malerei seine Überzeugung, dass das klassische Genre weiterhin in der Lage ist, die Heterogenität der modernen Existenz widerzuspiegeln. In Within werden wir Zeuge eines der charakteristischen Themen von Tuymans: dem Holocaust. Tuyman wird oft als „poetischer Maler“ bezeichnet. Anstatt das historische Ereignis zu illustrieren, schafft er ein blasses, verwaschenes Gemälde, das einen leeren Vogelkäfig zeigt, in dem Melancholie herrscht. Die Abwesenheit der Käfigbewohner symbolisiert den Tod. Schuldgefühle, Verlustgefühle und ein Gefühl des kollektiven Bewusstseins prägen die Erfahrung des Betrachters mit diesem scheinbar banalen Bild. Die große Größe des Werks trägt auch zu seiner emotionalen Schwere bei – wir werden von der Leere, die Tuymans in kühlen Blau- und Grautönen malt, in den Bann gezogen und überwältigt. Dieses Bild wirft die Frage auf: Welche Position nehmen wir beim Schauen ein? Sind wir Opfer, die hinter Gittern sitzen, oder sind wir für das Leid verantwortlich, das dadurch hervorgerufen wird? Darin befindet sich die Saatchi Gallery. (Samantha Earl)