Zusammenfassung westlicher Musik: Erfahren Sie mehr über die Geschichte der westlichen Musik von der Antike bis zur Gegenwart.

Westliche Musik, in Europa produzierte Musik sowie Musik, die von europäischen Formen von der Antike bis zum 21. Jahrhundert abgeleitet ist. Alle alten Zivilisationen traten mit einer blühenden Musikkultur in die Geschichte ein. Die primäre Funktion war offenbar religiöser Natur. Andere musikalische Anlässe waren ebenso funktional: anregende Anreize für militärischen Eifer, beruhigende Begleitungen zur Arbeit, verstärkende Hilfen für dramatische Spektakel und belebende Hintergründe für gesellschaftliche Zusammenkünfte. In jedem Fall begleiteten musikalische Klänge körperliche Bewegungen (Tanz, Marsch, Spiel oder Arbeit) oder Gesang. Es gibt Hinweise darauf, dass die Bewohner der mesopotamischen Region rund um die Flüsse Tigris und Euphrat – die Sumerer, die Babylonier und die Assyrer (ca. 3500–ca. 500 v. Chr.) – Instrumente aller Grundtypen besaßen: Idiophone, Aerophone, Chordophone und Membranophone. Eine unentzifferbare, in Stein gemeißelte Hymne aus dem Jahr ca. Chr., ist ein Beweis für ein frühes System der Musiknotation. Von den Kulturen des östlichen Mittelmeerraums waren es die Griechen mit ihrem System der Modi (Anordnung der Töne einer Tonleiter zum Aufbau von Melodien), die über die Römer die direkteste Verbindung zur musikalischen Entwicklung Westeuropas herstellten. die die Griechen militärisch besiegten, aber einen Großteil ihrer Kultur unverändert übernahmen. Mit dem Niedergang des Römischen Reiches war die christliche Kirche die Institution, die das musikalische Erbe der Antike bewahrte. Der Überlieferung nach wurde die frühe Kirchenmusik ab dem späten 6. Jahrhundert von Papst Gregor I. kodifiziert und organisiert. Der gregorianische Gesang begann sich im 9. Jahrhundert zu verbreiten, wobei ein Trope (ein Text oder ein melodischer Abschnitt, der zu einer bereits bestehenden Melodie hinzugefügt wurde) verwendet wurde oder eine Kombination aus Text und Musik, die in bestehende liturgische Musik integriert ist). Das gregorianische Repertoire wurde durch das revolutionäre Konzept der Polyphonie, dem gleichzeitigen Erklingen von zwei oder mehr Melodielinien, weiter bereichert. Zweifellos blühte auch die weltliche Musik im frühen Mittelalter auf, aber abgesehen von sporadischen Erwähnungen beschreiben die frühesten Berichte über solche Musik in der westlichen Welt die Musik der Goliards – umherziehende kleine Geistliche und Studenten, die ab dem 7. Jahrhundert umherzogen Das Land singt und spielt Lieder, die sich mit Liebe, aber auch mit Krieg, Hungersnot und anderen aktuellen Themen befassen. Im 12. und 13. Jahrhundert blühte die Troubadour-Bewegung auf, angefangen bei Adligen Südfrankreichs, die an den führenden Höfen der Region verkehrten und Gedichte in der Landessprache schrieben und sangen. Die Blüte und Säkularisierung der Musik im frühen 15. Jahrhundert wird allgemein als Beginn der musikalischen Renaissance angesehen. Polyphonie und die frühen Vorläufer der modernen Tonalität (Organisation der Musik um einen Schwerpunktton herum) wurden entwickelt. Der Begriff Barock bezieht sich auf den grandiosen, dramatischen und energiegeladenen Geist in der Kunst, der in der Zeit von etwa 1600 bis etwa 1750 vorherrschte. In dieser Zeit wurde die Zahl der Tonarten auf zwei reduziert (die Dur- und Moll-Tonleitern und die daraus abgeleiteten kontrastierenden Noten- und Akkordsätze) und es begannen erste Versuche, mit großen Musikformen (Oper, Oratorium, Sonate und Konzert) zu komponieren. . Die Barockzeit erreichte ihren Höhepunkt im Schaffen von Johann Sebastian Bach und Georg Friedrich Händel. In der darauffolgenden klassischen Periode wich die ausgefeilte kontrapunktische Struktur der Barockmusik einer Musik mit subtiler dynamischer Differenzierung, die oft auf einfachen Volksmaterialien (Rhythmen und Melodien) basierte. Die Beziehungen zwischen Klangmaterialien und großen musikalischen Formen erreichten in der Sonate und in der Oper ihren höchsten Höhepunkt. Die grundlegenden Veränderungen, die den klassischen Stil vom Barock unterschieden, wurden insbesondere durch Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Christoph Willibald Gluck und den jungen Ludwig van Beethoven verfeinert und stabilisiert. Die Musik des Letzteren veranschaulichte einen Übergang vom klassischen Stil zur Romantik. Beethovens frühe Werke wurden in der Hoffnung auf finanzielle Belohnungen geschaffen, aber seine späteren Werke aus dem Jahr ca. Ab 1820 wurden sie unabhängig von solchen Bedenken verfasst und nur so geschrieben, wie es seine Fantasie vorgab. So trug Beethoven dazu bei, Individualität, Subjektivität und emotionalen Ausdruck als Maßstab für romantische Komponisten zu etablieren, darunter Richard Wagner, Pjotr ​​​​Iljitsch Tschaikowski und Sergej Rachmaninow. Die Oper blieb im gesamten 19. Jahrhundert ein blühendes Genre, und die italienische Oper blieb auch in der ersten Hälfte des Jahrhunderts die dominierende Gattung, insbesondere in den Händen von Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini und Gaetano Donizetti. Der Mann, der die italienische Oper dieser Zeit vielleicht am besten verkörperte, war jedoch Giuseppe Verdi, dessen Werke noch immer zu den meistgespielten zählen. Ende des 19. Jahrhunderts führte die Tendenz zu realistischeren und aktuelleren Themen zum Subjektivität und emotionaler Ausdruck als Maßstab für romantische Komponisten, darunter Richard Wagner, Pjotr ​​​​Iljitsch Tschaikowsky und Sergei Rachmaninow. Die Oper blieb im gesamten 19. Jahrhundert ein blühendes Genre, und die italienische Oper blieb auch in der ersten Hälfte des Jahrhunderts die dominierende Gattung, insbesondere in den Händen von Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini und Gaetano Donizetti. Der Mann, der die italienische Oper dieser Zeit vielleicht am besten verkörperte, war jedoch Giuseppe Verdi, dessen Werke noch immer zu den meistgespielten zählen. Ende des 19. Jahrhunderts führte die Tendenz zu realistischeren und aktuelleren Themen zum Subjektivität und emotionaler Ausdruck als Maßstab für romantische Komponisten, darunter Richard Wagner, Pjotr ​​​​Iljitsch Tschaikowsky und Sergei Rachmaninow. Die Oper blieb im gesamten 19. Jahrhundert ein blühendes Genre, und die italienische Oper blieb auch in der ersten Hälfte des Jahrhunderts die dominierende Gattung, insbesondere in den Händen von Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini und Gaetano Donizetti. Der Mann, der die italienische Oper dieser Zeit vielleicht am besten verkörperte, war jedoch Giuseppe Verdi, dessen Werke noch immer zu den meistgespielten zählen. Ende des 19. Jahrhunderts führte die Tendenz zu realistischeren und aktuelleren Themen zum Verismo  („Realismus“)-Schule von Ruggiero Leoncavallo, Pietro Mascagni und Giacomo Puccini. Eine der beliebtesten Musikrichtungen der Romantik war dank der rasanten technischen Entwicklung des Klaviers und des wachsenden Bedarfs der neu wohlhabenden Mittelschicht an Erholung und Unterhaltung die Klaviermusik. Musik für stilisierte Tänze erfreute sich weiterhin großer Beliebtheit, aber nationalistische Formen wie Polonaise, Mazurka und Walzer ersetzten die biederen Menuette der vorherigen Ära. Frédéric Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt und Johannes Brahms waren nach Beethoven die bedeutendsten Komponisten der Klaviermusik. Das gesangliche Gegenstück zum Keyboard-Charakterstück war das Sololied mit Klavierbegleitung. Mit dem Aufkommen der deutschen romantischen Poesie von Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller, Heinrich Heine und anderen, etwa zu Beginn des 19. Jahrhunderts,  logen die Deutschen („Lied“) blühte auf. Ein Pionier und produktivster Liedkomponist war Franz Schubert. Seine wichtigsten Nachfolger waren in chronologischer Reihenfolge Karl Loewe, Felix Mendelssohn, Hugo Wolf und Richard Strauss. Die letzten Jahrzehnte des 19. Jahrhunderts erlebten, was man als Verbreitung der Romantik bezeichnen könnte, als im impressionistischen Stil von Claude Debussy und Maurice Ravel bedeutende Abweichungen vom aktuellen Musikvokabular auftraten. Die amorphen rhythmischen Muster, die Ganztonskala, das Konzept der freien Beziehung benachbarter Harmonien und die kaleidoskopischen Texturen dieses Impressionismus waren musikalische Manifestationen der in Malerei und Literatur aktuellen ästhetischen Strömungen. Die experimentellen Werke von Arnold Schönberg und Igor Strawinsky um 1910 läuteten eine neue Epoche der Musik ein. Schönberg verwarf traditionelle harmonische Konzepte von Konsonanz und Dissonanz, was zur Entwicklung der Atonalität und der 12-Ton-Technik führte (bei der alle 12 Töne der Oktave serialisiert oder in eine geordnete Beziehung gebracht werden). Strawinskys revolutionärer Stil konzentrierte sich auf metrische Unausgewogenheit und perkussive Dissonanz. Ab etwa 1950 begannen zwei führende Gruppen, eine in Köln und die andere in Paris, mit elektronischer Musik zu experimentieren. Die beiden Ansätze teilten Tonhöhe, Intensität, Dauer und Qualität mit der Musik der Vergangenheit, alle anderen Konzepte der musikalischen Organisation wurden jedoch verworfen, einschließlich der Notwendigkeit eines Interpreten. Die Entmenschlichung der Musik wurde durch den Einsatz von Mathematik und Computern zur Bestimmung der Natur von Klangmaterialien – ob elektronisch oder mit konventionelleren Mitteln erzeugt – und ihrer Organisation noch einen Schritt weiter vorangetrieben. Ein weiteres Ergebnis der Fortschritte in der Elektronik war das enorme Wachstum der Popmusik im 20. Jahrhundert. Neue Techniken ermöglichten die Wiedergabe von Ton mit hoher Wiedergabetreue und seine flächendeckende und schnelle Verbreitung über Radio, Phonographen, Tonbandgeräte, Fernsehen, CDs und später über das Internet und Streaming-Dienste. Eine neue Form der Popmusik war der Blues, eine säkulare Volksmusik, die Ende des 19. Jahrhunderts unter Afroamerikanern im Süden der USA aufkam. Blueskünstler verleihen der Traurigkeit einen musikalischen Ausdruck, indem sie Gesangstechniken wie Melisma, rhythmische Techniken wie Synkopen und Instrumentaltechniken wie „Choking“ (Manipulation der Gitarrensaiten, um einen jammernden Klang zu erzeugen) einsetzen. Der Blues hatte neben dem Ragtime einen entscheidenden Einfluss auf die Entwicklung einer weiteren ursprünglich afroamerikanischen Musikform: des Jazz. Diese hauptsächlich instrumentale Musik zeichnet sich typischerweise durch synkopierte Rhythmen, polyphones Ensemblespiel, unterschiedliche Improvisationsgrade, oft bewusste Tonhöhenabweichungen und die Verwendung originaler Klangfarben aus. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts zog die Neuheit der Jazz-Rhythmen Komponisten von Kunstmusik an, die gelegentlich Jazz-Redewendungen in ihre Werke einbauten. Ab etwa 1930 wirkte der Einfluss in beide Richtungen, und der Jazz übernahm nach und nach Techniken, die ihren Ursprung in der Kunstmusik hatten. Jazz ermöglichte die Entstehung verschiedener Stilrichtungen, darunter Swing und Bebop. Neben dem Jazz hatte der Blues ab der Mitte des 20. Jahrhunderts großen Einfluss auf die Entwicklung von Rhythm and Blues, Soulmusik und Rock. Eine weitere Musikform mit afroamerikanischen Wurzeln war Rap, der Ende der 1970er Jahre in der New Yorker Hip-Hop-Szene auftauchte. Es enthielt halbgesprochene Reime, die über rhythmischen Instrumentalstücken vorgetragen wurden, die manchmal auf DJ-Mischtechniken und Samples bereits vorhandener Aufnahmen zurückgriffen.