歌。声楽.

歌、楽器の伴奏の有無にかかわらず、単一の声で演奏される音楽作品。複数の声部の作品はデュエット、トリオなどと呼ばれます。より大きなアンサンブルが合唱音楽を歌います。音声と音楽は古くから組み合わされてきました。音楽は言葉の効果を高め、言葉だけでは達成するのが難しい投影と情熱を表現することを可能にします。歌唱スタイルは文化内および文化間の両方で異なり、多くの場合、社会的交流の理想、霊界の認識、社会が主要なコミュニケーション手段として文字を使用する度合いなどの変数を反映しています。リラックスした自然な声質と、緩く表現された歌詞を重視する文化もあれば、正確に発音された言葉で、高度に訓練された緊張感のあるサウンドを培う文化もあります。

西洋音楽では、フォークソングは慣例的にアートソングと区別されます。民謡は通常、無伴奏、またはギターやダルシマーなどの単一の楽器による伴奏付きで歌われます。それらは通常、耳で学び、書き留められることはほとんどありません。したがって、何世代にもわたって口頭で伝えられることにより、音符や単語が変化する可能性があります。ほとんどの民謡の作曲者は不明です。

対照的に、アートソングは、プロの歌手、または少なくとも注意深く指導された歌手による演奏を目的としており、通常はピアノまたは楽器アンサンブルの伴奏で行われます。メモは書き留められ、メモや単語はその後、偶然に変更されにくくなります。ポピュラーソングは、技術的な難しさ、音楽構造の複雑さ、変化への抵抗という点で、フォークソングとアートソングの中間に位置します。

民謡は、宗教儀式、踊り、労働、求愛などの活動に伴うことがよくあります。他の民謡には物語があります。その主なものは物語的なバラードと歌詞です。英米のバラードはアクション志向で、多くの場合悲劇的なエピソードを扱っています。抒情的な歌はより感情指向であり、より感傷的です。歴史的および現代の多くの文化において、英雄叙事詩を歌うことも重要な伝統です。民謡は通常、比較的単純なメロディーを持ち、通常は 1 音節につき 1 つまたはいくつかの音符しかありません。この言語は特定の規則に従う傾向があり、繰り返しが多いです。ほとんどの場合、音楽と言葉は容易に理解できますが、一部の伝統では、歌うために言語の特別な音域が使用され、平均的なリスナーにとっては、たとえ理解できるとしても部分的にしかパフォーマンスが理解できません。

ヨーロッパの伝統における芸術曲は、音楽以外の活動と結びつくことはほとんどありません。彼らのテキストは洗練される傾向があり、メロディーは幅広く複雑なものが多いです。アートソングは、クラシック音楽全体と同様、本質的に都市現象であり、その起源は中世の宮廷、大学、都市、教会にあります。 12 世紀の吟遊詩人や吟遊詩人は、メロディーと歌詩の膨大な資料を残しました。彼らはヨーロッパ中で模倣されました。メロディーと詩は繊細で高度に組織化されており、貴族社会の産物です。原稿には伴奏がないことが示されています。おそらく即興で作られたものと思われる。

13 世紀から 14 世紀にかけてヨーロッパで多声音楽が成長するにつれて、作曲家は主旋律をソロ歌手に割り当て、副旋律を楽器で演奏することを学びました。 1 つのメロディーに前のメロディーを模倣させる手法は、15 世紀に精巧なテクスチャーに導かれ、ボーカル ラインの優位性が脅かされました。その後、最小限の伴奏、ほんの数和音だけの曲で反応が起こりました。これらは広く普及し、16 世紀までにテキストの注意深い宣言と聞き取りやすさが再び中心的な関心事になりました。

17 世紀の劇的な音楽では、歌のスタイルがさらに洗練されました。レチタティーヴォとアリアの間には区別が生じ、前者は完全に言葉中心で自由で和音伴奏は最小限で、後者はより技巧的で旋律的に精緻で、より豊かで多様な伴奏が伴う。音楽的により興味深いため、アリアはオペラ、カンタータ、オラトリオの主流を占めるようになり、18 世紀にはこれらのジャンル以外の独唱曲には比較的ほとんど注目が払われなくなりました。たとえば、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトやヨーゼフ・ハイドンの歌は、彼らの最高の作品とはみなされていません。キーボード伴奏を伴う単純なストロフィック（スタンザイック）な曲が栄えたのはポピュラー音楽だけでした。

19 世紀初頭、フランツ シューベルトの歌曲は劇的な実現性と音楽的な品質において優れていました。ロベルト・シューマン、ヨハネス・ブラームス、その他のロマン派の主要な作曲家は、ストロフィックな旋律を変化させる技術だけでなく、伴奏の潜在的な重要性もシューベルトから学びました。フェリックス・メンデルスゾーンは、ピアノの音だけで詩的なイメージを呼び起こす文字のない曲を集めた『無言歌集』（1832～1845年、Lieder ohne Worte）で、最終的に伴奏を歌の地位に押し上げました。フランス歌曲では、ガブリエル フォーレやクロード ドビュッシーなどの作曲家の作品は、言語の流動的なアクセント パターンの影響を受けて、変化する万華鏡のようなハーモニーを特徴としています。

その後の作曲家たちは、声と伴奏の関係を探求し続け、時には声を楽器的に扱いながら、歌手の表現と技術の範囲を拡大しました。たとえば、ジョージとアイラのガーシュインは、スキャット歌唱（意味のない音節を使用して楽器のソロの音を模倣する即興ジャズボーカルテクニック）の提案をオペラ『ポーギーとベス』（1935年）に取り入れました。 20 世紀後半から 21 世紀初頭にかけて、アメリカのボーカリスト兼作曲家ボビー マクファーリンは、単一の楽器の音だけでなく、声だけを使ってアンサンブル全体を模倣する並外れた能力で知られていました。 ( 「シャンソン」「歌曲」「声楽」も参照。)